西方電影音樂發展歷程

㈠ 好萊塢動作片音樂發展史

提到動作片配樂，最具代表性的人物就是漢斯·季默Hans Zimmer 。他的作品揉合了電子樂的炫麗緊湊，和交響樂的磅礴氣魄，幾乎是近年來，典型好萊塢英雄主義動作電影不可或缺的「標准配備」。代表作品：獅子王、石破天驚/勇闖奪命島、斷箭行動、角鬥士、 加勒比海盜、使命召喚：現代戰爭2、盜夢空間、蝙蝠俠前傳3：黑暗騎士崛起等。尤其是勇闖奪命島和加勒比海盜的配樂，相信很多人都比較熟悉。
哈里·格雷格森-威廉姆斯 Harry Gregson-Williams的作品也不錯，代表作：全民公敵、納尼亞傳奇、使命召喚3等。約翰·威廉姆斯John Williams，代表作：星球大戰、侏羅紀公園、拯救大兵瑞恩、人工智慧等。

㈡ 簡述電影音樂及其發展並舉例說明

影視音樂不是純音樂,它是為影視作品而存在的音樂. 影視音樂的構成主要包括:主題音樂,背景音樂,敘事性音樂,情緒音樂,節奏氣氛音樂以及時空過渡的連續音樂等等. 影視音樂的片段性,不連續性和非獨立性特徵就成為它區別於其他音樂的重要標志。 影視作品中的音樂，一部分是參與故事情節的有聲源音樂，在畫面中可以找到發聲體，或與故事的敘述內容相吻合；另一部分是非參與故事情節的無聲源音樂，主要起渲染情緒，突出主題，刻畫人物的作用。 在影視作品中，影視音樂不是自成系統、獨立存在的，而是作為一個組成元素，為影片主題、人物、情節的塑造和發展服務的。因此, 影視音樂不能以自旁邏樣的完整演繹, 復雜的配琴和強烈的音響去與畫面爭奪硯眾, 而應不引人注目然而強有力的方式支持畫面,正如美國電影理論家林格倫所說「 最好的電影音樂是聽不見的。」 好的電影音樂能使原本平實的電影回味深長，熠熠生輝。好的電影音樂更要符合觀眾的心理，使他們產生共鳴，能夠完全融入電影情節中去。 電影, 有了音樂的進入才使其作為視聽藝術更加豐滿, 具有更強的藝術感染力。 電影音樂的創作分類 可以分為原創音樂和非原創音樂，這是根據影片中音樂創作的方式來劃分。由作曲家為影視作品中的某些片段專門創作的音樂我們稱之為原創音樂，由影視創作者從既存的音樂素材中所編的音樂資料我們稱之為非原創音樂。 影視音樂根據音樂介入影視作品的方式來說分為有源音樂和無源音樂，有源音樂是指畫面內出現聲源，無源音樂是指畫面內沒有聲源出現。

㈢ 西方器樂發展歷程以及西方歌劇發展歷程

人類已經邁入一個新的世紀。回顧過去百年來的西方音樂，在整個西方歷史發展中，它究竟起了什麼作用?有什麼意義?得失如何?這些問題也許幾十年後回過頭來可以看得更加清楚。但是，任何事物都是相對的。即便是現在，我們也能從回顧中提出一些問題來加以探討，以利於我們更好地認識和借鑒西方現代音樂。

(一)

1909年在20世紀音樂史中或許是很重要的一年。那年8月，勛伯格完成了他第一首無調性作品《鋼琴曲三首》(op.11)。無調性音樂語言顯得誇張、怪誕，是與世紀初流行於德奧的表現主義流派相聯系的。表現主義者面對黑暗現實，用極端主觀的方式，把內
(二)

第二次世界大戰結束以後，新音樂的實驗非但沒有降溫，反而愈演愈烈。不僅流派繁多、風格各異，參與人數亦大為增加。1945年以前，進行音樂實驗的只是少數作曲家；1945年以後，繼續按照傳統風格寫作的作曲家成為少數，出現了一大批以進行各種音樂實驗聞名於世的作曲家，如梅西安、布列茲、施托克豪森、凱奇、盧托斯拉夫斯基、潘德雷茨基、諾諾、亨策、利蓋蒂、吉納斯特拉、貝里奧、克拉姆等。他們離開19世紀浪漫主義傳統已經很遠，卻代表了西方音樂發展的主流。在這紛繁雜多的現象中，我們仍然可以看出，戰後的新音樂主要集中(不是惟有)表現在下列四個方面：
1.序
(三)

對於"新音樂"的各種看法，可以大致歸納如下：
1.新音樂最終是會被接受的，只是時間而已。就像西方歷史上中世紀的"新藝術"(Arsnova)、文藝復興時期的"新音樂"(NuoveMusiche)、古典主義早期的"華麗風格"(goutgalant)一樣，一開始，也不被普遍接受，但逐漸地，它們就站住腳了。持這種觀點的人認為："從一個音樂時代轉向另一個時代，總是伴隨著進步人士的主張和保守陣營的反對意見。"當蒙特威爾第從文藝復興時期風格逐漸向早期巴洛克風格發展時，當時的評論家對於他使用沒有預備的不協和音，就發出警告，認為這是一種"最危險的革
(四)

70年代以來，嚴格地說，60年代末以來，作曲家們很少再固守什麼教條，忠實於某一特定流派，達姆施塔特(暑期班)獨領風騷的時代過去了。不少作曲家繼續運用以往的音樂語言寫作，各種流派和風格仍然存在。與此同時，出現了新的動向，即一定程度的所謂"回歸"現象，傳統又受到重視。例如，50年代時，威伯恩是那麼受人推崇，而同屬新維也納樂派的貝爾格卻因為他的作品更多的結合了19世紀浪漫主義傳統而顯得"陳舊"，如今，當傳統再次受到重視的時候，貝爾格又變得"新鮮"起來；美國作曲家巴伯，曾被認為是一位守舊的浪漫派，如今，也被當作"先知"受到重新評價

歌劇起源於巴洛克時期（1066-1750），他的發源地是義大利所以當時的歌劇主要以歐洲歌劇為代表，一般認為歐洲歌劇產生於16世紀末。第一部被西方公認的歌劇，是在人文主義影響下，在1599年由佩里創作的《達夫尼》但是最後由於樂曲丟失 也有人把佩里在1600年為慶祝亨利四世婚儀而寫的《優麗狄茜》做為最早的一部西洋歌劇。由於公眾對歌劇的歡迎，1637年威尼斯創設了世界上第一座歌劇院。不過真正意義上的近代歌劇是1607年蒙特維爾第創作的《奧菲歐》作者運用了相當近代化的管弦樂隊為戲劇配樂，用不諧和音烘托氣氛和展現矛盾。在他的歌劇里，獨唱，重唱、管弦隊和舞蹈綜合在一起為劇情服務。並為次種歌劇的體裁起了奠基性作用 ，所以蒙特威爾第被譽為「近代歌劇之父。再次同時威尼斯歌劇學派正式興起。並在1637年威尼斯開放了第一家公共歌劇院—聖卡西亞諾劇院，使得這門藝術走出了少數貴族門檻。進入了平民的生活當中，從此歌劇被搬上大舞台，讓更多的人去接觸和了解他，並有了他自己獨特的發展空間。同時在此後的半個多世紀里，威尼斯前後開放了十幾家歌劇院，為歌劇的發展創造了更大的平台和空間，也預示著歌劇愛好者之多，他已是世界人民正常生活中必不可少的精神食糧了，所以當時有一大批有才華的作曲家拚命的創造歌劇，比較有名的有切斯蒂、卡瓦利等人。這樣為世界歌劇的發展有了很大的推動作用，同時當時的劇院雖然比較奢華但是開始運用燈光和道具，在一定程度上使歌劇院正式成型並更好的為歌劇的發展所服務。在此同時的17世紀中期，出現了以A·斯卡拉蒂為代表的那不勒斯學派，並統治了義大利樂壇和歐洲舞台近一百年。這個樂派特別注重在歌劇中發揮人聲美的作用，使聲樂獨唱水平空前提高，更加強了歌劇的主調風格。當時的詠嘆調已固定採用A—B—A的反復三段體形式，在第三段重復第一段音樂材料時，歌唱者可以隨意炫耀自己的歌喉，在重視人聲的同時，也重視器樂的獨立表現，根據劇情給於相同的配樂，並首創了歌劇啟幕前的器樂合奏—序曲由快—慢—快三部分組成。他樹立的這種歌劇典範形式，被稱為義大利正歌劇（opera seria）。但是由於過分對人聲的表現，歌劇本身空洞單調，形式趨忽略內容的傾向，所以最終走向了衰敗。至於羅馬歌劇，由於處於羅馬教廷的心臟地帶，教會的保守勢力對其百般迫害，最終地內禁演歌劇，從此羅馬歌劇也一蹶不振。不過這並不意味著歌劇將沒落將在世間消失，而是歌劇又以最新的新式最適合當時社會潮流的新新式依然屹立與世界藝術之林。就在義大利正歌劇和羅馬歌劇衰落的同時具有民族性質的歌劇興起，如在德國和奧地利，涌現出了一批歌劇作家，如莫札特、韓德爾、貝多芬等，主要作品有《魔笛》、《費加洛婚禮》、《唐璜》、《費德里奧》《月球上的世界》等不朽之作。在英國也出現了向《狄多和伊尼阿斯》和《乞丐歌劇》的優秀歌劇，特別在法國出現了向古諾、比才、托馬、馬斯奈(Jules Massenet)、德布西、拉威爾等優秀的作曲家。同時興起了喜歌劇和大歌劇 並留下了永遠不朽的《鄉村卜者》 《塞爾維亞的理發師》和《安娜．波蓮》等讓世人驚嘆的作品。這一切都為歌劇的整體發展和改革起到了推動作用，如當時法國的歌劇就加入了傳統的宮廷藝術---芭蕾舞，這在一定程度上豐富了歌劇同時也給歌劇注入了新活力。
就在義大利正歌劇和羅馬歌劇衰落的同時，歌劇這門古老的藝術也經過百年的發展了，其中一些華而不實的弊病逐步顯露出來。歌劇在100年的發展過程中，人們的審美也在這百年裡起了變化有了提升，所以以往那些不變的故事在沒法留住觀眾的眼球了，歌劇急切的需要做出改革，所以一些有識士開始了改革的嘗試。拉摩算是改革的先行者，而最徹底、影響最深遠的是格魯克的歌劇改革。他的主旨是：「質朴和真實是一切藝術美的偉大原泉，在次基礎上各地也在對歌劇悄然的做出改革，一些有才華的作曲家也在嘗試著對歌劇作品的新新式進行創作。同時格魯克對老式歌劇做出了大膽的改革，刪除了很多不利歌劇表現的東西，使當時改革後的歌劇為之一新，並影響了整個19世紀的歌劇發展，其中羅西尼、瓦格納等作曲家一直在此影響和啟蒙下進行著創作和發展。此後在歌劇藝術的舞台上有涌現出了很多有貢獻的作家如威爾第和普契尼等，他們用他們特有的才華對歌劇進行了不同的改革，使之更具生命力和感染力。歌劇從起源到現在也有幾百年的歷史了，新式繁多大小不一，他的發展歷程是坎坷的，但是他給人類帶來的是無盡的精神享受，雖然在當今社會中各種新型藝術對歌劇的沖擊很大，歌劇的愛好者也在越來越少，但是我還是相信歌劇還會以他獨有的魅力立於世界藝術之林，並重新占據每個懂音樂和愛音樂人的心。

㈣ 西方音樂史的發展，分為那幾個時期，以前個個時期的代表作

1、西方音樂史的發展時期

古羅馬時期、中世紀時期、文藝復興時期、巴洛克時期、古典主義時期、浪漫音樂時期、現代音樂時期、新世紀音樂時期。

2、西方音樂史各時期代表作

古羅馬時期—《頌歌》《悲歌》

中世紀時期—《格雷果聖歌》

文藝復興時期—《奧菲歐》《經文歌》

巴洛克時期—《神劇》《受難曲》

古典主義時期—《奏鳴曲》《協奏曲》

浪漫音樂時期—《美麗的磨坊少女》《野玫瑰》

現代音樂時期—《夜鶯》《大地之歌》

新世紀音樂時期—《綠卡》《The Celt》

(4)西方電影音樂發展歷程擴展閱讀：

西方音樂以七弦琴(lyre),阿夫洛斯（aulos)作為音樂的標志樂徽。

七弦琴(lyre)，又名里拉琴，最初由龜弦製成，由手指撥片撥弦發聲，在發展過程中有很多變化樣式，其中最重要的是基薩拉琴（Kithara)。

基薩拉琴屬於里拉族樂器，由里拉發展而來，有5弦到11弦甚至更多不等，常為7弦，也稱7弦琴，基薩拉琴形狀較大，聲音也比一般里拉嘹亮，往往做工講究、裝飾精緻，由於演奏技巧比較復雜艱深，常為專業演奏者採用。而普通里拉琴聲音比較輕柔，往往用於歌唱伴奏和詩歌吟唱，多為業余專業家喜用。

㈤ 影視音樂發展歷史

影視音樂發展的簡要歷程

1
、

默片（無聲）時期

第一位在電影中使用音樂的人是盧米埃兄弟。
1895
年
12
月
28
日在
巴黎的卡普辛大道餐廳，盧米埃兄弟放映了電影史上的第一部商業片，
當時盧米埃兄弟在放映的同時還邀請了鋼琴家做現場的伴奏，所演奏曲
目均是通俗的小品音樂，因此這代表了電影與音樂第一次的交會。

（觀看電影《雨中曲》中當時觀眾欣賞無聲電影時的場景，因為沒
有人物對白，劇情完全靠字幕的形式傳達給觀眾。）

喜劇大師卓別林是當時最具代表性的電影明星。

2
、

起飛時期

對於電影史來說，
1927
年是非常關鍵的一年，因為影像與聲音結合
的技術終於成熟，使得有聲電影正式崛起，觀眾終於能在看電影時聽到
演員們的聲音了。由於故事情節已經能由說話聲與對白交代清楚，從今
而後它就是情緒系統的重要領導者。從有聲電影問世到上世紀三十年代
中期，基本上電影音樂家的作曲方式是以純音樂的形態來構思，因此，
電影音樂脫離不了古典音樂的氣息。

3
、

專業化時期

上世紀三十年代之後，隨著電影的發展以及一些音樂家對電影音樂
發生興趣之後，開始為電影寫作專門的樂曲，電影音樂才有了明顯的特
性與進步。這個時期的電影音樂家以史坦納為代表，史坦納可以說是電
影音樂家的鼻祖。史坦納首創米老鼠式的編曲方式，為早期的電影譜下
不少成功的作品，如《亂世佳人》、《北非諜影》等；此外，恐怖大師
希區柯克與柏納赫曼的《驚魂記》（
1960
年），全片以小提琴的弦樂音
響製造出凄栗驚駭的場面，也成為電影音樂的典範。

電影音樂的主要特徵

1
、
視聽統一的綜合性
——
電影基本上是一種視覺藝術，
但聽覺要素
也是不可缺少的重要輔助部分。

2
、
片斷與整體的矛盾統一性
——
電影音樂在影片中是分段陳述、
間
斷出現的（早期的電影音樂例外）。

3
、
音樂長度的制約性
——
電影音樂受電影蒙太奇的限制，
隨劇情發
展而變化，因而每個音樂片斷的時間長度，均受到嚴格限制（誤差通常
不能超過半秒鍾）。

4
、
音樂與科學技術的不可分離性
——
電影音樂要通過錄音
（包括混
合錄音、光學錄音）、洗印、放映等技術處理，因而深受科學技術的制
約。

電影音樂的主要功能

1
、
描繪作用
——
這是較為客觀性的處理，
主要用音樂來渲染烘托畫
面的情緒及氣氛。

2
、抒情作用
——
主要用於塑造人物性格，表現人物思想感情、心理
變化，體現內心潛台詞等。

3
、
劇作作用
——
音樂參與影片的情節發展，
成為影片結構不可缺少
的組成部分，
包括刻劃人物的復雜內心矛盾，
表現人物之間的外部沖突。

4
、背景氣氛作用
——
音樂以特定音調、樂器音色、風格在影片的局
部或整體中，作為表現時代特徵、民族特點、地方色彩或強化特定的影
片基調與氣氛的手段。

5
、結構貫串作用
——
同樣的音樂在影片中多次反復（或變化反復）
出現，在情節發展過程中起著紐帶作用，既能使整部電影完整、統一，
又能使觀眾在心理上獲得前後貫串的感受。

㈥ 關於西方音樂史的電影

一.古代希臘與羅馬音樂
1-古希臘音樂
比較重要的樂譜殘篇：《俄瑞斯忒斯》、德爾斐贊美詩、塞基洛斯歌
樂器：里拉，阿夫洛斯，基薩拉琴
日神贊美詩：多用里拉琴或基薩拉琴伴奏，多利亞調式，風格典雅均衡，具有理性的光輝。
酒神贊美詩：多用阿夫洛斯管伴奏，弗里幾亞調式，音色尖利洪亮，具有狂放理性的力量。
抒情詩：源於民歌，後由抒情詩人自創自唱，常用里拉伴奏。詩人有：特爾潘德、提爾泰俄斯（戰歌）、薩福（第十位繆斯）
合唱詩歌的著名代表：品達羅斯（崇高頌歌的典範）
古希臘三大悲劇作家：埃斯庫羅斯、索福克勒斯、歐里庇得斯
悲劇：起源於民間的酒神頌，公元前5世紀，悲劇得到很大發展，被視為一種對群眾進行宣傳教育的有效方式。
喜劇：以輕松揶揄的手法描寫和表現現實生活。
古希臘戲劇的意義：對後來的西方音樂具有重要的歷史意義，對17世紀西方歌劇的誕生，以及19世紀瓦格納的歌劇改革理想產生了深厚的影響。
畢達哥拉斯：是西方第一個以理論方式來說明和解釋音樂現象的人，通過弦長比發現八、五、四度是協和音程。
阿里斯多塞諾斯：著有《和諧的要素》，它是古代音樂理論的重要文獻，接受了畢達哥拉斯的和諧概念，但不只注重抽象的數量關系，而是注重從實際聽覺經驗中去認識音樂，深入到音樂構成的具體要素，在音程、調式、旋律中討論音樂的理論問題。他的音樂理論中最核心的內容之一是四音音列。古代關於旋律、音階、調式的理論都建立在四音音列基礎之上。
古希臘調式：多利亞、弗里幾亞、利第亞及各種變體。
古希臘記譜法：字母譜、符號譜
音樂社會功能的學說：亞里士多德認為多利亞調式質朴，具有男子氣，使人安靜並具有力量。弗里幾亞調式狂放，具有酒神精神，可以激發熱情。副弗里幾亞調式容易使人陷於享樂，喪失意志。
柏拉圖認為音樂是凈化心靈，教化品性的重要手段，好的音樂可以使人向善，但不好的音樂可以使人品行不端，並認為音樂的重要功能是為社會教育服務，而不是享樂或娛樂。
2-古羅馬音樂
古羅馬音樂特點：實用性和娛樂性增強，集體性的軍樂以及儀式、遊行音樂非常普及。與古希臘音樂的重要區別是音樂的職業化，古羅馬在音樂的繁榮方面不亞於古希臘，但卻失去了希臘藝術的高尚和純真成為一種純粹的娛樂。
特色樂器：大號、水壓管風琴、大型基薩拉琴
二．中世紀音樂
中世紀：15、16世紀一些崇拜古希臘、羅馬的義大利人文主義者認為他們正處在古典文化「復興」的時期，因而將古羅馬消亡到古代文化的復興這中間長達千年的歷史時期稱為「中間的世紀」，17世紀德國歷史學家凱列爾在《通史》中第一次將人類歷史劃分為古代、中世紀、近代三個時期。音樂史研究一般傾向把公元5世紀西羅馬滅亡到14、15世紀之交看成西方音樂的中世紀時期。
七藝：語言藝術的「三藝」：語法、修辭、邏輯。數學藝術的「四藝」：算數、幾何、天文、音樂。
中世紀的音樂觀念：音樂不是供人欣賞聆聽的對象，不是用來享受或娛樂，它被賦予教化人，使人棄惡向善的道德理性功能。
加洛林文藝復興：公元751-987年，加洛林王朝提倡學術，鼓勵教育，帶來文化復甦的跡象。

㈦ 請問歐美電影背景音樂的的發展歷程

近100年了！！！

㈧ 美國音樂發展歷史

在二十世紀的一段很長時間里，鄉村音樂在整個流行音樂的舞台上只是扮演著一個小小的角色。第一次大戰結束不久，美國新建立的一些鄉村廣播電台經常以鄉村音樂為點綴，播放地區性的廣告時往往以活躍於附近地區的鄉村音樂家所表演的音樂節目為其簡短的前奏。到一九二四年，這些音樂已擁有一個北方的市場，主要由肯塔基鄉村音樂家表演的谷倉舞前一次成功地出現在芝加哥。同時，唱片灌制業也開始對鄉村音樂發生極大興趣，其目的是為了發行圓形唱片，主要是在鄉村中商店裡出售。他們很快便驚奇地發現，對這種唱片的生產存在著全國性的需求。爵士樂主要使用管樂器，鄉村音樂則主要依靠弦樂器。小提琴、吉它和班卓琴在鄉間越來越流行，它們例於買到，價格低廉，在重工業奏中容易結合，非常適合演奏業已發展起來而原來的民間樂器已不能勝任的鄉間音樂。 二十世紀三十年代，鄉村音樂在流行音樂主流中的地位得到鞏固。在鄉村音樂家所表演的曲目中囊括多種音樂：民間舞曲、經白人改編的黑人布魯斯、宗教歌曲、描寫鐵路災禍和棉廠辛勞的敘事歌曲、更重要的是表現各種痛苦之人（臨終的母親、孤兒、喪偶者、遠離家鄉的孤獨者、失戀者）的歌曲，為了吸引觀眾，這種歌曲被處理得凄涼惋人，摧人淚下。二戰期間，鄉村音樂在流行娛樂業中的地位急劇提高，其影響范圍有極大的擴展。這大概是由於當時大量人口轉入城市工廠和軍隊，使得這種音樂的鄉愁情調具有獨特的吸引力。 二十世紀五十年代中期，在鄉村音樂中兩種相反的風格居於主導地位。東南部鄉村音樂採用了激烈奔放的「蘭草」音樂的形式，突出了五弦班卓琴高超的演奏技巧；西南部的鄉村音樂民謠風不強，情調較為柔弱，節奏准確明晰，低聲部重音強烈而突出，正是從這種音樂中產生了搖滾樂。 如果我們繼續追溯鄉村音樂的起源，那麼就要拉扯到十八、十九世紀美州大陸最早的白人定居者了。這些從各地而來的移民者唱著他們古老的歌曲，逐漸融匯而成了被人們稱為鄉村音樂和西部音樂的通俗音樂。起先，這些開拓者們的歌曲極大程度地描繪和體現了生活的困苦以及孤獨、焦躁、痛苦的感情色彩。而演奏者和音樂家們與其說是通過音樂手法減緩這種孤獨，不如說是刺激公眾的能動去更徹底地改變舊有的模式，以至使音樂產生了歡欣。事實證明，要保持這種古老音樂原有的精神，就要去掉痛苦和激情—使音樂達到真實的程度。正因為如此，我們的民間音樂才得以過渡到通俗音樂。 然而鄉村音樂歌手似乎都有一個共同的特點，那就是認為快樂就像生活一樣，永遠是不安全的。正因為如此，他們的歌中總是帶有一種冷淡或憂愁。如著名的美國歌曲「The Sound Of Silence」，那種冷淡的旋律，即使是不看歌詞，也能使人感覺到孤獨和陰暗。還有眾所周知的老歌「The Yellow Ribbin On An Old Oak Tree」，雖然旋律輕快，但總是籠著一層薄而淡的金色憂愁。更不用說Joan Baez的「Famous Blue Raincoal」了，簡直讓人感到骨髓都帶著寒氣，歌曲結束後，人都感動得發顫，而又突然莫名其妙地憂傷起來。我想，特別迷戀鄉村音樂的朋友，可能都是多悉善感的人吧！但也不要太過憂傷了，還是笑口常開的為妙，因為連Garth Brooks這樣的鄉村歌曲之王都會說：「雖然我唱人生的不幸，但也唱生活的快樂，因為快樂總是多於不幸！」 1920年代：鄉村音樂的誕生 Jimmie Rodgers的混合音樂風格，Carter家族的堅持傳統的風格，Vernon Dalhart的流行樂風格。界於這些之間，他們勾畫出了美國獨有的音樂文化鄉村音樂的草圖。他們的才能得助於當時的時代氣候：如若大量的無線電和錄音產品被棄之一邊，美國風格的音樂就會被禁固起來，得不到傳播，那麼鄉村音樂也是無法在1920年代被創造出來的。 Dalhart也許已為大多數人所遺忘，但他卻是鄉村音樂的第一位大明星。出生於德克薩斯州東部Marion TySlaughter的一個牧牛家庭的他，在1910年來到了紐約，找到了一份在葬禮上唱歌的工作。然後，他參加了輕歌劇的表演。他的錄音生涯開始與1924年他的"囚徒之歌"（"The Prisoner』s Song"）及其反面的"97遺骸"（"The Wreck of the Old 97"）的發售。他的用特有的方式演唱南部山區的歌曲，贏得了大家的歡迎，並獲得了他在鄉村音樂中的首個百萬銷量。 為了尋求更大的成功，錄音公司開始向南部派出星探。Victor錄音公司的Ralph Peer發現了JimmyRodgers和Carter家族，在1927年分別為他們在Bristol和Va錄了音。"這些錄音在鄉村音樂歷史上獨具重要性。"資深鄉村藝人Johnny Cash這樣說。 Rodgers和Carter家包括了A. P. ，擁有純真音色的妻子Sara，以及吉他高手Maybelle（Sara的堂妹）， 在形成兩種不同風格音樂傳統上，他們起到了非常重要的作用。 Rodgers結合了藍調（Blues）、白人山區歌謠(Yodels)、民謠（Fulk Tunes）的風格來演唱關於游盪者和碼頭工人。而Carter一家則著眼於家園、上帝、母親、家庭和信仰。用的是一種安逸的、諧和的曲風。Maybelle"Carter Lick"成為了鄉村樂歷史上最有影響力的作品。 Rodgers在他的年代頗為流行。當結核病使他虛弱，他卻始終不願放慢瘋狂出片的速度。他對妻子說，"我想要穿著我的鞋死去。" 對於大多數象Carter家族的藝人，演唱只是業余的。在錄音間隙，Sara說，"我們會回家種棉花。"為了省錢，A. P. 在他們的演出海報上統一印上了他們的名字、一句承諾詞"節目保證精彩"，然後下面是許多橫線，用來填寫演出的日期和地點。 Dalhart的知名度日漸衰落。40年代，他在Conn. 的Bridgeport的一家賓館做夜間服務生，直到1948年過世。 任何關於90年代的鄉村音樂的探討都必須從Garth Brooks開始，他是鄉村音樂有史以來專輯最暢銷的藝人，而且舉辦過那種帶有誇張的搖滾風格的演唱會。 Garth提及地受到影響的藝人有George Jones，流行歌手James Taylor，以及頗具魅力的搖滾樂隊Kiss，這使他的鄉村音樂站產出從未有過的精巧，流行。而有一些鄉村藝人，象Reba McEntire和Brooks&Dunn，也跟著把他們自己的演出舞台轉版得絢麗復雜。 Reba曾是個競技歌手，她的天才超越了她那個時代的所有女藝人。她擁有的一系列暢銷金曲，為她在商業運作中牢牢地確立了自己的地位。 Alan Jackson則與Garth Brooks形成了鮮明的對比，他是一個新傳統主義者（80年代的鄉村音樂主流風格），他收集過Hank Williams的小刀，一把Hank的舊吉他，當然還繼承了他的歌曲風格那種簡朴但不失真摯的感覺。 90年代的人們亦是聽著搖滾樂成長起來的第一代，這自然影響到了鄉村樂。今天的鄉村電台交替播放著傳統的鄉村歌曲以及那些受益於比the Carrers樂隊大的多的現代鄉村音樂。 這十年被認為是鄉村樂的另一個發展高潮，但是不象80年代的電影《都市牛仔》（Urban Cowboy）那樣風靡一時。90年代的鄉村樂似乎是穩步發展。當搖滾樂已經侵佔了大多數的電台時，鄉村電台卻聯合起來，堅守自己的陣地，使其成為全美最大規模的電台形式。根據鄉村音樂協會的最新統計，目前全美全日放送的鄉村音樂電台有2，105家。285家電台，其間會穿插播放體育和訪談。

㈨ 西方音樂史的歷程

聿懷中學研究論文
英文流行歌曲各階段的發展演變
序言�6�1 FOREWORD

作為西方文化重要組成部分的流行音樂，從一開始就深刻地影響著西方人，特別是年輕人的生活。改革開放以來，歐美流行音樂的傳入也不斷地影響著我國流行音樂的發展。在感受本土流行音樂的同時，更多年輕人通過日益發達的傳媒把目光放在先行一步的英文流行音樂上。 英文流行音樂從20世紀的三四十年代開始到現在已經走過了半個多世紀的歷程。40年代Nat King Cole那低沉寬廣的布魯斯給人們帶來心靈上的撫慰。50年代「貓王」Elvis Pressley的搖滾促使了一代人自知與覺醒。來自英倫的「Beatles」音樂於60年代更是在全世界颳起搖滾的風潮。美國的鄉村音樂、瑞典ABBA組合的迪斯科音樂都是70年代的樂壇奇范。而80年代是歐美流行音樂大爆炸的年代，音樂商品化走向成熟。Manonna、Jackson這樣的國際巨星應運而生，他們張揚個性、領導潮流。而到20世紀末，英文流行音樂以更加多元化的風格和色彩斑斕的形式展現在人們面前……

此篇論文就是從爵士樂,鄉村音樂,搖滾樂三大方面的角度,詳細的向您介紹英文流行歌曲各階段的發展演變。
英文流行音樂的風格及流派

一、 爵士樂

爵士樂的起源 爵士樂的演變:新奧爾良爵士→搖擺樂→比博普→冷爵士→硬博普→自由爵士→搖滾爵士→拉丁爵士和波薩諾瓦→融合爵士→酸爵士
二、美國鄉村音樂
早期鄉村音樂 西部搖擺→藍草音樂→納什維爾之聲——50年代鄉村音樂→鄉村音樂的叛逆時代——60年代鄉村音樂
三、搖滾樂

搖滾樂產生的背景 搖滾樂的來源 搖滾樂的發展
英文流行音樂的發展及評價
關鍵詞：英文流行音樂發展史 西方流行歌曲簡史
關於我們的調查

關於這次研究課題,我們採用的是上網搜索(文獻研究法),調查問卷(調查研究法) 。
我們的研究成果主要包括論文,調查表,一些流行音樂歌曲的音頻等。

關於調查表,調查的主要對象是在校高中生，因此我們只能說明此次調查僅僅代表他們的立場,與我們的觀點和立場無關。我們僅僅是拿他們的數據進行闡訴。根據調查數據顯示,我們覺得很多高中生對於英文流行曲並不是相當了解,所以我們認為對英文流行歌曲及其類型發展等諸多方面進行一下調查是很有必要的。

例如:在136人參與的英語歌曲占你所聽音樂的多少？這道題中約有75%的同學認為英語歌曲占他們所聽音樂的一兩成,並且大部分同學39人(129人參與英語歌曲對你的學習有幫助嗎?這道題),佔30.2%認為英語歌曲對學習沒有幫助,但有35.7%同學認為對英語口語有幫助。對於獲取英文歌曲的途徑,有46.7%(有165人參與)的同學是根據排行榜或者是媒體推薦的。

英文流行音樂的風格及流派的發展

英文流行音樂,亦稱通俗音樂(popular music)美國的流行音樂作為歐洲英文流行音樂的主體，主要是以歐洲及其它國家的傳統音樂、民間音樂以及黑人音樂為基礎，融合而發展起來的。隨著逐漸演化和發展，又產生出新的種類形式，如爵士樂、廷潘胡同歌曲、鄉村音樂、拉格泰姆布魯斯、搖滾樂等。流行音樂是與嚴肅音樂相對而言的，它不同於嚴肅音樂，因為嚴肅音樂常具有較深的思想內涵和一些專門的知識層面，需要聽眾運用自己的知識和修養細細領悟、品味。而流行音樂對於聽眾來說，其形式短小、通俗，唱起來上口，並且對於聽眾不需要更多的專門僅依靠對音樂的心領神會與感性認識就能理解。
美國流行音樂具有更多的自娛性與商業性。其自娛性來自非洲的音樂傳統。影響最大的，如爵士樂、布魯斯、搖滾樂等，都起源於黑人音樂。

英文流行歌曲的風格尤其發展到現在,已經進入到走向多元化發展的階段,從流行音樂的歷史上來說,並結合我們的數據:在 你知道英文流行歌曲的幾種風格或流派?這道題中,選搖滾的有46人,選爵士的有32人,選鄉村 的有18人,因此我們將重點放在這三方面上

研究體會

為了探究英文流行歌曲各階段的發展演變,使更多和我們一樣的高中生在欣賞英文歌曲的同時能對英文流行歌曲發展做一定的了解。我們的小組每個成員為了這次研究都沒有說過「放棄」二字。

即使我們在最茫然的時候,也就是在藉助網路搜索功能查閱到相當多的資料(大部分資料都是模稜兩可或者擦不著邊地說出英文流行歌曲是由藍調演變而來的),我們都懵了,眾說風雲的說法左右著我們。特別是在看了網路「知道」一欄之後,更加使我們納悶,在這種情況下,我們的組員分工合作,認真分析了收集到的數據資料,按時間編排,最後我們得到了較少人提出的「同步發展」一詞。其實,英文流行歌曲在同一時期是存在很多風格的,它們並不是按某種風格在發中,而是多樣性地進行。在資料中我們還進一步了解了當時的一些背景,這是我們研究的最大收獲之一。

分工合作培養了我們的團隊精神。最重要的是我們學會了研究問題的方法,嚴謹的態度將對我們日後的學習產生良好的影響,使我們的能力不斷提高。這一次研究的諸多收獲,我們要感謝學校,感謝指導老師,感謝接受調查的同學,謝謝給我們這次機會,我們堅信在接下來的研究性學習中,我們會做得更好！

㈩ 西方音樂的發展階段

古希臘羅馬時期的音樂時間約為公元前3200年~公元400年。這部分的音樂資料只能從考古而來，從發掘出的繪畫、雕塑及少量流傳下來的詩歌文學與哲學著作可以進行了解，但幾乎是不可能聆聽與欣賞。有資料統計這一階段殘存下來的樂譜還不到10件，但是從殘存下來的雕塑等諸多文化遺產可以看出曾經存在 過的輝煌與成就，古希臘的大哲學家都曾對音樂進行過討論與研究，這被後人視為西方音樂之源。在公元前12世紀~前8世紀荷馬時期的兩部史詩反映了古希臘的音樂文化。史詩本身既是文學作品又是音樂作品，它由職業彈唱藝人「阿埃德」用一種叫基薩拉的樂器伴奏吟唱。公元前776年，古代奧林匹克運動會開始舉行，在比賽時常伴有音樂，後來產生了音樂比賽。公元前7世紀~前6世紀，斯巴達把音樂作為國事活動與教育的重要手段，使音樂得到了進一步的發展。公元前146年後，古羅馬征服希臘後，它的文化主要受益於希臘，同時又吸收了敘利亞、巴比倫、埃及等國的文明成果。中世紀時期的音樂西元476年羅馬帝國瓦解後，希臘、羅馬文明變趨衰微。 日耳曼人統治歐洲西半部，歷史上稱為「黑暗時期」，也就是「中世紀時期」。教會是當時人們的生活重心，具有政治、經濟、文化的重要地位，藝術家在宗教中生存，因此當時藝術與宗教息息相關。這時期的音樂活動受到基督教影響很大，音樂多以宗教儀式或歌唱頌歌為主，以功能為重，例如格雷果聖歌。 歌詞多是采自聖經。特色是旋律高低起伏變化小，缺乏和聲基礎，表現朴實。對中世紀音樂貢獻最大的是米蘭主教安布羅斯和教皇格里高利一世。公元390年左右，安布羅斯推行對聖歌的雙聲合唱，引入和聲，並准許非僧侶、教士的俗人參與演唱。是教會音樂得以發展和普及。公元590年-604年在位的教皇格里高利一世，編出一套用於庄嚴禮拜的曲目，並用法律形式規定在祈禱儀式中必須有音樂，形成一整套格里高利聖詠，成為宗教創作的典範，後來又發展出記譜法，雖然尚沒有小節線和五線譜，但使用高低位置記譜的方法為五線譜的發明提供了基礎，這種記譜法只有四行線，每行前面有三個菱形譜號，結尾有一個菱形譜號提示下一行音高，基本是五線譜的雛形，但不能表示節奏。還成立了培養歌手的學校，在教會勢力范圍內大力推行音樂，使教會音樂在10世紀以前成為歐洲的主要音樂形式。文藝復興時期的音樂文藝復興時期約為公元1450-1600年，在中世紀「新藝術」的基礎上，更加追求人性的解放與對人的內心情感的抒發與表達。這時的音樂家在人文主義思潮的推動下，對復調音樂進行了發展和變革，聲樂與器樂逐漸分離而獨立發展。這一時期五線譜已得到完善，印刷術也運用到曲譜上，這都使音樂的傳播更加便利和廣泛。這一時期有以下幾個較有影響力的樂派：尼德蘭樂派主要音樂活動在尼德蘭的一批音樂家。創作內容多為彌散曲與經文歌等宗教音樂，也有世俗音樂。代表人物有迪費、若斯坎、汴舒阿、奧凱格姆等。威尼斯樂派在1530-1620年間的一個器樂樂派，其特點是音響氣勢寬廣宏大、對比效果鮮明。創作內容有銅管樂與弦樂的重奏曲、管風琴的前奏曲、幻想曲與托卡塔等。代表人物有維拉特、A.加布里埃利等。羅馬樂派此時期的一個專門創作服務於宗教作品的樂派，以無伴奏合唱的形式為主。代表人物有帕萊斯特里納、G.M.納尼諾、F.索里亞諾等。巴洛克音樂巴洛克音樂指歐洲在文藝復興之後開始興起，且在古典主義音樂形成之前所流行的音樂類型，延續期間大約從1600到1750年之間的150年。巴洛克（Baroque）一詞來源於葡萄牙語「Barocco」，意指形態不夠圓或不完美的珍珠，最初是建築領域的術語，後逐漸用於藝術和音樂領域。在藝術領域方面，巴洛克風格的特徵是精緻細膩的裝飾以及華麗的風格，造成這種現象的主因，是因為巴洛克時期是貴族掌權的時代，富麗堂皇的宮廷里奢華的排場正是新的文化以及藝術的發展中心，而這個大環境的改變也直接的影響到了音樂家的創作。十七、八世紀宮廷樂師所寫的音樂作品，絕大部分是為上流社會的社交所需而做，為了炫耀貴族的權勢以及財富，當時的宮廷音樂必定得呈現出炫耀的音樂以及不凡的氣度，以營造愉悅氣氣氛。巴洛克音樂的特點是極盡奢華，加入大量裝飾性的音符。節奏強烈、短促而律動，旋律精緻。復調音樂（復音音樂）仍然占據主導地位，大小調取代了教會調式，同時主調音樂也在蓬勃發展。於是復調的和聲性越來越明顯。復調在 J.S.巴赫時代發展到極致。數字低音及即興創作是巴洛克重要的部分，並且管弦樂團編制尚未標准化。古典主義音樂古典主義音樂指的是1730－1820年這一段時間的歐洲主流音樂，又稱維也納古典樂派。此樂派三位最著名的作曲家是海頓、莫扎特和貝多芬。古典主義音樂承繼著巴洛克音樂的發展，是歐洲音樂史上的一種音樂風格或者一個時代。這個時代出現了多樂章的交響曲、獨奏協奏曲、弦樂四重奏、多樂章奏鳴曲等等體裁。而奏鳴曲式和輪旋曲式成為古典時期和浪漫時期最常見的曲式，影響之深遠直至二十世紀。樂團編制比巴洛克時期增大，樂團由指揮帶領逐漸變成一種常規。現代鋼琴在古典時期出現，逐漸取代了大鍵琴的地位。隨著法國大革命對社會造成的沖擊，作曲家的生計也受到影響，由最初依賴宮廷、教會供養轉變為獨立的經營者。浪漫音樂浪漫主義主要用於描述1830—1850年間的文學創作，以及1830—1900年間的音樂創作。浪漫主義音樂是古典主義音樂（維也納古典樂派）的延續和發展，是西方音樂史上的一種音樂風格或者一個時代。浪漫主義音樂比起之前的維也納古典樂派的音樂，更注重感情和形象的表現，相對來說看輕形式和結構方面的考慮。浪漫主義音樂往往富於想像力，相當多的浪漫主義音樂受到非現實的文學作品的影響，而有著相當大的標題音樂成分。浪漫主義的因素，則包含在從古至今的音樂創作當中，而不僅僅局限於某一個時代，因為音樂創作本身，就是想像力的一種表現，而浪漫主義恰恰是想像力的最佳體現。貝多芬是古典主義音樂的集大成者和終結者，也是浪漫主義音樂的先行人，浪漫主義音樂拋棄了古典音樂的以旋律為主的統一性，強調多樣性，發展和聲的作用，對人物性格的特殊品質進行刻畫，更多地運用轉調手法和半音。浪漫主義歌劇的代表是韋伯，音樂的代表是舒伯特。浪漫主義音樂體現了影響廣泛和民族分化的傾向，在法國出現了柏遼茲，義大利的羅西尼，匈牙利的李斯特，波蘭的肖邦和俄羅斯的柴科夫斯基。浪漫主義音樂在瓦格納和布拉姆斯時代逐漸走入歷史。現代音樂現代音樂，也稱現代古典主義音樂（20th century classical music)，是指自1900年起至今，繼承歐洲古典音樂而來的一個音樂紀元，音樂門派繁多，風格多樣。在此之前，現代音樂有兩大 源流：古斯塔夫·馬勒與理察·施特勞斯的後浪漫樂派、和德布西的印象樂派。其分派下音樂種類更是繁多，包括了如布列茲的序列音樂、極簡音樂，Steve Reich和Philip Glass使用簡單三音和弦，Pierre Schaeffer的具體音樂，Harry Partch、Alois Hába和其他人的微分音音樂，還有約翰·凱吉的機率音樂。在現代音樂之前，作為前繼者的歐洲古典音樂家如巴托克·貝拉、馬勒、理察·斯特勞斯、浦契尼、德布西、艾伍士、艾爾加、荀白克、拉赫瑪尼諾夫、普羅高菲夫、史特拉文斯基、肖斯塔科維奇、布瑞頓、柯普蘭、尼爾森等人。當時古典音樂也和爵士樂相互影響，有音樂家能同時在兩個領域作曲者如蓋希文及伯恩斯坦。現代音樂一個極重要的特點是開始有所謂傳統及前衛之分別，它們的音樂原則在一方占極其重要性者，在另一方往往不是那麼重要或不被接受。例如魏本、卡特、瓦瑞斯、米爾頓·巴比特等人對前衛領域有重要貢獻，但是，在此領域外就常常被攻擊。隨著時間，前衛的概念已經逐漸的被接受，兩個領域彼此之間的分野不再那麼壁壘分明，並且出人意表的，這些開拓性的技巧常常被流行音樂所引用：Beatles、平克·佛洛伊德、邁克歐·菲爾德、超脫樂團、電台司令等等耳熟能詳的歌星，還有許多電影使用的配樂。必須注意的是，這篇文章僅僅提領出二十世紀音樂的大綱，所提到的音樂家在一個方面做出貢獻，並不代表他只在該領域發揮。例如史特拉汶斯基在他作曲家生涯的不同時期，他同時被認為是浪漫樂派、現代樂派、新古典主義、以及序列音樂的成員。二十世紀的經濟和社會型態對音樂也有重大的影響力，世界在工業化時代有了逐漸進步的錄音和回放設備，從錄音帶到CD到DVD，有了廣播和電視，以及整個資本主義脈絡的內嵌。十九世紀的人大多自己創作音樂，或者在音樂會上聽到音樂。新世紀音樂（英語：New Age music）又譯作新紀母音樂，是一種在1970年代出現的一種音樂形式，最早用於幫助冥思及潔浄心靈，但許多後期的創作者已不再抱有這種出發點。另一種說法是：由於其豐富多彩、富於變換，不同於以前任何一種音樂；它並非單指一個類別，而是一個范疇，一切不同以往，象徵時代更替詮釋精神內涵的改良音樂都可歸於此內，所以被命名為New Age，即新世紀音樂。