1. 音樂之聲 論文1500字
《音樂之聲》是一部極易看懂的電影，也是一部百看不厭的電影，不管是第一次看還是看過多次，它都能深深的吸引住你的眼球。在電影里，瑪利亞是一個不合格的見習修女，在修道院里，在修女們的眼裡，她愛惹麻煩，她爬樹，吹口哨，頭巾下的頭發里還帶發夾，大逆不道。她讓人疼讓人惱，是一個謎一樣的女孩，她有勇氣承擔自己的錯誤，悔過出於真心，她能讓修道院里嚴肅的修女發笑，她是天使，是搗蛋鬼，也是小丑……然而她只是一個普通的女孩子，只是她比別的修女們更加熱愛自由，熱愛音樂，熱愛大自然。修道院院長看到了瑪利亞的那顆心，她明白那顆心要與大自然同在，要擁有屬於她自己的更廣闊的天空，而不能呆在與世隔絕的修道院里。於是，院長介紹瑪利亞到薩爾茨堡當上了前奧地利帝國海軍退役軍官馮·特拉普上校家7個孩子的家庭教師。
電影最能激勵我之處，是瑪利亞在去特拉普上校家之前作的思想准備。瑪利亞是特拉普上校家的第十二個家教，但她對自己有信心，她相信力量不存在數字里，力量不存在財富中，力量存在一夜安眠中，要醒就醒，那是精神，把心交給信心，她對信心更有信心。在我們的現實生活中，很多時候困難、挫折考驗著我們的信心，可自信心似乎往往過於脆弱，樹立一定自信心是我們克服困難的前提，看過很多關於增強自信心的文章卻收效不佳。但是在《音樂之聲》的這個場景中，聽著從瑪利亞嘴裡泊泊流動的歌詞，看著她大闊步往前走的姿態，不免欣慰，心裡也不免闊朗起來，坐在屏幕前微笑著似乎也看到許許多多的困難就那麼跨步之間被制服了。
電影里最快樂的情節要數瑪利亞與特拉普上校家7個孩子一起相處的時光了。開始雖然孩子們排斥她，捉弄她，在她口袋裡放癩蛤蟆，在她的座位下放鬆果，讓她難堪。但她理解孩子們成長中的各種苦惱，她關心他們，幫助他們，引導他們，很快贏得了他們的信任，成了他們的知心朋友。上校準備離家去維也納，在那期間，瑪利亞和孩子們排練歌曲，做游戲，去大自然中遊玩，使整個家庭平添了許多笑語、歡樂和生氣，充滿了音樂之聲。當上校回到家裡，發現被他當「水兵」訓練的孩子們已變成了一個很好的合唱團了，而以前家裡冰冷的氣氛也變的活潑有生氣了，孩子們的歌唱聲深深吸引了上校，在瑪利亞和孩子們的期待下，這位因喪妻而變得抑鬱寡歡的冷漠上校終於拿起吉他，彈起了他最喜歡的那首奧地利民歌《雪絨花》。與父親擁抱在一起，孩子們終於又找回了慈祥的父親，特拉普上校也終於感覺到了找回了自己的家，一種久違的幸福感覺湧上心頭……
電影中最感動之處，是瑪利亞與孩子們、特拉普上校一起克服困難的種種場景。當瑪利亞喚起對特拉普上校的愛情時，她知道上校要與男爵夫人結婚，她留下一封信就回到修道院去了，院長對她說：That you have to look for your life（你必須追尋自己的生命。）她重新又回到了特拉普上校家，追尋自己的生命，她勇敢的去面對，終於和特拉普上校結成伉儷，然而生活中的磨難沒有止境，在薩爾茨堡舉行奧地利民謠音樂節的當天，上校和瑪利亞接到了柏林的來電，命令上校參迦納粹的海軍，上校拒絕為納粹服務，他決不背叛自己的祖國和人民，於是他准備冒險帶全家離去。可他和他的全家被置於嚴密監視之下，在這種情況下他們沒有退縮，而是借著參加民謠音樂節的機會，特拉普家庭合唱隊在奧地利同胞面前奉獻出他們心底里的歌《雪絨花》並帶動全場觀眾加入大合唱，喚起了奧地利人民反對侵略的正義心聲和不畏強暴的必勝信念。最後在朋友和修女們的協助下，瑪利亞一全跨過了阿爾卑斯山，逃出了多難的祖國，來到了自由之地。
電影落下帷幕，可是那歡快的歌聲，動人的場景卻將永遠印在我的頭腦中，鼓舞我向前，將讓我學會堅強，不畏懼困難，時刻對生活充滿信心，快樂的生活，用自己的真心理解他人，用自己的力量去幫助他人！
電影《音樂之聲》告訴了我，人世間最美好的就是真、善、美！教會我要用善良與充滿愛的心去對待身邊的人！要熱愛自己的祖國！
2. 求一篇經典電影音樂賞析的論文啊。。。
1900音樂的靈魂,音樂的天使
1900一組數字么？不！他是一個人名，他是音樂的靈魂，音樂, 船 和海是他生命的全部。他是哪裡人？這個問題也許是耐人尋味的，他屬於海上屬於船上 屬於上帝但不屬於陸地。出現在鋼琴旁，也許只能用出現這個字眼，因為覺得他不屬於任何人遺留下了的，屬於上帝賜給這世間的禮物，那是音樂的靈魂，眼睛是他接納外部事物的窗口，心靈是他醞釀靈感和體會感受的地方，手指撫摩著鍵盤所發出的美妙聲音是他表達那具有靈魂的音律的方式。
路地對他來說只是世間浮華假象的載體，一個女人？一作房子？一片地？一個平凡或在外人看似奢華的正常人生活？在他看來不存在任何意義，他不屬於這樣的生活，不屬於陸地 他不屬於這個世界，他生來沒名字 沒身份，一生在屬於他的地方度過，也許在人們看來他只是一個世間的過客，但也許在他看來每個人才是他人生過客，我們不需要知道他的身份，他的相貌，他的名字等等。只需要記得那些曾經打動人的美妙旋律，只需要記住一組數字1900。
影片中那張《Playing love》的母盤一直是影片的一個重要線索，正是這張唱片打開了「康」記憶的閘門，開始了對1900的回憶。
反觀這張唱片，是在1900為「唱片公司」錄音的時候恰巧在窗戶上正在照鏡子的她時即興創作並演奏的（是否為即興我還不是很確定）。這張承載了1900純真唯美的愛的唱片是1900本來准備送給她的禮物，結果卻在這紛繁的社會中一次又一次的錯過......（不知道是不是也預示著像1900這樣純真唯美的人在這樣的社會中也無會法生存）
再到後來1900下船計劃失敗，將那張唱片親手毀掉，給我們留下了和「康」同樣的疑問。而最終1900也沒告訴「康」那張唱片是誰放進鋼琴里的。
我思考了很久，也看過好幾次影片（當然不是專門為了這個去看的，否則就太......），一直找不出一個導演「布置」的這樣一個人物——把唱片粘好放到鋼琴里人物。
記得有一天，很平常的一天，我突然很想聽那首《Playing love》，就打開電影，快進到那首曲子。合上了眼，靜靜的享受著耳機里傳來的美妙的聲音......聽著聽著突然想到了，是1900親手粘好這張唱片並放到那架屬於他的簡易鋼琴里的。
海上鋼琴師展現了人的天賦的偉大，人情感世界的博大，都想大海一樣。但也展示了人的極端脆弱性，無助與孤獨，在我們每個人身上都有，所以大部分人的世界不會比那條巨型海上客輪大，我們不敢走下船去，只願意隨波逐流，安穩地在自己的世界裡歡笑和煩惱，最後象那條船一樣，報廢和炸毀，炸毀的是自己，也是自己的那個小小的世界。
大海與船，一個無限大，一個那麼小，兩者又緊緊地聯系在一起。這真是最值得讓人冥思的一對矛盾。
沒想到在暴風雨中可以闊步而行，雖然別人都被晃得嘔吐；更沒想到在暴風雨中竟然可以便彈奏，邊隨著鋼琴在大廳里漂游滑行，如花樣滑冰一樣，但伴隨著彈奏者的微笑、輕松、幸福、投入，伴隨著優美的樂聲，伴隨著初識朋友的聆聽，人、鋼琴、客輪、大海、暴風雨組成了一幅最浪漫的最詩情畫意的人生至景，那真是影片中最美妙的時刻，也是每個人夢寐以求的時刻。倘若有一天，一個天才坐在我身邊，此情此景，彈奏著隨興而發的樂章，那麼，我該是多麼幸福的人啊！
無疑每一個觀眾都喜歡這個不幸與幸運交替，有著驚人的天賦和致命的缺點的海上鋼琴師。陸地、城市、人群。連我們每日生活於都市中，習慣於都市生活的人都難以避免憂郁、孤獨、哀傷、空虛，我們何苦苛求那位從小在客輪上快樂成長，每日在音樂中幸福暢游的人呢？只是他誕生於客輪，也毀滅於客輪，提醒者陸地上的人：什麼是世界，什麼是幸福，什麼是人生？世界有多大，人生有多長，幸福又如何得到？
他終於沒有跨上陸地，大家異常惋惜。回頭想想，我自己的世界又比他大多少？我的內心比他更能感受世界嗎？誰能真正面對這個世界？也只能象只螞蟻一樣，扎如人群，再也看不到。
好像多了點...自己刪吧
3. 電影主題曲音樂論文
談《格薩爾》說唱音樂藝術
一、如何評價音樂在《格薩爾》說唱藝術中的作用
建國以來，由於國家的重視和眾多專家學者的長期努力，使舉世聞名的史詩《格薩爾》的搶救、整理和研究等工作取得了驚人成就。但對作為該史詩主要藝術形式的音樂的搶救、整理和研究卻十分薄弱。
眾所周知，在任何藝術作品中內容要起到主導作用，但其形式絕非可有可無，恰當完美的藝術形式能夠把真、善、美的藝術內容廣泛傳播、深入人心，以致產生深刻而持久的社會作用。《格薩爾》音樂為傳播這部史詩的基本內容起到了這樣一種典型的巨大作用。
1、內容與形式的關系如果說《格薩爾》的基本內容是該藝術的靈魂，那麼音樂就是它的軀體或血肉，因此它們間存在著不可分割的關系。根據《格薩爾》文學唱詞和音樂的語調風格、節奏規律和結構格式，不難看出它們都具有源於同一個地區文化藝術的明顯特徵，即都是由吸收和借鑒具有濃厚地域特色的西藏康區和牧區廣為流傳的山歌、牧歌和強盜歌的內容和形式而成。兩者不僅語調風格完全相同，而且每句唱詞的頭尾兩處各有一節拍的單詞和中間有三個每節拍雙字的節奏規律，同時它們又都是八字一句，四句一首的結構格式，說明音樂與史詩的淵源關系。在昌都山歌《林中的杜鵑》的一段藏語唱詞唱
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門，第一門叫做宗教門，我強盜不入這一門，手中沒有供品不開門。」諸如此類的各種唱詞比比皆是，數不勝數。很顯然，這與《格薩爾》中的任何一種唱詞完全相同。對《格薩爾》說唱音樂而言，由於說唱音樂與山歌、牧歌存在一定的差異，因而它雖然沒有直接吸收山歌、牧歌等音樂素材，但仍利用或吸收了該地區的其他傳統民間音樂。如以昌都民歌《美酒獻給好頭人》為例：
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下面是一首《達嶺大戰》中一個名叫阿滾的牧養人所唱的人物專用唱腔——《牧養隨風悅耳曲》：
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假如我們對以上兩首歌曲的基本藝術風格、音階旋法、調式調性和節奏形態等進行比較研究，從中能夠清楚地認識到，兩者不僅是同一個地區的姐妹藝術，而且還可看出它們在藝術實踐中相互借鑒或吸收的淵源關系。這兩首歌曲雖然在結構形式上存在著較大的差異，如《美酒獻給好頭人》是八字一句，一句一首的較為原始的歌曲，而《牧養隨風悅耳曲》是八字一句，四句一首的結構趨於完整的唱腔。但是兩者間的這種差別正好說明了它們各自先後產生的歷史年代以及彼此吸收、借鑒的基本傳承情況；就音階旋法和節奏形態等方面實際存在的共同特徵的確清晰可見，一目瞭然，特別是調式、調性方面更是不謀而合地成為極其相同的歌曲。在《格薩爾》說唱音樂的旋律中，諸如此類的情形比比皆是。
2、豐富多彩的《格薩爾》音樂為傳播和發展史詩的內容起到了不可替代的作用也有人會問：「《格薩爾》音樂還有什麼豐富可言，無論何種人物，不分男女，也不分人畜，更不分環境和感情的變化不都是使用那幾首有限的唱腔曲調嗎?」其實這是一種誤解。根據史詩中的明文記載，《格薩爾》唱腔音樂本來豐富多彩，但它由於完全依靠原始的口傳形式保存於民間，未能以文字形式一一記錄下來，使其失去了眾多的唱腔。而廣大的民間仍保存著許多類似唱腔。根據近代許多「仲堪」（《格薩爾》說唱藝人）的說唱表演，他們為了講述更多更長的史詩而把主要精力集中在內容方面，對於音樂唱腔的使用還遠遠沒有做到人物專曲專用的基本要求，因而發生各種人物共同使用幾首唱腔的情形，但這絕非是《格薩爾》音樂的真實情況。根據目前這部史詩的所有說唱記載，都是為了更好地塑造和表現眾多人物的藝術形象與思想感情，在每段重點唱段前不僅明確了唱腔的標題名稱，而且有的人物對自己所使用的唱腔作出了種種解釋或贊美。如在《霍爾嶺大戰》中，當格薩爾王從羌塘回到嶺國時，藍色的獵鷹在對國王的唱段中唱道：「我很想唱首《潔白的六聲曲》，但我嘴角堅硬不能唱，現用首《獵鷹六聲曲》唱出家中發生的諸事。」我們還可以進一步探索這一現象。如《賽馬稱王》全書共由56個唱段組成，其中以人物特定標題性專曲專用的唱腔就達36首之多；《霍爾嶺大戰》全書共由233個唱段組成，其中以人物特定標題性專曲專用的唱腔就有46首，等等。如果按此方法對《格薩爾》中的所有音樂唱腔進行統計，那麼可以肯定《格薩爾》的音樂唱腔不僅豐富多彩，而且數多量大，是一種十分龐大的曲調群體。關於不同人物所使用的特定標題性專曲專用的問題，在《格薩爾》中有了簡略的說明。如在《達嶺大戰》中，嶺國要人米瓊唱道：「深明行道是活佛曲，大@①九聲是咒師曲；母虎吼叫是官人曲，吉祥八寶是僧人曲；我唱喜鵲揚聲曲。」反映了不同人物使用標題性專曲專用的習慣。另外，隨著故事情節的變化，每個主要人物又有眾多特定標題性唱腔，而且為了表達不同的感情使其成為不同的種類。在《賽馬稱王》和《霍爾嶺大戰》中格薩王使用幾十個不同種類的唱腔，如《大海盤繞古爾魯曲》、《金剛古爾魯曲》等是顯示人物特殊地位的唱腔；《宛轉的情曲》、《終生無變曲》、《吉祥八寶曲》是表現人物談情說愛的曲種；《呼天喚地曲》、《呼神箭歌曲》是祀祭用的曲種；表現人物在大庭廣眾敘述實例的專用曲種有《大河慢流曲》、《歡聚江河慢流曲》、《高亢宛轉曲》；表現人物戰斗激情的專用曲種有《攻無不克的金剛自聲曲》、《威鎮大地曲》，等等。類似情況在《格薩爾》說唱藝術中處處可見。所有這些充分說明，音樂以其獨有的藝術手段或功能塑造了眾多不同人物的藝術形象，為史詩的內容增添了無比輝煌的光彩，為《格薩爾》的傳播、發展起到了巨大作用。
二、吐蕃時期民族古典音樂與《格薩爾》音樂的比較研究
《格薩爾》說唱音樂是一種與眾不同的「標題化」民族曲藝說唱音樂藝術作品，這是它的特點之一。為了便於論述，首先簡略地說明標題音樂的基本含義以及民族音樂與民族音樂的相互關系等問題。
縱觀國內外民族音樂的發展歷史，「標題音樂」這一專用名稱出現於19世紀西方音樂大師們的作品中，它是主要用來說明器樂作品內容的一種體裁名稱之一。每個樂章有一個小標題——這些標題就是為了提供或引導廣大聽眾探索它們的內在含義。如以貝多芬的《第六交響曲》為例，《到達鄉間而引起的快感》為第一樂章、《溪邊景色》為第二樂章、《大雷雨》為第四樂章。
在藏民族豐富多彩的民族民間音樂中，雖沒有見到標題音樂作品，但以種種專用標題作為歌曲特定名稱來說明歌曲旋律所包含內容的聲樂作品還是特別繁多，如《格薩爾》中所出現的音樂的標題名稱就是一個很明顯的例子。關於民間音樂與民族音樂的關系問題，民間音樂是人民集體智慧的結晶，民族音樂是民間音樂的創新與發展，換句話說，民間音樂是民族音樂的根基，而民族音樂則源於民間音樂。《格薩爾》音樂是經過有人專門創作的民族說唱音樂。如果要問《格薩爾》音樂的這種特定標題名稱又源於何處呢?對此只要對吐蕃時期民族古典音樂與《格薩爾》音樂進行比較研究，就可以找到其答案。
吐蕃贊普赤松德贊（730～797年）時期是藏族文化得到空前發展的一個時期，據《西藏王統記》記載，787年建成桑耶寺時，從國王至臣民百姓每人都演唱一首歌曲，「國王赤松德贊唱《國王歡樂之歌曲》……王子牟尼贊普唱《人間明燈曲》，王子牟底贊普唱《雪獅傲相曲》，王後們唱《柔枝松石綠葉曲》……蓮花生大師唱《威鎮鬼神曲》……壯年的男子們唱《九座虎山重疊曲》，年輕的女子們唱《鮮艷的花環曲》……」《五部遺教》中還將當時所演唱的歌曲歸納分類成「4種咒師之曲、13種首領歡歌、9種天神之曲、5種人間之曲、13種龍神之曲，以及八瑞祥物婚禮曲」等共計45種民族古典音樂。因此藏族特定標題性聲樂曲的歷史特別悠久。眾所周知的「古爾魯」是吐蕃時期贊普們專用的一種詩歌藝術，據記載這種詩歌都配有音樂旋律，藏語中稱其為「古爾魯」，是藏族聲樂的古典歌曲之一。在《格薩爾》說唱音樂中將《大海盤繞古爾魯曲》和《金剛古爾魯曲》等唱腔都作為格薩爾王所特有的唱腔，說明了藏族古典音樂與《格薩爾》音樂的傳承關系。又比如蓮花生大師在桑耶寺竣工大典上唱的《威鎮鬼神曲》和王後們唱的《柔枝松石綠葉曲》與格薩爾大王的專用唱腔之一《威鎮大眾曲》和珠姆王後的專用曲之一《杜鵑六聲曲》的基本形式、風格特色有著前後傳承的淵源關系。遺憾的是這些民族古典音樂旋律未能流傳後世，使今人無法聽到民族古老音樂的優美動聽的旋律。
三、《格薩爾》說唱音樂的藝術特色
《格薩爾》說唱音樂具有極其濃厚的民族風格和強有力的藝術表現能力，而且顯得特別概括與簡練。這說明它的曲作者賦有很深的觀察生活、表現生活以及以高度集中的藝術手法塑造人物藝術形象的本領。藝術要用形象來表現內容，這就是藝術反映生活的特殊手段。如果沒有反映內容的形象，藝術本身也就不能存在了。《格薩爾》說唱音樂在塑造眾多人物的藝術形象方面具有許多與眾不同的特色。格薩爾王是該史詩中的第一英雄人物，如何在一首高度概括與簡練的曲體中塑造這一英雄人物的基本形象呢?這對當時的曲作家們來說是一個難題。但是，那些無名的曲作家們早已以通觀全局、高度概括、有所側重的手法，即用最少的材料表現出最豐富的內容。如在格薩爾王的專用唱腔中，每當他與敵人面對面地進行生死搏鬥時有幾首唱腔，其中有一曲叫做《攻無不克的金剛自聲曲》，該曲的基本旋律為：
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此曲的整個規模雖不大，但它簡練而准確地塑造了一位指揮千軍萬馬的英雄人物形象。從以下幾個方面了解到它所包含的豐富內容。首先從基本節奏中清楚地看出曲作者為它精心設計了一種具有巨大推動力的節奏，這種節奏為這首唱腔的成功奠定了牢固的基礎，因為節奏就是音樂的靈魂。這四句一首的唱腔中，每句頭一拍的節奏極為突出地採用了一種既有強烈而獨特的彈性，又能夠暴發閃光的切分節奏，使它在全曲音樂旋律中彷彿起到勇往直前的推動作用。為了適應說唱音樂的特殊需要，音樂旋律特別流暢處 僅僅在十度音域之內（@②-@③）進行。當全曲使用特定的節拍，以進行曲的速度演唱的 時候，音樂像排山倒海、氣吞山河般的氣勢顯示出一幅幅氣勢磅礴的戰斗圖畫，藉助音 樂塑造出格薩爾王帶領他的將士勇往直前的高大藝術形象。這首著名的音樂唱腔至今仍 在流傳。
珠姆王後的專用唱腔中有一首充滿情意、優美動聽的唱腔，被稱為《杜鵑六聲曲》。此曲在《格薩爾》的眾多女性人物唱腔中屬於特別典型的唱腔之一，其基本旋律為：
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藏族認為杜鵑是春天的使者，是大地復甦、萬物生長、春暖花開的季節，用表現春天的音樂旋律標題來描繪或塑造溫柔多情、如花似玉的珠姆王後是非常適合的。每當人們聽到這一水晶般透明閃光、充滿情意、優美高雅的音樂旋律時，情不自禁地帶到春光明媚的意境中，那動聽的音樂旋律深深地打動著人們的心靈。這是一首五聲音階羽調式的唱腔，全曲僅在十度音域之內進行，它那流暢上口、回環曲折、樂句巧妙呼應的旋律，以及對終止音的變化處理，令人感到起落有序，表現出珠姆這一人物光彩奪目、綽約多姿的美麗形象。
四、搶救、整理和研究《格薩爾》音樂迫在眉睫
《格薩爾》說唱音樂在藏民族眾多音樂種類中作為一個具有特殊重要地位的龐大的曲調群體，在漫長歲月中由於種種原因使這一珍貴的民族文化遺產漸漸地走向衰落，究其原因主要有以下幾點：
1、能歌善舞的古代藏民族，雖然創造出豐富多彩的民族音樂文化，但由於當時還沒有一種能夠適當記錄音樂旋律的譜號或文字形式，使許多珍貴的民族傳統音樂未能流傳下來，今天已失傳的吐蕃時期的眾多古典音樂就是一個典型的例子。《格薩爾》說唱音樂雖然在廣大民間以口傳形式流傳，唱腔的標題名稱也完整無缺地出現在史詩之中，而它的許多唱腔曲調已漸漸地失傳。
2、和平解放西藏以前，歷代統治階級對於民間傳統文化藝術缺乏最起碼的保護意識，許多民族民間文化藝術始終處於自生自滅的狀態，這也是《格薩爾》音樂厚古薄今的主要原因。
3、解放以後，國內外各種新的文化藝術不斷傳入我區，一方面極大地豐富和滿足了人們的精神文化生活需求；另一方面由於新文化藝術的傳入，使本民族傳統文化藝術受到了空前的撞擊，享受現代文化藝術生活的藏族新一代對古老傳統文化的興趣日益減退，於是傳統文化藝術「人死藝亡」的狀況更加嚴重。
根據以上情況，對音樂遺產的搶救工作迫在眉睫。要想搶救、整理和研究《格薩爾》音樂，首先必須抓緊抓好音樂唱腔的搶救工作，只有這樣才能進行整理和研究工作，否則它在史詩研究領域中仍將處於一種特別薄弱的環節。十一屆三中全會以來，國家特別重視對民族傳統文化遺產的搶救工作，曾採取各種重大措施，投入大量人力和物力，使史詩的搶救、整理和研究工作取得了令世人贊嘆的成果。但對這部史詩的整體藝術中具有重要價值的音樂的搶救仍存在許多不足之處，主要表現在對它的搶救工作既缺乏領導的足夠重視，也缺乏應有的經費投入和專人負責管理等。如果這「三缺」問題得不到很好解決，那麼《格薩爾》音樂的搶救工作無疑將是寸步難行，一事無成。
結語
根據本人長期搜集《格薩爾》說唱音樂的親身體會，結合對史詩中有關音樂的分析研究，《格薩爾》音樂絕非是由東拼西湊、寥寥無幾的少數曲調所組成的，它是一種屬於特定標題性民族傳統說唱音樂，即以獨特的藝術形式，以人定曲、專曲專用的龐大的唱腔群體。它曾吸收或借鑒了吐蕃時期民族古典音樂，體現了藏民族在音樂方面所賦有的特殊才能和智慧。分析《格薩爾》音樂，其始終運用音樂固有的特殊功能，塑造出眾多人物的藝術形象，為史詩的傳播和發展作出了巨大貢獻。為了使這一民族優秀傳統文化繼續發揚光大，充分顯示出本民族藝術的特點，努力從事史詩《格薩爾》說唱音樂的搶救、整理和研究工作是擺在我們面前的重要任務。
希望我的回答對你有所幫助！
4. 求關於影視音樂鑒賞的論文，急
C小調彌撒的情感，已絕對不是歡快性質，也與他十歲那年創作的 kyrie相距何其之遙！但到了「信經」曲，三次輪回的快版，把對上帝的信心表達的又是何其明確！因此這首彌撒曲很顯然已完全不是敷衍著主教的要求，而是個人的真實信仰告白了。他要說的不是偽善的宗教，而是能真真實實安慰他短暫又痛苦的塵世生命的信仰。這種告白，絕對不是要求規格與形式的薩爾茲堡所能接受。
寧靜祥和的微笑
莫札特與父母親莫札特生命中最後的貧病交加的五年，曲風再度改變，從偶而出現突然結束的焦慮不安中掙脫，回到平靜無波甚至有些逍遙感的曲風。譬如他去世那一年的第二十七號鋼琴協奏曲（KV595），其流暢的音符，因偶而的轉小調，就絕對不再僅只是歡愉感的，但其返回大調，或優美不陷溺進情感的慢版，仍讓人分享到他的平靜無波。這絕對遠遠超過他早期的「歡愉」境界，是苦難中的安息了。
莫札特去世的那年彷佛是想把未竟之志全數完成一般，在病痛中還是維持大量的創作。其中有一首大概是為領聖餐儀式而作的宗教「Ave verum corpus」（KV618），簡直是無法想像的超然平靜，四部和聲緩慢優美而無波瀾的述說基督之愛，根本無法想像創作當時莫札特正在生命垂危之際奮斗。
莫札特在他死前兩年，曾經跟來比錫托馬斯合唱隊隊長談了一席話，他後來寫信給父親時提及此事。他跟隊長說：「我覺得你完全感受不到『上帝的羔羊基督，你洗卻世上的罪，請賜予我們和平』這句話的意思....。我從童蒙（註：莫札特的父親在耶穌會受了整整十二年的，並得博士學位，他非常重視莫札特的宗教教育。）就進了宗教的神秘聖殿，滿腔熱情期待彌撒開始，卻不知到底要得到什麼....，如今經過庸祿的生活，這一切又重新浮現，並深深感動著我的心靈，我樂於為這些聽過千百次的話，譜成音樂....。」莫札特當年與主教之不合，顯然與主教的成見有關──好動，滑稽可笑，動不動講黃色笑話的音樂家，怎麼可能在在實踐上都明白信仰真理？？但莫札特這從來與無緣無關，從不知道他將在生命末期經驗法國大革命的人，卻寫出嘲弄達官貴人，幫助一切平民的「費加羅婚禮」，以至於貴族紛紛疏遠他，加深他的貧困。當主教斥責他沒有教養，是個壞蛋，他卻於生命的後面十年，加入有平等思想扶弱濟貧的「共濟會」....，這一切都表明莫札特不是沒有信仰，而是無法把他自己的信仰跟形式化教條僵化的宗教氣氛，與只在上流閑談的宗教氣氛連結。這正是他在薩爾茲堡受困，而後貧病交加的主因。
莫札特的「安魂曲」（Requiem, KV626）手稿莫札特在母親為他勞累旅途中病故後，雖然其創作有一段時間明顯出現一反輕快風格的哀傷，但他還是寫信給父親說：「我順服上帝的意志」。當父親病危，他貧困交加的人生中再也沒有長者的撫慰，莫札特跟父親說：「我永遠感激我的創造者，並由衷祝福我周圍的人都可以有像我一樣的幸福感。」最後，當他思索死亡時，寫信給父親道：「既然死是我們生命的真正終極目的，它對我而言就不再是某種令人驚恐的東西，而是讓我感到安寧寬慰的東西。我感激上帝讓我有機會認識死，上帝讓我知道，死是達到真正的幸福的鎖鑰。」看過這些出自心靈的信仰表白，就不難明白，莫札特在創作中期離開薩爾茲堡前後，雖經歷生命中嚴重的挫折傷害與懷才不遇，卻仍走向創作中後期的平靜愉快。這種平靜愉快絕不是不解世事，因此即或是很容易傾向憂郁的小調，還是充滿平靜感，最終面對死亡，竟能創作出 KV618的天籟之曲了！
宗教與的關系，絕不是宗教扼殺藝術那般的一語化約──雖然形式化教條，的確使藝術窒息，莫札特也曾因此憤慨向朋友說：「作人還是不要太『虔誠』比較好！」，但形式化與教條絕不是宗教的本意。
我們在聆聽莫札特的音樂時，多少會體會到一種非出自自我的超然的情感，一種「不可言喻的奧秘」，因此有人說莫札特的音樂是「超驗的音樂」，但這終歸是因為莫札特自身先從自身的生命中掙脫，體會到一種超驗情感的向度。因此我們可以歸結：不是藝術可以取代宗教，而是宗教真實的體會與深度，賦予藝術一種非凡的內涵，因而走向超越的向度！
5. 求經典影視配樂論文
《羅馬假日》（Roman Holiday）是1953年由美國派拉蒙公司拍攝的浪漫愛情片，故事講述了一位歐洲某公國的公主與一個美國記者之間在義大利羅馬一天之內發生的浪漫故事。影片由格利高里·派克和奧黛麗·赫本聯袂主演，取得了巨大的成功，成為好萊塢黑白電影的經典之作。奧黛麗·赫本也因該片獲得了她一生最重要的獎項——奧斯卡最佳女主角獎。電影上映後，片名成為很多商號爭搶的名字，也有用羅馬假日作為品牌的摩托車。
某國王室[1]的安妮公主作為王位繼承人將出訪歐洲的各大城市，消息傳出，引起了極大的轟動。
歐洲之行的最後一站是羅馬，安妮公主很想盡情地飽覽一下當地的優美風光，可侍從們以公主身份高貴、不宜在黎民百姓面前拋頭露面為由拒絕了，並給她注射了鎮靜劑，公主假裝睡著了，待侍從們出去後，她偷偷越窗溜了出來。然而沒逛多久，醫生給她注射的鎮靜劑就發生了效力，她在廣場附近噴水池邊的一條長椅上迷迷糊糊地睡著了。 這時，美國新聞社的窮記者喬·布萊德里恰好經過這里，以為這是一個在狂歡中被灌醉的少女，就租了一輛計程車想把她送回家，可是公主睡得特別沉，怎麼也叫不醒，無奈，喬只好把她帶回了自己的住所。 第二天，報紙上的特別公告使喬意識到他帶回的少女就是安妮公主，於是他欣喜若狂，打算寫一篇關於公主內幕的獨家報道。公主醒後發現了陌生的喬，喬連忙解釋，公主才安心了。她向喬借了一些錢，然後告別了他，又到羅馬大街上閑逛了。 喬連忙給他的攝影師朋友歐文打電話，同時跟蹤公主，在花園廣場上佯裝和她偶遇，便自告奮勇地要為公主做導游，騎著摩托車帶著她游覽羅馬城，同時，歐文也駕駛著小汽車跟在他們後面，拍下了許多珍貴的鏡頭，而這一切，公主渾然不覺。
公主的失蹤引起了人們的驚慌，國王秘密派出了許多便衣四處尋找公主的下落。喬帶領公主來到水上舞廳參加舞會時被便衣警察發現了，他們請公主和他們回去，而公主堅決不肯，警察們要強行綁架她回去，喬和歐文同他們廝打起來，而任性調皮的公主也大打出手，十分開心。趁著混亂，喬帶著公主逃之夭夭…… 一天過去了，公主終於要回宮了，可此時她和喬發現彼此間擦出了愛的火花，墜入了情網。怎奈公主畢竟是公主，平民終究是平民，兩人只能依依惜別。喬拋棄功成名就之良機，將照片送予公主留念，在深情的四目對望中，公主輕輕地對喬說了聲再見……影片特色
作為20世紀50年代的電影，《羅馬假日》的社會背景比如今保守許多，某國公主安妮蒞臨羅馬，生性
活潑的她早已煩透宮廷的桎梏，在羅馬的第一個晚上便偷偷跑出戒備森嚴的官邸徑直到了羅馬街頭。夜色里，她體驗到了從未有過的自由。在街上可以大搖大擺的走路，絲毫不用在乎貴族的繁文縟節。以往矜持的性格變得盪然無存，當其大意的躺在街頭石階上昏昏欲睡時，如果不是碰到派克飾演的記者，天真的公主恐怕就過不了後來的假日了。 人只有在昏迷的狀態里才會展示自己最原始的本性，就算公主也不能倖免。因為在逃跑時御醫打的安定劑使夜遊羅馬的計劃未遂，昏沉的狀態里的她更顯親切、可愛。《羅馬假日》童話般的敘事也從她和記者的奇遇展開。雖然那是個無名記者，但在她昏睡的時候他就像把自己領回家的丈夫，男人成熟俊美的外表使其「甘心」被帶走，這夢幻般的巧遇在現實生活里顯然是極少見的。但電影作為被編織成的夢，有義務提供一種美麗的情感供人享用。 派克飾演的記者顯然是個好男人，開始還不知道夜宿街頭的女孩就是公主。某個時候，他還以為女孩是暗娼。只是當看到那純凈的眉宇中所透出的天真和可愛後便打消了拋開女孩的念頭，也就是從那時起，屬於他們倆的假日開始了。
影片剖析
《羅馬假日》里這個「假日」實質上是指記者和公主共同渴望的「自由生活」，把片名改成《羅馬自由一日》羅馬假日影片封面照(18張)更能說明影片主旨。在對待自由的追求上，公主開始是頑皮和不顧一切的享受自由；記者則是漸漸的被身邊的公主所感染，其實在他那裡，與公主「遊玩」羅馬最開始是作為職業計劃的一部分，這充滿名利熏心的計劃是「反自由」的。如果沒有之後對公主產生感情，他永遠都是一個疲於奔命的記者，記者的使命便是發現新聞，這種使命作為個人慾望體現在其生活的方方面面：他不可能有享受自由的機會，因為記者這個職業就是扼殺別人自由和自己自由的劊子手。
在影片結尾，公主回到了官邸，翌日便舉辦了記者見面會。這時候，他最後一次看到美麗的公主，和第一次在街頭碰見的女孩一樣，只是此刻華貴的白裙將她牢牢包裹。緊接著影片最揪心的情節開始了，高高在上的安妮痛苦的裝作不認識他，但眸子里射出依戀的光隨時都通過空氣反射到他心上。 赫本神奇的演技在見面會結束時得到了最大發揮，細致的觀眾會發現在這個長長的笑靨里，包涵的是從見到情人的喜悅到發現離別哀傷的痛苦過渡。用「神奇」去形容這笑靨是因為赫本把矜持也融進了笑容里。那種公主的矜持既不允許流露欣喜，也不容許一點哀傷。在情感的巨大波瀾中，就算最吹毛求疵的人也只能察覺到在美麗的黛色眸子下閃過的一絲憂郁。但在台下的男人眼裡，這矜持的微笑是對自己不能使心上人自由的責備。但他自己又何嘗能自由呢？只不過倆人不能自由的理由相異：公主是因為人民和國家，記者則是為能繼續生活。 格利高里•派克曾說：《羅馬假日》是赫本的電影，我只是配角。派克的這句話不僅是對赫本演技的贊嘆，也是片中記者的感嘆。片尾，男人傷心的凝望著公主離去後的前台，雖然經歷過比這更大的發布會，但那天真的女孩留給這位記者的震撼太大了。在短暫的一天里，他體驗到比疲於奔命尋找新聞更珍貴的追求，那便是自由和愛一個人。
明星解讀
格里高利·派克（Glegoly Peck）於1916年出生於加利福尼亞州南部聖地牙哥的拉賀亞，他大學原
本主修醫科後轉為英語，畢業後開始了自己的演藝生涯。派克自20世紀40年代開始從影，拍攝過60多部影片，曾5次獲奧斯卡提名。他於1963年以《殺死一隻知更鳥》，又譯為《梅崗城的故事》）中的出色表演而獲得奧斯卡最佳男演員獎。演出的其他著名電影還有：《百萬英鎊》、《愛德華醫生》、《王國的鑰匙》、《鹿苑長春》、《君子協定》、《晴空血戰史》等 奧黛麗·赫本（Audley Hepbuln）於1929年出生於比利時布魯塞爾，父親是一名英國銀行家，母親是一名荷蘭女男爵。她後來進入倫敦
的一所芭蕾舞學校學習，畢業後，成為一名職業模特。1948年開始演電影，1953年因電影《羅馬假日》獲得了奧斯卡最佳女主角獎。赫本一生共拍攝了31部影片，後來還因《蒂梵尼的早餐》、《窈窕淑女》等影片4次獲得奧斯卡提名。1988至1993年，赫本還是聯合國的親善大使，1993年因結腸癌病逝於瑞士。她的代表影片有《姬姬（GIGI）》《甜姐兒》《蒂梵尼的早餐》《窈窕淑女》《謎中謎》等。 威廉·惠勒是美國著名的電影導演，曾捧出過十四位奧斯卡金獎大明星，並且是電影史上獲奧斯卡金獎提名最多的導演。他本人也曾數次獲得奧斯卡最佳導演獎，他獲獎的影片分別為第15屆(1943年)的《米尼弗夫人》，第19屆(1947年)的《黃金時代》，第32屆(1960年)的《賓虛》。他出生於1902年，與1981年逝世，一生拍出了無數的名片，主要作品有《黃金時代》、《呼嘯山莊》、《羅馬假日》、《賓虛》等。
相關評論
6. 要寫個論文，談音樂在電影中的作用，誰能給我推薦幾部電影分析下
上大學時選修外國音樂的論文，當時是93分。
優雅的舞者
——新世紀音樂大師喬治溫斯頓、神思者和他們的音樂小品
我第一次接觸新世紀音樂是在高一的寒假。考完試，去圖書大廈淘碟，無意之間看到了一張不很起眼的專輯。黑色封底，封面正中是一張淡藍色的風景：嚴冬，白雪皚皚，幾棵蕭索的樹徑直地站在白雪之中，背後是望不見邊緣的森林，靜謐而安詳。我不曾聽說過封面上寫到的「新世紀音樂」，更不曾聽說過「喬治溫斯頓（George Winston）」這個名字。然而我看著封面，看著簡單的構圖中透出的幾分獨特的美，喜歡上了它。回到家，帶上耳機，按下播放鍵，清冽的鋼琴緩和而優雅地流入我的心頭，世界此刻也為之靜止。這張專輯出版於1982年，專輯的名字叫《十二月（December）》。
來浙大之前的暑假，收拾行李。我的指尖滑過一整架的CD，最終帶上了這張專輯，一張無論何時何地都會讓我感到十二月中那種獨特的凜冽與澄澈的專輯，它可以輕撫躁動的內心，舒展緊張的身體，讓我完全沉浸在這個超然的世界中。甚至此時此刻，敲擊著鍵盤，我還在聽，聽這張喬治溫斯頓的傑作，《十二月》。
那個與《十二月》邂逅的寒假，我在網上搜索這位大師的生平。美國蒙大拿州的爵士鋼琴手，創作了十幾張新世紀音樂專輯，抒發自己對故鄉的眷戀之情。鋼琴演奏之餘，他研習了經典的夏威夷散弦吉他（Hawaiian Slack Key Guitar）,復興了這種幾乎被人們忘卻的傳統樂器。他還曾為4部兒童音樂劇配樂，包括著名的花生（Snoopy），一個有才華又不失童趣的藝術家。
隨後的很長一段時間中，我一有時間就跑到各個唱片行，想找到喬治溫斯頓的其它作品。情形往往是這樣：我興致沖沖地跑進唱片店，垂頭喪氣的出來。老闆們會搖搖頭，說道：「喬治溫斯頓？就是那個彈鋼琴的，很早以前有，現在很少有賣的了。」跑了不下十個唱片店，一個店員說：「我記得好像有一張，是那個彈鋼琴的嘛！」然後她進裡屋翻箱倒櫃了約莫幾十年，最後拿出了一張已經落了很多灰的專輯。我小心翼翼地擦去灰塵，激動得眼眶近乎模糊：喬治溫斯頓精選集《四季（All the Seasons of George Winston）》。我估計我的確是飢不擇食了，因為我從不買精選集。縮略版的音樂在我看來是對藝術家和聽眾的欺瞞。我本能地抵制速食主義音樂，精選集在某種意義上正是這種滿足普羅大眾的快餐食品。然而我還是滿心歡喜的將它帶回了家，聆聽，直到困得忘了關掉CD機。
買這張專輯後沒多久我遇到了神思者。那是一張封面紅得有些俗氣的專輯《故宮序曲（Palace Sketch）》。封面的噱頭很是嚇人，「繼喜多郎後唯一享譽全球的日本New Age團體」。出於當時對新世紀音樂瘋狂的喜愛，幾乎沒有什麼猶豫就將它買了下來。客觀地說，比起神思者的其它許多令人陶醉不已的電影電視配樂，這張專輯並不算較為出色。但是不久我又在同一家店中淘到了故宮系列的另外兩張專輯《故宮序曲（Paean to Palace Memories）》和《再見故宮（Palace Seeds）》，我這時才後悔當初對神思者先入為主的看法。神思者的音樂——或者更確切地說，為故宮紀錄片所做的音樂——體現了一個對中國文化崇拜者的自己用音樂所做的文化詮釋。在其中不僅有宏大的交響樂背景，更加難能可貴的是一些中國特色的樂器（如電子合成的編鍾，二胡）所演繹的主旋律，聽來源遠流長，回味無窮。
神思者是一個由兩個擅長電子音樂的藝術家所組成的團體。成立之初名叫Sensitivity Project（感性企劃室），86年為NHK電視台的紀錄片《海上絲路》配樂後改名為S.E.N.S.，取sense 和cense的諧音，四個字母分別代表sound nature earth spirit。神思者主要以電影和電視劇的配樂為主業，出版了很多精彩絕倫的原聲碟。我收藏了一張電影《悲情城市》的原聲碟。這部由侯孝賢導演的中國台灣電影，獲1989年威尼斯電影節金獅獎，而由神思者所做的深沉而婉轉的配樂在其中功不可沒。
喬治溫斯頓和神思者彷彿在我心中開啟了一扇新的門，一扇通往一個全新的音樂世界的門。我不再流連於唱片店排在最顯眼的位置上的流行音樂專輯，而是如飢似渴地尋找新世紀音樂專輯，因為比起新世紀音樂，流行在某種意義上顯得那麼膚淺。新世紀音樂——無論是從最早的曼陀凡尼（Mantovani Orchestra）改編古典大師如肖邦，李斯特的作品使之成為雅俗共賞的輕音樂，還是喜多郎范吉利斯為電影和電視紀錄片的精妙絕倫的配樂——囊括了音樂的各個角落。這群對未來充滿希冀的藝術家們將古典與現代相結合，展現出一種空前絕後的藝術流派。以前在看相關資料的時候找到了一位青島大學音樂學院教授對這類音樂所下的定義：「所謂新世紀音樂就是以現代化的音樂器材、音樂手段來演繹古典音樂、民族音樂、地方音樂。」（「語言的盡頭是音樂出現的地方—— 新世紀音樂」 作者：青島大學音樂學院音樂系 姜良君）雖然我遠不及這位教授的藝術造詣高，但我個人並不是很同意這種說法。誠然，諸如神秘園（Secret Garden），姬神（Himekami）等眾多音樂家在探索本國民族音樂方面做出了不朽的貢獻，曼陀凡尼，馬友友（這兩者的新世紀音樂家地位還有所爭議）在發掘古典音樂方面獨樹一格，然而新世紀音樂絕對不盡僅是民族、地方和古典。在我看來，新世紀音樂的獨特魅力正在於它沒有確切的界限，各種想要表達內心深處冥想的旋律都可以算作是新世紀音樂。從德國電子曲風濃厚的橘園之夢（Tangerine Dream）到中國的充滿佛教內涵的鄧偉標，從西班牙熱情奔放的吉普賽國王（Gypsy King）到美國冷靜優柔的蘇珊西亞尼（Suzanne Ciani），還有久石讓那些日本民族風格的動漫配樂，旅韓華裔鋼琴家Daydream跨越國界略帶憂傷的鋼琴旋律，所有的所有，都指向一種全新的音樂理念。這種理念或許用喜多郎自己形容自己的音樂時所用的詞非常恰當，那就是spiritual，靈魂的。美國女作家奧爾科德說：「眼因流多淚水而愈益清明，心因飽經憂患而愈益溫厚。」我想，新世紀音樂這種spiritual的特點或許同樣的會令聽者心中「清明而溫厚」，而這恐怕也是為什麼新世紀音樂會如此與眾不同吧！
喬治溫斯頓的十張鋼琴小品集都由廣州星外星公司在國內正版發行。我陸陸續續買齊了所有的專輯，每一張都仔細而認真地聽，聽到熟到每一個音符，修飾音都能背得出來。喬治溫斯頓不僅僅用他嫻熟的技巧打動了我，更多的是他在音樂中注入的真情實感，聽起來沒有一點造作的感覺，完全是發自內心對自己故鄉蒙大拿州的贊美。我也聽過幾乎所有的班德瑞的作品，然而不知是因為國內銷售商們不遺餘力地推廣使之最終俗到爛掉，還是這幫瑞士音樂家們本身就是將自己的音樂理想建立在虛幻的現實上，反正那些音樂都有類似什麼「微風山谷」「夢花園」之類虛無縹緲的名字，但是聽過以後絕對不會產生真實的意境，僅僅是虛幻的好聽的音符而絕非旋律。喬治溫斯頓有一張專輯《辭冬（Winter into Spring）》，當音符連續而密集地響起時，我竟不由自主地想到了春天的雨，以及春天萬物生機勃發的場景。翻開專輯插頁，驚訝地發現這首曲子就叫做《雨（Rain）》。而這種感覺，是聽班德瑞無病呻吟的曲子所絕對無法享受到的。
相比之下神思者的音樂在國內發行的較少，除去故宮三部曲之外，還有一張精選集《透明的音樂》和一張電視連續劇配樂《二千年之戀》，僅此而已。很不好意思地承認，我的《悲情城市》也是盜版的。我在網上下載了神思者的其它所有的專輯，一次又一次地被他們所震撼，所折服。有很多曲子，簡單到只有八個小節的主旋律，然而鋼琴與弦樂的交織融合卻產生了不可思議的和諧與充盈。比如神思者2000年出版的音樂專輯《Asian Blue》中有一首曲子《Sican-Prayer》，鋼琴旋律重復兩遍，變調，接著同樣的旋律融入弦樂，重復，再變調。結構簡單得誇張，然而那種靜默的柔情卻令人回味無窮。
我有時候喜歡作這樣的比喻：喬治溫斯頓的作品好比輕快清新的現代詩，聽來有一種若即若離的感覺，聽者與樂者既不遙遠，也不過分親近，樂者隔著這段既定的距離，讓聽者產生共鳴。而神思者的作品更像是雍容華貴的散文，以一種勢不可擋的力量完全地包裹住聽者內心。這種溫情無微不至，讓聽者徹底沉醉於他們所營造的藝術世界中，敞開心扉，用熾熱的心直接去感受這種唯美的旋律。至於現代詩和散文孰優孰劣，我想並沒有定論。兩種文體各有千秋，同樣感召著一代又一代的生命，使他們的生活中充滿令人難忘的回憶的片段。
如果你在網路中搜索喬治溫斯頓，最先出現的（同樣也是出現最多的）是電影《我的野蠻女友》中全智賢彈奏的縮略版的由喬治溫斯頓改編的約翰帕赫貝爾的《D大調卡農》。約翰帕赫貝爾（John Pachelbel）這位對巴赫影響巨大的巴羅克時期音樂家恐怕永遠也不會想到自己的這首卡農被改變了幾十個版本，被不斷演奏，經久不衰。不過另一方面，喬治溫斯頓恐怕也不會想到，自己創作的幾百首美妙絕倫的鋼琴小品竟比不上一首改編曲在電影的推廣下所產生的流行熱潮。在我看來，有時藝術是一種無奈尷尬的矛盾統一體：一方面，藝術家不斷創作更新更好作品，為的是讓更多藝術的受眾們享受更好的精神層面的食糧。另一方面，藝術又不可以完全屈尊下顧，完全拋棄高雅的「嫁妝」，讓所有的普羅大眾勉為其勞地為其推廣，以至最終失去藝術本應享有的感召力。我還是拿班德瑞的例子來說。這群與世無爭的瑞士音樂家們將自己封閉在瑞士的原始大森林中，全身心地投入創作之中，為的是讓更多的人了解他們心中所嚮往的精神世界。我不清楚在世界的其它地方情況如何，至少在中國，班德瑞的出版發行單位很是混亂，許多家出版社同時「正版發行」班德瑞的專輯，並且配上與專輯內容毫不相關的莫名其妙的插圖。唱片店，超市、購物中心的老闆們彷彿抓住了救命稻草一般，以為不斷在自己店裡放這種「高雅音樂」就能招徠更多顧客 。於是乎，班德瑞迅速在大街小巷中走紅，幾乎所有的人都有意無意的聽過許多班德瑞的作品。即使這種音樂再高雅，它最終也只能走向俗套的流行音樂的道路。同樣的問題似乎也在侵蝕著恩雅，莎拉布萊曼，肯尼基，甚至是亞尼，神秘園，英格瑪。我不知道多久以後路邊孩童會哼著《Shepherd』s Moon》上學，我對這位愛爾蘭唱詩班出身的女音樂家有著十二分的崇敬，但恩雅的天籟也正在大眾化，平民化，最終……但願「最終」不會發生，起碼能晚一些發生，好讓我們這群准「愛樂者」們能夠將享受她的音樂這一小小的「特權」延續的時間再長一些。
有一天傍晚，我在學校廣播台上聽到了熟悉的神思者的音樂，《海上絲路》中的「Aphrodite」和《疾走》中的「Rain」，一首是紀錄片的配樂，一首是電影配樂。唯美的旋律在校園廣播不甚協調的喇叭中播放，竟還保留著幾分原曲的優雅與溫存，令我激動不已。可是聽著音樂，心情又不覺地變得復雜。我曾向寢室的同學推薦過神思者的音樂，最終發掘神思者的號召力遠不及周傑倫，只好作罷。我當時很希望能找到可以分享聽神思者的音樂的樂趣的人，但倘若校園廣播也不遺餘力地推廣神思者，最後浙大學生都喜歡上了這個組合，神思者不斷被推廣，最後變得和周傑倫一樣。到那時我猜我絕不會缺少傾訴我自己音樂感悟的對象。但當所有人都在聽著同樣的音樂，都在自我感覺良好地發表或深刻或膚淺彷彿領悟又不甚了解的看法時，我估計……我肯定我會選擇沉默。但我現在還在向人推薦，還在用論文介紹喬治溫斯頓，介紹神思者，介紹新世紀音樂，介紹這群優雅的舞者，邁著輕快的舞步，在藝術的世界中翩翩起舞，留下一首首令人難以忘懷的經典的音樂。而我，只希望做一個觀眾，用我誠懇的心去感知。感知大師們的藝術世界同時，自己的心彷彿也跟著變得澄澈。心因聆聽音樂而愈益清澈，我相信，愛音樂的人可以做到。
希望能幫到你。
7. 美國電影《出水芙蓉》音樂鑒賞論文
《出水芙蓉》是愉悅的，無論是開頭安排卡羅琳的出場，還是在游泳池傍邊演繹史蒂夫與卡羅琳的相遇，都最終在音樂與舞蹈中緩緩向我們道來兩位主人公自然而又詼諧的相遇。可以說，歌舞片的魅力基礎其實就是在於這種天然愉悅的歌舞伴奏的形式，人物之間關系的建立不需要細枝末節的情節設置或某種劇情中的暗示，而是完全可以拋開那些復雜的建置，用與劇情融為一體的音樂與舞蹈去把故事組織起來，因為歌舞天然就具備著愉悅動人的藝術魅力。也正是由於它的故事開頭太好建立了，使得它在整個故事的發展過程中不得不用大量的故事段落去組織故事高潮的到來。《出水芙蓉》的故事開頭的建置過程是如此的倉促，使得開片十分鍾時就進入到了故事的發展段落了。但我想說的是雖然這個建置很倉促，可是它的開頭還是非常完美的。它的完美就體現在於它的人物性格的建構與場景的設置上：一開場便是伴隨著優美的音樂與舞蹈，我們跟著主人公來到偌大的游泳池旁；通過音樂的伴奏、男子的歌唱與簡單的對話，讓我們知道了主人公史蒂夫是一名作曲家；這樣一個作曲家的身份，讓我們覺得游泳池旁的歌舞與他的身份是相互匹配的，是能讓一開始坐進電影院的觀眾與主人公和劇情產生互動的情緒的。就在這種有趣的互動情緒建立起來以後，女主人公卡羅琳出場便更具有更為生動的特性與愉悅感，讓卡羅琳，一個來自女子舞蹈學院的游泳教師與開場的游泳池產生了互動，並鮮明的向我們表明這是一部愛情歌舞片。隨後二人准備結婚，但作為唱片公司主管的喬治怕這樣會影響他的「水上盛典"的曲譜寫作，所以僱用女演員瑪麗婭假冒史蒂夫的妻子，帶著三個紅頭發孩子來到教堂的婚禮上大鬧了一場，從而達到阻止他們結婚的目的。當卡羅琳一氣之下離開，回到女子舞蹈學院時，故事的開頭建置也就結束了；如此簡單並且不拖泥帶水，這就是它的高超與巧妙的地方。這樣的建置讓隨後發生的一切事情都成了自然而然的了。
音樂舞蹈：
歌舞片之所以叫歌舞片，它的歌舞才是它的真正主導形式。它是一個不僅僅靠故事建立起來的，而是很多時候靠歌舞來達到情緒喚起的。二十年代時，爵士歌曲的流行成為了百老匯的主流。《出水芙蓉》也同樣充滿了類似的音樂，並且利用了它所有能利用的方式把歌曲、舞蹈、花樣游泳等藝術形式機智而又巧妙地融合進了影片中，編排出了一部美輪美奐的歌舞盛宴，也因此詮釋了好萊塢歌舞片表達的經典方式。最後一場「水上盛典」的水上芭蕾是如此的清新自然，氣勢恢宏，是本片的點睛之筆。雷德·斯克爾頓飾演的史蒂夫讓人印象極為深刻，尤其是那場搞笑的舞蹈課，他穿著女子芭蕾服裝，做著可笑而滑稽的動作時，我們幾乎快笑破了肚皮，也因此成為影史上一個經典的片段。音樂與舞蹈在片中每一個喜劇段落中都很好的得到了運用，並時時刻刻在劇情的發展中起到關鍵的作用。
歌舞片是簡單易懂的，它其實就是一個大Party，讓你在看的過程中想和主人公一起跳起來，一起唱起來，當你有這樣的沖動時，這部歌舞片也就成功了。不要去斥責它的浮淺，斥責劇情的俗套，優秀的歌舞片正是在你認為很俗套的時候給你帶來你意想不到的快樂與愉悅感，讓我們的身心得到了一次滋潤，讓我們還相信這個世界依然很美好，這或許就是它的可貴之處吧！
8. 英雄本色電影音樂賞析論文
我看過不下三次，都是兒童或少年時期。情節基本淡忘，但場面總會記得。如今重看，更加深刻的不單單是動作場面，震撼來自貫徹全戲的兄弟情。
對男人而言，朋友之間的距離，無間的是感情，間隙的唯一是血緣。對朋友的期盼與幻想，「兄弟」二字止於口中，藏在心裡頭。《英雄本色》展現的是兩段情。黑社會大哥子豪（狄龍飾演）與親弟弟阿傑（張國榮飾演）的手足情，還有子豪與阿MARK（周潤發飾演）出生入死的「兄弟」情。英雄有風光之時，英雄也有落難之日。《英雄本色》里大篇幅刻畫的是英雄末路之中表露出的兄弟情懷。
狄龍飾演的黑社會大哥為了弟弟甘願推出江湖，不願因為自己耽誤弟弟的警察前程。弟弟的不理解、不接納和朋友阿MARK所受的屈辱，把他「人在江湖身不由己」的矛盾身心淋漓展現。從戲分上看，狄龍是主角及故事的主線人物。當年周潤發飾演的MARK哥，只屬配戲角色。多年之後，我們記憶最深的，還是這個配戲人物。狄龍的大哥形象內斂，周潤發的MARK哥形象每次出場都具備積壓已久的爆發力。這個角色背後，似乎看到兩個人。
當年的吳宇琛，導演生涯走到低谷。曾經有三年，連拍戲的機會都失去。後來，被迫去到台灣拍無聊的喜劇。鬱郁不得志的人，將積壓心裡多年的感情一次過宣洩，創作出《英雄本色》的腳本。找來同樣鬱郁不得志的周潤發，其時他正被稱為「票房毒葯」。吳宇琛通過幾篇報紙報道得知，真實生活里的周潤發時常將自己拍片賺來的錢，捐獻給孤兒院的小朋友和資助朋友生活。吳宇琛認為，這個深具義氣的人，飾演重情重義的MARK哥角色再好不過。
於是，有了《英雄本色》的組合。情劇主線在子豪角色身上，整部電影情緒上的渲染，MARK哥起到了至關重要的作用。「我等這個機會等了三年，不是為了證明我比別人強，只是要證明我失去的東西，我一定要奪回來！」MARK哥口中這份沉鬱已久的吶喊，除了是角色的一句對白，還是兩個真實的男人，吳宇琛與周潤發多年以來積壓在心的郁結摧枯拉朽的一次總爆發。所以，再三重看《英雄本色》依然看到一團火。每個表情內斂內心有夢的人，都能看到這團火。
話說《英雄本色》是一部黑幫警匪片，不如說這是部激情盪漾不甘為人後的勵志片。更有甚之我認為，在人情淡薄誠信危機的今日，《英雄本色》更可擔當起宣揚友情、親情以及為人處事應重信守義的主旋律影片。
警匪片」可說是港產片中最出色的電影類型之一，最近三套電影《跟蹤》、《男兒本色》與《綁架》，除了繼續展示香港警匪電影的活力和高質素之外，它們在連場火拚和鬥智鬥力的同時，暗地裡亦討論著同一個命題——道德。然而，三者著眼點和信念回然不同，本文正希望圍繞著「道德」這電影題旨，淺談它們各自所反映的道德觀。
就如眾影評所述說，《跟蹤》那份「人在做，天在看」的中心思想昭然若揭。這是一種環宇的道德觀，亦因為「善惡到頭終有報」，我們「行善」才有理性基礎和意義。游乃海曾經憑《大隻佬》(2003)而獲得金像獎最佳編劇獎，他首次執導《跟蹤》已見風范。雖然獨挑大樑，但仍堅守在韋、杜電影中的佛家思想要旨。人的耕耘故然重要，但科技再先進、思維再精密，謀事在人，成事仍然在天。
電影中的狗仔隊對貌似殷實商人的大賊梁家輝亦步亦趨，但棋差一著讓他一再逃脫。後來狗仔隊頭目任達華遇伏重創，他最終沒有死去，可見電影確信「好人有好報」。片末梁被圍捕，專門謀財害命的他雖然未被逮到，卻意外地弊命於一個魚鉤之下，大動脈被刺破一如他的殺人伎倆。至此，我們不難聯想到《大隻佬》中的張柏芝。她前世罪孽太深，盡管今生立志當警察做好人，並在劉德華多番協助下希望逃過大難，可恨結局還是死於非命。前生債，今世償。就如梁雖然在十八年前殺警後逃脫，但「以命抵命」仍是他最後的歸宿。「若然未報，時辰未到」的規條令我們不欺暗室，人類行為時刻被一雙「天上眼睛」所監視，那份超然的是非對錯觀念，是永恆的「天道」，你的「業」隨身而行早晚得報。
另一部電影《男兒本色》由成龍老拍檔陳木勝操刀，電影順理成章成就新一代《警察故事》。它承繼了《無間道》和《卧虎》等電影的討論：「黑社會有否好人？」、「警察沒有壞人嗎？」，質疑傳統警匪片的黑白壁壘。林嘉華是一名受賄高級警察，利慾薰心不惜殺人滅口。謝霆鋒、余文樂等也是「邊緣」雜差，為面子、為復仇而亂沖亂撞濫用暴力。反之，安志傑不忍殺害小孩，最後更自行了斷期盼來生做個好人。飽經戰亂的人在森林社會里弱肉強食，他／她們的黑白功過，慣於安逸的我們到底如何理解呢？
陳木勝說若他不當導演，他該會投考警察。一如既往，他那份「警察=正義」的堅執，仍然在《男兒本色》中隨處可見。房祖名跟哥哥立志做個好警察，最後卻不能倖免於難。好人未必有好報，「天道」不彰，但法治精神已勝過一切。只要他們不辱警察之名，忠於法律，盡管戰死沙場，正義英靈始終永垂不朽。謝、余雖曾被仇恨蒙蔽眼睛，但他們仍能懸崖勒馬，保守了警察的本份而沒有殺人。警察這「公領域」（Public Sphere）社會崗位，替代了《跟蹤》的「天道」去維持人間秩序。換句話說，就是香港人普遍確信的「法治精神」。好人或壞人，在於他／她們有否違法。隨著現世社會的理性化，宗教、天道等人類不能控制的「形意上」信念已未能叫人安居樂業，法律、法治精神、警權隨之成為「道德」保護者。然而，要是察警不再可靠時，你會否如《綁架》中的林嘉欣和劉若英般「靠自己」保護家人呢？
當林嘉欣弟弟被綁架後，警察告訴她：「相信我」，結果她弟弟慘遭不幸。而督察劉若英在處理別人的綁架案時，態度專業、自信、冷靜，指揮若定。世事無常，當肉參變親兒後，她頓時方寸大亂，幾近抓狂。那份抓狂是相應於「天道」（人不作壞事、不可害人）與「法治」（警察犯法罪加一等）而言的。作為母親，為拯救愛兒（甚至只欲尋回屍首），她竟打算綁架小孩。而警察的責任感，也無礙她虐待對頭人丈夫。作為人，她失卻惻懚；作為公民和警察，她知法犯法；但作為母親，她卻發揮了母職最大責任與道德情操，這也是她在家庭這「私領域」（Private Sphere）中的職份。同樣地，林為了責任，不惜綁架富商兒子以期讓病重丈夫出國醫治。對富人來說，他不過失去揮之不盡的身外物；對窮困妻子而言，那卻是親人續命的（唯一）一個機會。
心理學家Carol Gilligan認為女人的道德觀建立在「關系」之上，一個女人的身份可以是公民、警察、領袖，但她們更加是母親、妻子、家庭照顧者。劉、林二人的綁架和傷人罪行，會否是她們身為母親和妻子的「份內事」呢？其實不止女人，我們的孔聖人早有類近想法。在那個偷羊的故事中，孔子認為兒子不應告發父親偷羊，因那是不仁之舉，有違倫常。可惜得很，依仗「關系」所建立的道德觀，往往會損害普羅大眾的利益，就如中國人的私相授授令貪污成群、群黨相爭。但當母親眼見愛兒遇險，難道她會為著履行「公民責任」而容讓兒子光榮死去？面對切膚之痛，把命運交託天道與律法，就是理性，就合乎道德？
「道德」可能是一份永恆法規，冥冥中自有因果，也可以是人類文明產物，在法治社會中得到維系。但道德，會否也是親疏關系下的權衡抉擇，為救至親，我們已隨時准備不惜一切？
9. 誰能給我一篇1500字左右的電影音樂賞析的文章！急急急！！！！
首先我覺得《羅馬假日》是一部經典的愛情文藝電影.
在影片的後部在例行公事般的記者招待會上，一個聲音遠遠地從人群後傳了過來：「我想請問公主殿下，對於其他友邦國家之間未來關系的展望？」一直心潮起伏不能平靜的安雅公主，眼光輕輕掠過那個一直默默注視著她的、而她昨晚才剛剛愛上的、但早已命中註定今生無緣的男人，一語雙關地緩緩說道：「我對外交展望相當有信心，就如同……我和朋友之間的友誼一樣。」說完，她的眼神又輕輕回落到喬.白萊德那魁偉、她昨晚曾深情依靠的身上，不再多說一句話，而那表情又分明若有所待。這時，此前一直一言不發的喬，這一次終於堅定地迎了上去，微笑著同樣一語雙關地插話道：「我可以代表我的新聞社說一句話，我們相信公主的判斷是不會錯的。」安雅終於聽到了她最希望聽到的回答，她情不自禁地欣慰地笑了，「我很高興地聽見你這么說……」一語未了，四目相對，默默無言，一切盡在不言之中……然而（為什麼這個世界上會有這么多的「然而」呢！）正在這時，又一個聲音很不適時地遠遠傳來，打斷了他們默默無語的深情對視：「公主殿下，請問你所訪問過的城市，印象最深的是哪一個？」安雅抬頭緩緩掃視了一下全場，然後再一次深深地注視了喬一眼，「每個城市都令人難忘，要想選擇哪一個城市，實在是太難了……」說著，只見她輕輕地舒了一口氣，但很快語氣堅定地回答道：「羅馬！無疑是羅馬！！」是的，羅馬！無疑是羅馬！！沒有人可以理解此時的羅馬意味著什麼,除了男主人公. 最後一個鏡頭男主人公站在龐大的皇宮里,周圍的人都散場了,公主也已離開,他只是站著安靜地端詳著,終於轉身,留給我們的只是一個寥落而寂寞的背影,一段愉快的愛情假日就這樣落幕了.
其實他們早就知道這只是一段短暫不會有結果的愛情.在舞會上逃脫後,當喬摟著渾身濕透、瑟瑟發抖的安妮坐在河岸邊時，喬的眼神是那樣真誠而溫柔。四目對視，喬和安妮都從對方眼中看到了熾熱的愛火。喬情不自禁的抱住安妮，那樣深情而堅定地吻了下去。那一刻，我的眼角有些濕潤。我明白，喬的感情終於戰勝了理智，他已經無法控制的愛上了公主，深陷愛情的沼澤無法自拔。影片中兩人相擁熱吻時，我不能看到他們的表情，然而我卻清楚地感受到了他們內心的矛盾。一個是高高在上、尊貴典雅的公主，一個是平凡的記者，他們此生註定無法在一起。然而，此刻他們暫時忘卻了一切煩囂和世俗的紛擾，沉淪在這浪漫而憂傷的夢里不願醒來。當安妮睜開雙眼，喬望著她，眼角湧出的，是一股莫名而惶惑的憂傷。兩人明白，這段愛情，是沒有告別的結局。
《羅馬假日》除了是一部愛情文藝經典電影外，它更象是一部羅馬觀光導覽電影，並因為這部電影的上映和成功，讓我們很好的感受了一回羅馬的觀光景點。片中公主因逃出皇室誤打誤撞遇到葛雷哥萊畢克演的美國記者，兩人游歷羅馬的過程，也是他們開始戀愛的過程。兩人在「真理之口」的俏皮對話，公主把手伸進真理之口被記者喬嚇到的經典畫面令我記憶猶深,記者喬伸手進真理之口突然大叫一聲假裝被真理之口咬住了,嚇了公主一跳趕快幫喬去拉手出來,原來這只是喬開的一個玩笑,這時他們就像是一對戀人讓人感覺到情人間的浪漫.在「許願池」許願的經過，騎著偉士牌饒過羅馬的大街小巷......
公主買花,還像平時接受獻花時禮節性地表示謝謝，並不知道要付錢；最後因為沒錢老闆還送了她一枝花,這一段讓人看了又覺得有點搞笑。公主去理發,理發師側頭問「剪了？」、「都剪了？」，他精心設計並打造公主的發型，完全像一個藝術家，相約晚上去船上跳舞；這些情節都很生動，也提示出了羅馬人的生活的一個方面。
而公主剪完頭發，在西班牙廣場的階梯上吃著冰淇淋的一幕，也深深牽引著我的心。雖然這些都是一些很平常的小事,但這些事發生在一個的高高在上、尊貴典雅公主身上卻又會給人一種不同的感覺,也讓我們了解到一個高高在上、尊貴典雅的公主對做一些平常的小事的嚮往。
更深一層：最後的最後，公主還是回到了她的宮殿，即使那是她的囚籠她也無法放棄；而記者喬，也轉過身，一步一步、慢慢地、走出公主的生命，回歸自己的生活。
無論未來會如何，各人的生活還是得按照既定的軌道過下去……
不記得誰曾說過：剎那就是永恆。想來，這便已經足夠了。
電影和小說里都充斥了太多的巧合和矛盾，二個人的故事或許就把一百個人的分量給用掉了……或許，公主安最初遇到的不是記者喬，而是諸如理發師某某、司機某某某……他們也會相愛吧，如果那些被遇到的人也如同喬一樣（善良？正直？）的話？然而，即使是電影，劇中人的「人生」也是不可逆轉的，從他們邂逅的那一刻、從喬決定把安帶上車、撿回家的時候……就決定了他們的故事已經拉開帷幕了。
但無論怎麼說，在我看來，這還是一個非常好的故事的。擁有過童話般的美好，最終也回歸到現實。即使虛構的色彩很強烈、發生的幾率很渺茫……但比起其他那些天馬行空不知所謂只會灑狗血的東西，實在還是好得太多太多太多了！