電影音樂美學的論文

Ⅰ 電影音樂的美學功能

電影音樂藝術的處理手法豐富多樣，變化無窮。其美學功能是：
①通過音樂主題的貫串發展、矛盾沖突、高潮布局，達到對劇中主要人物的歌頌或批判，幫助明確電影的意義。
②用音樂加強人物的動作性、心理活動，揭示人物的思想感情，表現人物的精神面貌，使人物的形像更加鮮明生動，可以為電影加不少的分數。
③暗示劇情的進展或延伸。這樣的音樂，有時先於畫面的視覺形像出現，例如在困難的時刻預示勝利和希望，在順利的時刻預示艱苦挫折；有時後於畫面視覺形像出現，延展戲劇情緒。
④引起一定時間（古代的或現代的）、空間（人類世界的或外空間）、環境（人間或仙境）的聯想。
⑤加強影片的總的藝術結構。電影音樂雖然是分段陳述的，但是通過分段陳述的結構，能反映出影片總的藝術結構。
⑥增加立體感。人類習慣於從視覺和聽覺兩方面感受客觀事物。結合音樂的聽覺形像，音樂旋律的起伏，和聲、對位的織體，色彩豐富的配器等等，能更有效地表現聽覺形像的立體感。音畫結合可形成「四維時空」的運動著的立體感。

Ⅱ 求關於音樂的論文（見詳細描述）2000字左右

我對音樂與人生的感悟論文(2009-12-01 18:33:01) 標簽： 音樂與人生論文作文音樂人生校園 分類：教育考試 音樂是一杯香醇的美酒， 你靜靜地傾聽就能感受她的濃郁芬芳； 人生是一壺淡綠的青茶 你全心地品嘗才能領略她的酸甜苦辣...... 無意中在網上看到這樣的一首詩，感覺寫地很舒心，很淡然，又很超脫！呵呵，因為我喜愛音樂，欣賞音樂帶給人的美的享受！她的詩讓我產生了很大的共鳴，以致於我不得不拿出來給大家一起分享！ 雖然我的五音並不是很全，雖然我也沒有向著音樂的方向發展，但是我喜愛音樂的感覺從未在人生中消失過！在歐洲維也納古典樂派中我最喜歡的是作家是沃爾夫岡·阿瑪迪烏斯·莫扎特，我小的時候通常簡稱他為莫扎特，想必很多人都對他的音樂很了解吧，他是奧地利作曲家，一共創作了22部歌劇、41 部交響樂、42部協奏曲、一部安魂曲以及奏鳴曲、室內樂、宗教音樂和歌曲，我很傾佩他！ 在小的時候，我就聽說過他是英國倫敦的音樂神童.8歲的他在羽管鍵琴演奏、視奏能力及運用各種樂器的即興表演和作曲上，都使人嘆為觀止。 更令我記憶深刻的是，他的父親為了金錢與榮譽，讓莫扎特必須滿足聽從突如奇來、異想天開的種種刁難性提議，並且，這樣的演出幾乎每每長達四五個小時之久。這讓我想起了我的悲慘的童年，沒有快樂、沒有玩伴，留給我的都是家人的辱罵和家庭的悲劇，那個時候，我也只能在音樂中尋求自己靈魂的解脫，不過我是個男人，我是個堅強的男人，我會向莫扎特學習。莫扎特在16歲的時候結束了他長達10年之久的漫遊生活，回到自己的家鄉薩爾斯堡，在大主教的宮廷樂隊里擔任首席樂師。但事實上一點都不好過，在大主教眼中，他不過是一個普通的奴僕，在1781年6月的時候，莫扎特終於在忍無可忍當中與大主教公開決裂。我很傾佩他的勇敢！我希望終有一天的我也能勇敢地走出家庭的陰霾！ 我很喜歡老師的音樂與人生課，那不僅是因為我很喜愛音樂，還因為老師長地很有魅力！很多次回到宿舍的時候，室友上選修課還沒有回來，感覺特別的安靜，習慣性地打開音響，放著那些鍾愛的歐美經典音樂，讓自己沉浸在那如水如月的歌聲中，細細地品味、慢慢地遐想。此刻，感覺世界是如此寧靜、人生如此純粹，遠離了塵世的喧囂，有的只是一種純凈的美。那些來自宿舍外、廣場、後山、以及音響里的歌聲，輕輕地在空氣中劃過，輕吻著我的臉頰，彌漫在我的四周，沁入我的心扉。讓我有一種來自靈魂深處的感動，那是一種歲月所無法觸及的感動。默默牽引著我，去感受生命中那絲絲縷縷沉澱的情懷，盪滌著心中的塵埃，還心靈以寧靜與平和。 還記得那次看電影，電影的名字叫《放牛班的春天》，那是部關於師生的感人片子。現在回想起來，真的很美，很美。 真的是一部典型的音樂與人生交織在一起的電影！我很慶幸那次我介紹給了老師這部電影，事實上除了看過它的簡介外，我都沒有好好看過。我很感激老師，感激的是她不僅採納了我的意見，而且讓我真正靜下心來好好看了這部電影，讓我懂得人生中很多的東西。^.^ 在《放牛班的春天》里，我能看到有溫暖的陽光，不經意地從某些細節中流露出來，還有迷離飄渺的林中的霧氣，光被挑逗得溫柔多情，細細密密地鋪滿法國郊野常見的樹林，悄悄地爬上樹干。那不是音樂里正想表現出的一種現象嗎？這不是人生中一直追求的世外桃源么？對我來說，那真是一種難以忘懷的享受，那些被攝影師定格的美麗鏡頭，竟流淌成了一首詩。我不得不說，這部片子經典之一，就是那如水彩畫般干凈的畫面，許多水彩畫中都出現過的，灑滿陽光的浪漫春野和山林，就像音樂從你的心裡流淌過一樣，特感動，特親切！ 《放牛班的春天》是一部讓人因為喜悅而淚流滿面的電影。那小主角皮埃爾的歌聲，簡直就像從天堂飄出的天使的聲音，悅耳動聽如仙籟般；那可愛又可敬的馬修老師，皮埃爾美麗的唇間流出的動人旋律讓他驚訝不已，讓我陶醉不已；還有孩子們的合唱，如教堂的唱詩班，將一首首歌唱出了令人景仰的神聖。如果上天能給我一次機會，我想我會毫不猶豫地把自己的人生定格在那個合唱班裡！ 在馬修老師老師離開的那一天，從窗口裡飛出無數的紙飛機，孩子們把手舉過頭頂輕輕地搖著，於是樓下的馬修老師沒有看見孩子們或微笑或流淚的臉，只看見一隻只輕輕搖動的手。馬修老師說，我有點想哭。可他還是沒哭。事實上，電影外的我，卻止不住流淚了！真的，如果是我，我如何捨得這一群可愛的孩子們啊；如果是我，我如何咽地下這口氣啊！我真的想問：馬修老師，您還想哭嗎？銀幕外的我，替您哭了。 也許，在追求所謂的生之快樂的今天，我們已經在真理面前放棄了追求，在殘酷的現實和美好的夢想沖突時，寧願選擇「好死不如賴活著」的中庸之道。學會了割捨，不再為夢想執著，懂得了折衷，不再為真愛犧牲。於是，那些甘願為情赴湯蹈火的可歌可泣，也只能停留在古人的傳奇或作家的遐想中。我們所見到的，只是太多的無奈和遺憾。很多時候，我明知道這是和錯誤的人生觀，但是我改變不了，我一直在試圖改變！ 老師聽過，一首歌么：叫《Everyday》，我最喜歡的英文歌之一。這首歌是《歌舞青春2》的插曲，由兩位主角演唱的曲子！上次在課上看到的是《歌舞青春1》，但是由於影片不是高清電影，看上去效果不是很好。但是已經很不錯了，因為這部音樂劇《歌舞青春》里充滿活力的body,真摯的友情，珍貴的親情，令人忍俊不禁的小聰明，熱烈的舞蹈，動人的歌聲！ 讓我感覺人生完全可以像他們這樣，去尋找屬於自己的未來。 我們都是平凡人,但是,即使這樣,我們還是有理由相信,每個人都是一顆鑽石,都有許許多多的面,只是,我們因為不自信或者太在意別人的眼光,而隱卻了許多光芒。每次我跟朋友們出去KTV的時候，我總會選這首歌，雖然我唱地並不是很好，但是我愛它，我喜歡它，我會把它當成是我生命中的一部分！ 我們的青春,就只有這么短短的一瞬間,為何不抓住她,做我們想做的事呢. 有時候一切就可以那麼純粹，青春不會是灰暗的、無望的，只要我們願意，青春可以是彩色的，可以唱歌、可以跳舞，一切的一切都值得我們去贊頌， 不是嗎？呵呵！ 歌舞青春是一部讓人無法忘懷的的「高校音樂劇」。 看了這部影片，我明白了一個道理：凡事不要被局部影響而導致自己無法在競爭中真正快樂，只有勇於面對，才能得到自己希望的結果，才會知道友情、愛情、親情、師生情的美妙組合該是什麼樣子。 靜靜的夜晚，與那些喜愛的音樂輕輕地對話和碰撞，忘卻一切煩惱和憂傷，還自己一份寧靜和真實。我喜歡這樣的音樂人生，我愛這樣的音樂人生！

記得採納啊

Ⅲ 卓別林電影《摩登時代》以音樂的角度來看，可以看出什麼

傳統民歌是勞動人民在生產實踐、日常生活積累中產生和發展的，它已經有了很長的歷史。民歌的藝術特點鮮明、語言豐富，在民間廣為流傳，廣泛深入地反映了人民的社會生活。傳統民歌在傳統音樂中佔有極其重要的地位，它伴隨著人民走過了一個個歷史階段，但是現在它卻呈現出衰微之勢。
對於流行音樂，一個前提性的看法是--民歌是過去的流行音樂，流行歌曲就是今天的民歌。
從具體的音響特徵、音樂形態（節奏法--節奏的切割與組合、旋律法--不同的旋法）、乃至結構上，作為有特定含義的歷史概念，它們的確有很大差異。民歌就是民歌，流行歌曲就是流行歌曲，怎麼能混為一談呢？我想我們可以先從對"流行音樂"這個概念的具體分析入手。什麼是"流行音樂"呢？流行音樂的風格類型並不是固定的和一成不變的。音樂的流行與傳播是分時間、空間和深度（或強度）的。首先從時間這個維度來看，在不同歷史時期里流行的音樂風格顯然不同。在古典時代，古典音樂就是當時的流行音樂。這是從音樂史學的角度切入。再從空間這個廣度來看，流行的方式也分為封閉性和開放性的。在一個封閉的山村裡，山歌就是山民們的流行歌曲。這是從民族音樂學和音樂社會學的角度切入。至於深度或強度則沒有客觀指標，它是指人的主觀感受和音樂形成社會共鳴的程度，這是從音樂美學和音樂心理學的角度進入。從具體的音樂傳播內部環境看，影響音樂傳播的因素很多，有自然性因素（性別、年齡、地域等）、社會性因素（職業、身份、受教育程度等）。有的音樂適合在二十幾歲的青年間傳播（比如搖滾樂），有的則適合在受教育程度較高的階層傳播。有的音樂適合在酒吧這類城市商業場所傳播，而有的則適合在農村。正因如此，有學者提出了分眾的概念，認為在當代信息與傳媒高度發達的今天，實際上已不存在一個無差別的一體化的受眾。"民歌是過去的流行音樂，流行歌曲就是今天的民歌。"過去的，是指傳統社會的、農業文明的、鄉村的、自然形態的（仍保留原始形態）。今天的，是指現代社會的、工業文明的、城市的、利用現代科技手段製造音響。國外研究流行音樂的音樂學家曾有一個著名的"模仿說"觀點，可以說是一語道破了流行音樂的實質：流行音樂本質上是對傳統民歌的模仿。當然是"變形模仿"，可是要當心，模仿得不好就會露出馬腳，比如：《999朵玫瑰》和《彝族舞曲》、《白樺林》和俄羅斯民歌、《好漢歌》和《王大娘補缸》，有時模仿與抄襲之間的界限很難劃分，弄不好就人我莫辨了，這樣的例子比比皆是。
從流行音樂發展的歷史角度來看，流行音樂本身也是起源於民歌。今天的流行音樂，其本質依然是民歌--工業時代的民歌、都市民歌。（城市化是現代化的一個重要特徵。）

Ⅳ 求《淺談音樂與電影情節的關系》

電影音樂的作用——渲染背景氣氛 音樂能為影片的局部或整體創造—種特定的氣氛基調(包括時間和空間的特徵)，從而深化視覺效果，增強畫面的感染力。這種音樂不是簡單重復畫面的內容，而是細致入微地為影片營造—種背景氛圍。 這種渲染氣氛的音樂在影片中用的很多的。由於用得多，便往往處理得一般化，缺乏個性，不夠考究，也常常分量過重，因此遭到評論家的批評。如果能克服這些不足，提高背景氣氛音樂的品位，那麼，這種渲染氣氛的音樂對增強影片的藝術感染力是能起到重要作用的。 這種音樂的作用，可以包括渲染環境氣氛、渲染時代氣氛、渲染地方色彩、渲染民族特點等方面。 1．渲染環境氣氛 音樂可以為整部影片渲染一種總的環境氣氛。 例如上海電影製片廠1983年攝制的故事片《城南舊事》(導演吳貽弓，作曲呂其明)。它通過小姑娘英子的眼睛所看到的人和事來表現二三十年代北京城南的風土人情，表達了作者林海音從這些往事的回憶中所引起的那種「離我而去」的惆悵之情和對故土的思念。為此，影片導演吳貽弓規定了整部影片的情緒基調是「淡淡的哀愁、沉沉的相思」。 作曲家呂其明根據這個總的基調，選用二三十年代流行的學堂歌曲《送別》為這部影片音樂的主旋律，並採用非常規的配器，只用了弦樂隊和抱笙等幾件有特色的民族樂器，以非常簡潔凝練的音樂語言，為整部影片渲染了一種惆悵惜別之情。這種情緒的音樂在片頭音樂中有較完整的展示，在影片的中間也有所流露。而在影片的結尾則表現得更為強烈；英子的父親已去世，她和媽媽、弟弟去為父親掃墓，從小把她帶大的純朴的農村婦女宋媽也要離開她們回農村去了，英子和媽媽、弟弟在滿地黃樹葉的秋天坐著車子和宋媽告別……這段畫面的背景音樂就是在弦樂隊的輕弱陪伴之下，抱笙吹奏《送別》的曲凋，這平緩、疏淡的音樂，恰如其分、含而不露地渲染了那種「淡淡的哀愁、沉沉的相思」之情。 由於呂其明成功地創作了這部影片的音樂，使他榮獲1983年第三屆中國電影金雞獎最佳音樂獎。 音樂也可以為影片的局部渲染製造氣氛。在一部影片中，有時某個場面表現的是人物的一種情緒；或是歡樂、喜悅，或是悲苦、傷心，或是緊張、驚恐，或是輕松、愉快等等；有時影片的某個場面營造的是一種特定環境的氣氛：或是喧鬧或是靜寂，或是繁華或是蕭條，或是庄嚴肅穆或是活潑熱烈，等等，而此時往往很少對話或沒有對話。在這種情況下，音樂從聽覺這個角度介入，參與畫面視覺內容的表達，使畫面內人物的某種情緒得到進一步的強調，環境氣氛得到進一步的渲染，從而達到深化視覺效果、增強畫面藝術感染力的目的。當然這種音樂要用得准確適度。 例如影片《紅高梁》中貼窗花一段：釀酒作坊掌櫃、麻瘋病人李大頭死後，九兒(鞏俐飾)帶領伙計們把老掌櫃用過的東西燒的燒、埋的埋，還用紅高粱酒在地上連潑了3遍，用以消毒去火。九兒把自己的住房也重新粉刷過，被褥重新換過。此時畫面上，身穿紅上衣的九兒在新窗戶紙上貼著新窗花，臉上綻開從未有過的喜悅，好像這回才真正做了新娘。伴隨著此畫面的音樂，是一段柔和、優美而又含蓄的嗩吶曲，音樂為這個場面渲染了一種歡欣、祥和的氣氛。 再如影片《紅高粱》中抬花轎的隊伍經過青殺口這一段，氣氛是很恐怖的，剛才還瘋狂顛轎的轎夫們，此時偃旗息鼓，收斂了那股嬉鬧勁，個個低頭屏息、躡手躡腳地走在兩旁長滿野高粱的小路上。只聽畫外音說道：「我家到十八里坡要過青殺口，這地方不知從哪年起，長出了百十畝高粱，沒人種也沒人收。老家的人都說這是野高粱，還說這兒常鬧鬼。」畫外音說完，音樂僅以小鑼、低音大鑼等打擊樂器的兩三下聲響，便十分形象、准確地製造了那種令人毛骨悚然的恐怖氣氛。作曲家趙季平寫的這段渲染環境氣氛的音樂真可謂惜墨如金，十分精練。它去除了有些影片這類音樂過於臃腫累贅的弊病。 http://tieba..com/f?kz=21248416

Ⅳ 夏洛特煩惱音樂美學論文2000字，具體就是電影中的音樂在整個電影中的作用，求大神幫我寫一下

2000我高三編導200還可以弄出來

Ⅵ 要寫個論文，談音樂在電影中的作用，誰能給我推薦幾部電影分析下

上大學時選修外國音樂的論文，當時是93分。

優雅的舞者
——新世紀音樂大師喬治溫斯頓、神思者和他們的音樂小品

我第一次接觸新世紀音樂是在高一的寒假。考完試，去圖書大廈淘碟，無意之間看到了一張不很起眼的專輯。黑色封底，封面正中是一張淡藍色的風景：嚴冬，白雪皚皚，幾棵蕭索的樹徑直地站在白雪之中，背後是望不見邊緣的森林，靜謐而安詳。我不曾聽說過封面上寫到的「新世紀音樂」，更不曾聽說過「喬治溫斯頓（George Winston）」這個名字。然而我看著封面，看著簡單的構圖中透出的幾分獨特的美，喜歡上了它。回到家，帶上耳機，按下播放鍵，清冽的鋼琴緩和而優雅地流入我的心頭，世界此刻也為之靜止。這張專輯出版於1982年，專輯的名字叫《十二月（December）》。
來浙大之前的暑假，收拾行李。我的指尖滑過一整架的CD，最終帶上了這張專輯，一張無論何時何地都會讓我感到十二月中那種獨特的凜冽與澄澈的專輯，它可以輕撫躁動的內心，舒展緊張的身體，讓我完全沉浸在這個超然的世界中。甚至此時此刻，敲擊著鍵盤，我還在聽，聽這張喬治溫斯頓的傑作，《十二月》。
那個與《十二月》邂逅的寒假，我在網上搜索這位大師的生平。美國蒙大拿州的爵士鋼琴手，創作了十幾張新世紀音樂專輯，抒發自己對故鄉的眷戀之情。鋼琴演奏之餘，他研習了經典的夏威夷散弦吉他（Hawaiian Slack Key Guitar）,復興了這種幾乎被人們忘卻的傳統樂器。他還曾為4部兒童音樂劇配樂，包括著名的花生（Snoopy），一個有才華又不失童趣的藝術家。
隨後的很長一段時間中，我一有時間就跑到各個唱片行，想找到喬治溫斯頓的其它作品。情形往往是這樣：我興致沖沖地跑進唱片店，垂頭喪氣的出來。老闆們會搖搖頭，說道：「喬治溫斯頓？就是那個彈鋼琴的，很早以前有，現在很少有賣的了。」跑了不下十個唱片店，一個店員說：「我記得好像有一張，是那個彈鋼琴的嘛！」然後她進裡屋翻箱倒櫃了約莫幾十年，最後拿出了一張已經落了很多灰的專輯。我小心翼翼地擦去灰塵，激動得眼眶近乎模糊：喬治溫斯頓精選集《四季（All the Seasons of George Winston）》。我估計我的確是飢不擇食了，因為我從不買精選集。縮略版的音樂在我看來是對藝術家和聽眾的欺瞞。我本能地抵制速食主義音樂，精選集在某種意義上正是這種滿足普羅大眾的快餐食品。然而我還是滿心歡喜的將它帶回了家，聆聽，直到困得忘了關掉CD機。
買這張專輯後沒多久我遇到了神思者。那是一張封面紅得有些俗氣的專輯《故宮序曲（Palace Sketch）》。封面的噱頭很是嚇人，「繼喜多郎後唯一享譽全球的日本New Age團體」。出於當時對新世紀音樂瘋狂的喜愛，幾乎沒有什麼猶豫就將它買了下來。客觀地說，比起神思者的其它許多令人陶醉不已的電影電視配樂，這張專輯並不算較為出色。但是不久我又在同一家店中淘到了故宮系列的另外兩張專輯《故宮序曲（Paean to Palace Memories）》和《再見故宮（Palace Seeds）》，我這時才後悔當初對神思者先入為主的看法。神思者的音樂——或者更確切地說，為故宮紀錄片所做的音樂——體現了一個對中國文化崇拜者的自己用音樂所做的文化詮釋。在其中不僅有宏大的交響樂背景，更加難能可貴的是一些中國特色的樂器（如電子合成的編鍾，二胡）所演繹的主旋律，聽來源遠流長，回味無窮。
神思者是一個由兩個擅長電子音樂的藝術家所組成的團體。成立之初名叫Sensitivity Project（感性企劃室），86年為NHK電視台的紀錄片《海上絲路》配樂後改名為S.E.N.S.，取sense 和cense的諧音，四個字母分別代表sound nature earth spirit。神思者主要以電影和電視劇的配樂為主業，出版了很多精彩絕倫的原聲碟。我收藏了一張電影《悲情城市》的原聲碟。這部由侯孝賢導演的中國台灣電影，獲1989年威尼斯電影節金獅獎，而由神思者所做的深沉而婉轉的配樂在其中功不可沒。
喬治溫斯頓和神思者彷彿在我心中開啟了一扇新的門，一扇通往一個全新的音樂世界的門。我不再流連於唱片店排在最顯眼的位置上的流行音樂專輯，而是如飢似渴地尋找新世紀音樂專輯，因為比起新世紀音樂，流行在某種意義上顯得那麼膚淺。新世紀音樂——無論是從最早的曼陀凡尼（Mantovani Orchestra）改編古典大師如肖邦，李斯特的作品使之成為雅俗共賞的輕音樂，還是喜多郎范吉利斯為電影和電視紀錄片的精妙絕倫的配樂——囊括了音樂的各個角落。這群對未來充滿希冀的藝術家們將古典與現代相結合，展現出一種空前絕後的藝術流派。以前在看相關資料的時候找到了一位青島大學音樂學院教授對這類音樂所下的定義：「所謂新世紀音樂就是以現代化的音樂器材、音樂手段來演繹古典音樂、民族音樂、地方音樂。」（「語言的盡頭是音樂出現的地方—— 新世紀音樂」 作者：青島大學音樂學院音樂系 姜良君）雖然我遠不及這位教授的藝術造詣高，但我個人並不是很同意這種說法。誠然，諸如神秘園（Secret Garden），姬神（Himekami）等眾多音樂家在探索本國民族音樂方面做出了不朽的貢獻，曼陀凡尼，馬友友（這兩者的新世紀音樂家地位還有所爭議）在發掘古典音樂方面獨樹一格，然而新世紀音樂絕對不盡僅是民族、地方和古典。在我看來，新世紀音樂的獨特魅力正在於它沒有確切的界限，各種想要表達內心深處冥想的旋律都可以算作是新世紀音樂。從德國電子曲風濃厚的橘園之夢（Tangerine Dream）到中國的充滿佛教內涵的鄧偉標，從西班牙熱情奔放的吉普賽國王（Gypsy King）到美國冷靜優柔的蘇珊西亞尼（Suzanne Ciani），還有久石讓那些日本民族風格的動漫配樂，旅韓華裔鋼琴家Daydream跨越國界略帶憂傷的鋼琴旋律，所有的所有，都指向一種全新的音樂理念。這種理念或許用喜多郎自己形容自己的音樂時所用的詞非常恰當，那就是spiritual，靈魂的。美國女作家奧爾科德說：「眼因流多淚水而愈益清明，心因飽經憂患而愈益溫厚。」我想，新世紀音樂這種spiritual的特點或許同樣的會令聽者心中「清明而溫厚」，而這恐怕也是為什麼新世紀音樂會如此與眾不同吧！
喬治溫斯頓的十張鋼琴小品集都由廣州星外星公司在國內正版發行。我陸陸續續買齊了所有的專輯，每一張都仔細而認真地聽，聽到熟到每一個音符，修飾音都能背得出來。喬治溫斯頓不僅僅用他嫻熟的技巧打動了我，更多的是他在音樂中注入的真情實感，聽起來沒有一點造作的感覺，完全是發自內心對自己故鄉蒙大拿州的贊美。我也聽過幾乎所有的班德瑞的作品，然而不知是因為國內銷售商們不遺餘力地推廣使之最終俗到爛掉，還是這幫瑞士音樂家們本身就是將自己的音樂理想建立在虛幻的現實上，反正那些音樂都有類似什麼「微風山谷」「夢花園」之類虛無縹緲的名字，但是聽過以後絕對不會產生真實的意境，僅僅是虛幻的好聽的音符而絕非旋律。喬治溫斯頓有一張專輯《辭冬（Winter into Spring）》，當音符連續而密集地響起時，我竟不由自主地想到了春天的雨，以及春天萬物生機勃發的場景。翻開專輯插頁，驚訝地發現這首曲子就叫做《雨（Rain）》。而這種感覺，是聽班德瑞無病呻吟的曲子所絕對無法享受到的。
相比之下神思者的音樂在國內發行的較少，除去故宮三部曲之外，還有一張精選集《透明的音樂》和一張電視連續劇配樂《二千年之戀》，僅此而已。很不好意思地承認，我的《悲情城市》也是盜版的。我在網上下載了神思者的其它所有的專輯，一次又一次地被他們所震撼，所折服。有很多曲子，簡單到只有八個小節的主旋律，然而鋼琴與弦樂的交織融合卻產生了不可思議的和諧與充盈。比如神思者2000年出版的音樂專輯《Asian Blue》中有一首曲子《Sican-Prayer》，鋼琴旋律重復兩遍，變調，接著同樣的旋律融入弦樂，重復，再變調。結構簡單得誇張，然而那種靜默的柔情卻令人回味無窮。
我有時候喜歡作這樣的比喻：喬治溫斯頓的作品好比輕快清新的現代詩，聽來有一種若即若離的感覺，聽者與樂者既不遙遠，也不過分親近，樂者隔著這段既定的距離，讓聽者產生共鳴。而神思者的作品更像是雍容華貴的散文，以一種勢不可擋的力量完全地包裹住聽者內心。這種溫情無微不至，讓聽者徹底沉醉於他們所營造的藝術世界中，敞開心扉，用熾熱的心直接去感受這種唯美的旋律。至於現代詩和散文孰優孰劣，我想並沒有定論。兩種文體各有千秋，同樣感召著一代又一代的生命，使他們的生活中充滿令人難忘的回憶的片段。
如果你在網路中搜索喬治溫斯頓，最先出現的（同樣也是出現最多的）是電影《我的野蠻女友》中全智賢彈奏的縮略版的由喬治溫斯頓改編的約翰帕赫貝爾的《D大調卡農》。約翰帕赫貝爾（John Pachelbel）這位對巴赫影響巨大的巴羅克時期音樂家恐怕永遠也不會想到自己的這首卡農被改變了幾十個版本，被不斷演奏，經久不衰。不過另一方面，喬治溫斯頓恐怕也不會想到，自己創作的幾百首美妙絕倫的鋼琴小品竟比不上一首改編曲在電影的推廣下所產生的流行熱潮。在我看來，有時藝術是一種無奈尷尬的矛盾統一體：一方面，藝術家不斷創作更新更好作品，為的是讓更多藝術的受眾們享受更好的精神層面的食糧。另一方面，藝術又不可以完全屈尊下顧，完全拋棄高雅的「嫁妝」，讓所有的普羅大眾勉為其勞地為其推廣，以至最終失去藝術本應享有的感召力。我還是拿班德瑞的例子來說。這群與世無爭的瑞士音樂家們將自己封閉在瑞士的原始大森林中，全身心地投入創作之中，為的是讓更多的人了解他們心中所嚮往的精神世界。我不清楚在世界的其它地方情況如何，至少在中國，班德瑞的出版發行單位很是混亂，許多家出版社同時「正版發行」班德瑞的專輯，並且配上與專輯內容毫不相關的莫名其妙的插圖。唱片店，超市、購物中心的老闆們彷彿抓住了救命稻草一般，以為不斷在自己店裡放這種「高雅音樂」就能招徠更多顧客 。於是乎，班德瑞迅速在大街小巷中走紅，幾乎所有的人都有意無意的聽過許多班德瑞的作品。即使這種音樂再高雅，它最終也只能走向俗套的流行音樂的道路。同樣的問題似乎也在侵蝕著恩雅，莎拉布萊曼，肯尼基，甚至是亞尼，神秘園，英格瑪。我不知道多久以後路邊孩童會哼著《Shepherd』s Moon》上學，我對這位愛爾蘭唱詩班出身的女音樂家有著十二分的崇敬，但恩雅的天籟也正在大眾化，平民化，最終……但願「最終」不會發生，起碼能晚一些發生，好讓我們這群准「愛樂者」們能夠將享受她的音樂這一小小的「特權」延續的時間再長一些。
有一天傍晚，我在學校廣播台上聽到了熟悉的神思者的音樂，《海上絲路》中的「Aphrodite」和《疾走》中的「Rain」，一首是紀錄片的配樂，一首是電影配樂。唯美的旋律在校園廣播不甚協調的喇叭中播放，竟還保留著幾分原曲的優雅與溫存，令我激動不已。可是聽著音樂，心情又不覺地變得復雜。我曾向寢室的同學推薦過神思者的音樂，最終發掘神思者的號召力遠不及周傑倫，只好作罷。我當時很希望能找到可以分享聽神思者的音樂的樂趣的人，但倘若校園廣播也不遺餘力地推廣神思者，最後浙大學生都喜歡上了這個組合，神思者不斷被推廣，最後變得和周傑倫一樣。到那時我猜我絕不會缺少傾訴我自己音樂感悟的對象。但當所有人都在聽著同樣的音樂，都在自我感覺良好地發表或深刻或膚淺彷彿領悟又不甚了解的看法時，我估計……我肯定我會選擇沉默。但我現在還在向人推薦，還在用論文介紹喬治溫斯頓，介紹神思者，介紹新世紀音樂，介紹這群優雅的舞者，邁著輕快的舞步，在藝術的世界中翩翩起舞，留下一首首令人難以忘懷的經典的音樂。而我，只希望做一個觀眾，用我誠懇的心去感知。感知大師們的藝術世界同時，自己的心彷彿也跟著變得澄澈。心因聆聽音樂而愈益清澈，我相信，愛音樂的人可以做到。

希望能幫到你。

Ⅶ 美國電影《出水芙蓉》音樂鑒賞論文

《出水芙蓉》是愉悅的，無論是開頭安排卡羅琳的出場，還是在游泳池傍邊演繹史蒂夫與卡羅琳的相遇，都最終在音樂與舞蹈中緩緩向我們道來兩位主人公自然而又詼諧的相遇。可以說，歌舞片的魅力基礎其實就是在於這種天然愉悅的歌舞伴奏的形式，人物之間關系的建立不需要細枝末節的情節設置或某種劇情中的暗示，而是完全可以拋開那些復雜的建置，用與劇情融為一體的音樂與舞蹈去把故事組織起來，因為歌舞天然就具備著愉悅動人的藝術魅力。也正是由於它的故事開頭太好建立了，使得它在整個故事的發展過程中不得不用大量的故事段落去組織故事高潮的到來。《出水芙蓉》的故事開頭的建置過程是如此的倉促，使得開片十分鍾時就進入到了故事的發展段落了。但我想說的是雖然這個建置很倉促，可是它的開頭還是非常完美的。它的完美就體現在於它的人物性格的建構與場景的設置上：一開場便是伴隨著優美的音樂與舞蹈，我們跟著主人公來到偌大的游泳池旁；通過音樂的伴奏、男子的歌唱與簡單的對話，讓我們知道了主人公史蒂夫是一名作曲家；這樣一個作曲家的身份，讓我們覺得游泳池旁的歌舞與他的身份是相互匹配的，是能讓一開始坐進電影院的觀眾與主人公和劇情產生互動的情緒的。就在這種有趣的互動情緒建立起來以後，女主人公卡羅琳出場便更具有更為生動的特性與愉悅感，讓卡羅琳，一個來自女子舞蹈學院的游泳教師與開場的游泳池產生了互動，並鮮明的向我們表明這是一部愛情歌舞片。隨後二人准備結婚，但作為唱片公司主管的喬治怕這樣會影響他的「水上盛典"的曲譜寫作，所以僱用女演員瑪麗婭假冒史蒂夫的妻子，帶著三個紅頭發孩子來到教堂的婚禮上大鬧了一場，從而達到阻止他們結婚的目的。當卡羅琳一氣之下離開，回到女子舞蹈學院時，故事的開頭建置也就結束了；如此簡單並且不拖泥帶水，這就是它的高超與巧妙的地方。這樣的建置讓隨後發生的一切事情都成了自然而然的了。
音樂舞蹈：
歌舞片之所以叫歌舞片，它的歌舞才是它的真正主導形式。它是一個不僅僅靠故事建立起來的，而是很多時候靠歌舞來達到情緒喚起的。二十年代時，爵士歌曲的流行成為了百老匯的主流。《出水芙蓉》也同樣充滿了類似的音樂，並且利用了它所有能利用的方式把歌曲、舞蹈、花樣游泳等藝術形式機智而又巧妙地融合進了影片中，編排出了一部美輪美奐的歌舞盛宴，也因此詮釋了好萊塢歌舞片表達的經典方式。最後一場「水上盛典」的水上芭蕾是如此的清新自然，氣勢恢宏，是本片的點睛之筆。雷德·斯克爾頓飾演的史蒂夫讓人印象極為深刻，尤其是那場搞笑的舞蹈課，他穿著女子芭蕾服裝，做著可笑而滑稽的動作時，我們幾乎快笑破了肚皮，也因此成為影史上一個經典的片段。音樂與舞蹈在片中每一個喜劇段落中都很好的得到了運用，並時時刻刻在劇情的發展中起到關鍵的作用。
歌舞片是簡單易懂的，它其實就是一個大Party，讓你在看的過程中想和主人公一起跳起來，一起唱起來，當你有這樣的沖動時，這部歌舞片也就成功了。不要去斥責它的浮淺，斥責劇情的俗套，優秀的歌舞片正是在你認為很俗套的時候給你帶來你意想不到的快樂與愉悅感，讓我們的身心得到了一次滋潤，讓我們還相信這個世界依然很美好，這或許就是它的可貴之處吧！

Ⅷ 求關於影視音樂鑒賞的論文，急

C小調彌撒的情感，已絕對不是歡快性質，也與他十歲那年創作的 kyrie相距何其之遙！但到了「信經」曲，三次輪回的快版，把對上帝的信心表達的又是何其明確！因此這首彌撒曲很顯然已完全不是敷衍著主教的要求，而是個人的真實信仰告白了。他要說的不是偽善的宗教，而是能真真實實安慰他短暫又痛苦的塵世生命的信仰。這種告白，絕對不是要求規格與形式的薩爾茲堡所能接受。

寧靜祥和的微笑

莫札特與父母親莫札特生命中最後的貧病交加的五年，曲風再度改變，從偶而出現突然結束的焦慮不安中掙脫，回到平靜無波甚至有些逍遙感的曲風。譬如他去世那一年的第二十七號鋼琴協奏曲（KV595），其流暢的音符，因偶而的轉小調，就絕對不再僅只是歡愉感的，但其返回大調，或優美不陷溺進情感的慢版，仍讓人分享到他的平靜無波。這絕對遠遠超過他早期的「歡愉」境界，是苦難中的安息了。

莫札特去世的那年彷佛是想把未竟之志全數完成一般，在病痛中還是維持大量的創作。其中有一首大概是為領聖餐儀式而作的宗教「Ave verum corpus」（KV618），簡直是無法想像的超然平靜，四部和聲緩慢優美而無波瀾的述說基督之愛，根本無法想像創作當時莫札特正在生命垂危之際奮斗。

莫札特在他死前兩年，曾經跟來比錫托馬斯合唱隊隊長談了一席話，他後來寫信給父親時提及此事。他跟隊長說：「我覺得你完全感受不到『上帝的羔羊基督，你洗卻世上的罪，請賜予我們和平』這句話的意思....。我從童蒙（註：莫札特的父親在耶穌會受了整整十二年的，並得博士學位，他非常重視莫札特的宗教教育。）就進了宗教的神秘聖殿，滿腔熱情期待彌撒開始，卻不知到底要得到什麼....，如今經過庸祿的生活，這一切又重新浮現，並深深感動著我的心靈，我樂於為這些聽過千百次的話，譜成音樂....。」莫札特當年與主教之不合，顯然與主教的成見有關──好動，滑稽可笑，動不動講黃色笑話的音樂家，怎麼可能在在實踐上都明白信仰真理？？但莫札特這從來與無緣無關，從不知道他將在生命末期經驗法國大革命的人，卻寫出嘲弄達官貴人，幫助一切平民的「費加羅婚禮」，以至於貴族紛紛疏遠他，加深他的貧困。當主教斥責他沒有教養，是個壞蛋，他卻於生命的後面十年，加入有平等思想扶弱濟貧的「共濟會」....，這一切都表明莫札特不是沒有信仰，而是無法把他自己的信仰跟形式化教條僵化的宗教氣氛，與只在上流閑談的宗教氣氛連結。這正是他在薩爾茲堡受困，而後貧病交加的主因。

莫札特的「安魂曲」（Requiem, KV626）手稿莫札特在母親為他勞累旅途中病故後，雖然其創作有一段時間明顯出現一反輕快風格的哀傷，但他還是寫信給父親說：「我順服上帝的意志」。當父親病危，他貧困交加的人生中再也沒有長者的撫慰，莫札特跟父親說：「我永遠感激我的創造者，並由衷祝福我周圍的人都可以有像我一樣的幸福感。」最後，當他思索死亡時，寫信給父親道：「既然死是我們生命的真正終極目的，它對我而言就不再是某種令人驚恐的東西，而是讓我感到安寧寬慰的東西。我感激上帝讓我有機會認識死，上帝讓我知道，死是達到真正的幸福的鎖鑰。」看過這些出自心靈的信仰表白，就不難明白，莫札特在創作中期離開薩爾茲堡前後，雖經歷生命中嚴重的挫折傷害與懷才不遇，卻仍走向創作中後期的平靜愉快。這種平靜愉快絕不是不解世事，因此即或是很容易傾向憂郁的小調，還是充滿平靜感，最終面對死亡，竟能創作出 KV618的天籟之曲了！

宗教與的關系，絕不是宗教扼殺藝術那般的一語化約──雖然形式化教條，的確使藝術窒息，莫札特也曾因此憤慨向朋友說：「作人還是不要太『虔誠』比較好！」，但形式化與教條絕不是宗教的本意。

我們在聆聽莫札特的音樂時，多少會體會到一種非出自自我的超然的情感，一種「不可言喻的奧秘」，因此有人說莫札特的音樂是「超驗的音樂」，但這終歸是因為莫札特自身先從自身的生命中掙脫，體會到一種超驗情感的向度。因此我們可以歸結：不是藝術可以取代宗教，而是宗教真實的體會與深度，賦予藝術一種非凡的內涵，因而走向超越的向度！