美國電影黑人音樂什麼類型

㈠ 黑人音樂種類的產生背景

爵士（Jazz）

爵士樂源自於新奧爾良一帶民間音樂、流行音樂、古典音樂的融合。新奧爾良長期以來一直有著獨一無二的文化傳統。從十八世紀晚期到十九世紀早期，新奧爾良大部分都被法國人佔領居住著，他們始終保持著對藝術的高度關注，比這個國家其他地域的居住者更熱衷於從音樂中獲取樂趣。因此，十九世紀時新奧爾良是全美國擁有各種音樂團體最多的城市。住在新奧爾良下城區的黑人演唱包括黑人宗教音樂以及做工歌兩種形式。另一種常見的黑人演唱是街頭小販的叫賣聲，這種演唱在音色和音高上的諸多變化非常有感染力。上述的三種黑人音樂融會貫通逐漸形成一種沒有伴奏的表演唱，後來發展成使用吉他和班卓琴來伴奏。新奧爾良的爵士樂比起其它地方可能是種類更多、更好，但這絕不意味著新奧爾良是產生爵士樂唯一的一個地方。在每一個有相當數量黑人聚居的美國南部城市所產生的音樂都應被視為是早期爵士樂的一種。其它城市還有亞特蘭大、巴爾的摩等。19世紀期間音樂是美國南部種植園黑人奴隸們表達自我生活和情感的重要手段。從19世紀末開始，爵士樂以英美傳統音樂為基礎，混合了布魯斯、拉格泰姆及其它音樂類型，是一種「混血」的產物。美洲的黑人音樂保存了大量非洲特色，節奏特色明顯，而且保留了集體即興創作的特點。這種傳統與新居住地的音樂——大部分是聲樂——結合起來，結果誕生的不僅僅是一種新的聲音而是一種全新的音樂表達形式。最有名的非洲—美洲音樂是宗教性的。今天人們所知道的爵士更准確地說是反映了早期非洲裔美洲人的情感力量及旋律感，爵士樂的真正起源是貧窮。1865年，美國內戰結束，往日黑人奴隸獲得了自由，但是生活依然困苦。他們多數是文盲，唯有靠自己故土培植出的音樂娛樂自己。勞動的號子和農田歌曲是在採摘棉花時唱的，贊美詩歌和聖歌是在種族隔離的教堂里聚會時唱的，而即興之作則是獨唱歌手在一支班卓琴伴奏下吟唱的。在教堂中，黑人牧師用英國領唱方式來解決唱歌不懂字的問題。

藍調（Blues）

藍調是一種基於五聲音階的聲樂和樂器音樂，它的另一個特點是其特殊的和聲。藍調中使用的「藍調之音」和啟應的演唱方式都顯示了它的西方來源。藍調音樂是黑人的思鄉之曲。文明時代最骯臟的歷史，莫過於把黑人從非洲販賣到美洲。16世紀30年代，那些在美洲的可憐的黑人們，每到周末就會聚到一起唱歌跳舞，在簡單的吉他曲中訴說思鄉情，他們在演唱中漸漸融入了種植園的小調，地方民歌，宗教音樂甚至靈歌，逐漸形成了藍調音樂。同時藍調音樂也是美國南北戰爭前黑人工作歌與哀歌的分支。南北戰爭後，黑人在街頭和沙龍即興奏唱新的哀歌，哀悼他們與法律的沖突，對愛的失望或在或在充滿敵意的世界中悲哀的命運，
於是他們只好把這些不滿、不愉快的心情，轉移到歌聲中。Blues 音樂是居住在美國的黑人在艱難困苦的生活中創造出的音樂風格，在當時的社會發展過程中，黑人被視為底層的勞動人民，在他們苦難的歷史中孕育出了這種偉大的音樂形式，和他們當時所處的社會地位形成了鮮明的反差。它發源於密西西比河的三角洲地帶，起源於 20 世紀初，早期為人們勞作時的勞動號子。 Blues 最初主要是人聲的敘述，在歌中即興的把生活中的苦悶和快樂統統唱出來，在後來的演變發展過程中才加上了樂器的伴奏，一般都是用木吉它和口琴。它的產生對當時的爵士樂、搖滾樂、鄉村樂和西方音樂都有相當大的貢獻。可以說是西方音樂的重要組成部分。由於藍調成形於其個人表演，因此要指出所有藍調的共同特徵很難。但在現代藍調出現以前所有的美國黑人音樂有一定的共同點。最早的藍調式的音樂是一個「功能式的表達，其啟應的歌唱沒有任何伴奏、和諧，不拘束於任何形式，沒有任何特別的音樂結構。」這些從奴隸田野工作時的叫喊和呼喚來源的藍調以前的音樂逐漸擴展為「簡單的、帶有感情內容的單聲歌」。 藍調一詞是與Blue Devils一致的意思，意思是情緒低調、憂傷、憂郁。19世紀里這個詞被用來表示震顫譫妄和警察。在美國黑人音樂中這個詞的應用可能更老。Blue Notes的應用，使得音樂上充滿了壓抑及不和諧的感覺，這種音樂聽起來十分憂郁。但就是這么一股〝反骨〞氣息，藍調以歌曲直接陳述內心想法的表現方式，使得它後來在叛逆的搖滾樂中發揚光大。

靈魂樂(Soul)

靈魂樂，是美國黑人音樂的一個分支，起源於底特律黑人音樂，是1950年代發源自美國的一種結合了節奏藍調和福音音樂的音樂流派。緊扣節奏、拍掌、即興形體動作，是其重要特徵。此外，獨唱與伴唱之間的交流對唱、特別緊綳的發聲，也是其主要特色。靈魂樂是南方福音和中西部的節奏藍調的融合，禮拜樂的復興被帶入節奏藍調的 Boogie-Woogie 世界之中。從這種肥沃的基礎開始，靈魂音樂誕生了。靈魂音樂的特點是堅實的節奏部分配以明確的世俗動感及宗教音樂。同時採用一些管樂。然而幾乎所有靈魂音樂都以熱情、高揚的嗓音作為標志，偶爾也加一些即興表現。靈魂音樂指望它的聽眾去尋找愛、為愛而寬恕、或者乾脆搖尾乞憐地求愛。熱情的藝術家們例如 Sam Cooke, ArethaFranklin總試圖淡化靈魂歌手和福音傳道士的分界線。你幾乎可以把靈魂音樂稱作是沒有宗教的宗教的音樂。底特律和費城等城市是主流靈魂的溫床，因為它在 60 年代中後期被廣泛接受。從1969年8月23日開始直至靈歌的沒落，靈歌排行榜一度成為黑人音樂排行榜的代名詞。雷·查爾斯(CHARLES，RAY)是第一位靈歌藝人。他在節奏與布魯斯音樂中大量吸收了黑人福音音樂的激情與唱法，特別是被稱做「花唱」的發聲法。眾所周知，靈歌的黃金時代隨著1968年4月4日 Martin Luther King的遇刺身亡而悄然結束。其後，全美國的黑人無可指責地展開了系列的報復活動，因為職員的人身安全不能得以保證，一些公司不得不暫時停業。但是，一些經典的音樂流派仍在兢兢業業地創作，他們的作品依然在聽眾的心裡佔有很高的地位。它牽動了整整一代人的心。

㈡ 黑人音樂是什麼

源自美國黑人的爵士樂19世紀末發祥於美國南部路易斯安那州的新奧爾良市，至今已有百年歷史。從最早期的「拉格泰姆」和「民間藍調」到頗具規模的新奧爾良爵士樂；從20年代著名的以集體即興演奏為主的「迪克西蘭」到30年代以伴舞為主要職能的「搖擺樂」；從40年代追求高超的以和弦演奏為基礎做即興演奏的「比波普」到50、60年代風格迥異的「比波普」和「酷」以及隨後的「自由」派；從70、80年代「搖滾」和爵士樂的融合，「合成」的出現到90年代「新經典主義」的誕生；直至今天，每一種爵士風格都活躍在舞台上。具有強烈持久生命力的爵士樂經過百年的演變和融合，早已突破了地域、種族和國界的局限，成為一種世界性的音樂。

㈢ 黑人音樂有什麼特點

黑人音樂一般較多融入大自然的原始聲音。旋律奔放，節奏較快。並伴有人聲。但黑人音樂發展到現在已逐漸成為流行音樂的奠基，形式風格多種多樣。

㈣ 黑人音樂」藍調」是一種什麼樣的音樂風格是什麼時候出現並風靡全世界的主要代表作品

藍調
藍調音樂始於二十世紀初美國的南部。本為貧苦黑人勞動時吶喊的短曲，而其中亦混合了在教會中類似朗誦形式的節奏及韻律。

這種音樂有一種很明顯的特式，便是使用類似中國民俗唱山歌的「一呼一應」的形式進行，英文叫作「Call and Reponse」。樂句起初會給人們一種緊張、哭訴，無助的感覺，然後接著的樂句便像是在安慰、舒解受苦的人。就好象受苦的人向上帝哭訴，而其後得到上帝的安慰與響應！

所以藍調音樂很著重自我情感的宣洩和原創性或即興性，這種即興式的演奏方法，後來慢慢地演變為各種不同類形的音樂，如Rock and Roll、Swing、Jazz......所以藍調亦是現代流行音樂的根源。

至於口琴被廣泛用於藍調音樂中是起始於約二十年代中，那時候在美國當地有很多街頭藝人表演音樂，他們常用樂器是五弦琴、鼓、和一種叫「pan quill pipes」的吹奏樂器。而由於結他和口琴的性能比這些傳統樂器好和更適合於空獷的地方表演，所以漸漸地口琴便常被用作吹奏藍調音樂。

及後三十年代左右，很多黑人移往大城市芝加哥居住，藍調音樂和藍調口琴亦隨之在芝加哥這地開支散葉，及後更自成一派名為Chicago Blues。

在聽藍調音樂的時候，你會發覺它們好象都依著一個相同的曲式來進行。其中原因是因為藍調音樂會常用到一種標准曲式，名為12 Bar Blues。

藍調的分類

現代藍調 (Modern Blues)

現代藍調是一個廣泛的概念，包含所有現代的藍調藝術家們，他們雖然未能見到傳奇的老派藍調藝術大師，但遵循了他們的步履。現代藍調既用原聲吉他，又用電吉他，結合從搖滾到流行到民謠的多種元素。有些藍調純粹主義者或閉門造車的音評人會說現代藍調只是些簡單的模仿者；但他們實際上在尊重過去藝人的基礎上融會了創意、天賦和更現代化的感官。Stevie Ray Vaugan 在生前一直被認為是獨特的藍調復興主義者（1990 年他直升飛機遇難而亡），其後又有 Robert Cray 和 Keb' Mo'。

跳躍藍調 (Jump Blues)

在搖擺年代，大型樂隊爵士、藍調、福音音樂和「布吉沃吉（Boogie-Woogie）鋼琴」全部結合起來，成為「跳躍藍調」。Cab Calloway 唱新鮮有趣的歌曲時，更強調了旋律。Slim Gaillard 則「說」唱出另人捧腹的超現實主義歌曲（通常是關於食品），而他的樂隊應和著喊叫著。Louis Jordan 也掌握了這種高能量的跳躍藍調，同時 Louis Prima 又結合了 Louis Armstrong 的人聲變化和小號技巧。跳躍藍調的西海岸版很大程度地受比較輕松的 Nat Cole 的爵士三人組影響，用老練的音樂和歌詞代替了強勁的能量。受正規古典音樂培訓過的歌手、鋼琴家 Charles Brown 就是西海岸的最佳代表。跳躍藍調影響了節奏藍調（R&B）和搖滾使成為美國派對的主流音樂，後來又成為 90 年代搖擺復興的主要元素。

口琴藍調 (Harmonica Blues)

由 Sonny Boy Williamson II, Lazy Lester 和 Jimmy Reed 倡導——然後由 Little Walter 和 Junior Wells 帶入 20 世紀後期——口琴藍調以藍調口琴為核心。Little Walter 在芝加哥發展了該風格的電子版，而 Slim Harpo 在路易斯安那演奏連頸口琴。在以後的幾年中，Paul Butterfield 和 Bob Dylan 把口琴融入到民謠、搖滾和藍調復古。

電子藍調 (Electric Blues)

只要插了電，就是電子的了。雖然電子藍調以電吉他的使用為標志，它也同樣以電貝司為標志——拾音器（用來放大原聲樂器的一種裝置）被裝到倍大提琴和原聲吉他中。從戰後的悲曲大師 Little Walter 到電吉他人 Smokey Wilson 和 Eddie Kirkland 都是電子藍調傳統的代言人。

三角洲藍調 (Delta Blues)

三角洲藍調大多用一原聲吉他演奏，是藍調的一種原形。其代表人物包括富有傳奇色彩的Robert Johnson, 芝加哥藍調的締造者 Muddy Waters，口琴師 Sonny Boy Willianson II 和藍調之王 John Lee Hooker。得爾他藍調用充滿熱情的歌詞和人聲，通常獨奏，也有一些小的組合，如 Willianson 的各種組合，也曾有過灌錄。

經典女性藍調 (Classic Female Blues)

女性在 1920 年開始接觸藍調。有歌手如 Ma Rainey 和 Bessie Smith，她們創作了許多尖銳而又自信的作品。以後的音樂家如 Billie Holiday 則降低了尖銳性，但同樣真實地反映了她們的生活與關系。

鄉村藍調 (Country Blues)

是一種起源於美國南方和中西部的大部分由原聲吉它演奏的藍調。鄉村藍調利用了從早期的滑音吉它到指撥演奏的獨奏、二重奏和弦樂合奏。先鋒者 Skip James, Brownie McGhee, Lead Belly 和 Lightnin' Hopkins 創導了這種現已不存在的風格。以後的電子吉它使之平穩地轉變成電子和現代的鄉村藍調。

綜藝藍調 (Vandeville)

在綜藝表演的最初年代，眾多劇院因偏好白人戲而忽略了黑人演出（頗具諷刺意義的是，他們實際上卻常上演一些模仿黑人老套形象的滑稽戲）。因為主流的排斥，黑人藝術家們組成了自己的圈子，在美國為數不多的場所上演專給黑人觀眾看的劇目。這些綜藝表演通常包括滑稽戲、魔術、舞蹈等，但最引人注目的當數藍調歌唱表演——出現了一批如 Ma Rainey 和 Bessie Smith 的歌手。綜藝表演要求表演者超越唱歌地取悅觀眾，於是加入了戲劇和舞蹈的成分，使黑人綜藝表演更深地吸引了觀眾。綜藝表演中的佼佼者 Butterbeans and Susie 因他們的特別的喜劇表演和精湛的藍調二重唱久負盛名。綜藝藍調在 20 世紀 20 年代處於顛峰狀態。

城市藍調 (Urban Blues)

城市藍調的歌詞充分反映了都市生活。「城市藍調」一詞最初是為了與鄉村藍調區別，到四十年代逐漸形成自己的風格。城市藍調包含了 Louis Jordan 的跳躍藍調到爵士的最新花樣，包括了 Percy Mayfield 和 Ray Charles 的帶有城市化的感覺的低吟。

德克薩斯藍調 (Texas Blues)

德克薩斯藍調發展於 20 世紀 20 年代，很大程度地從鄉村音樂過度，只是濾去了鼻音。它節奏鬆散，也稱「德克薩斯拖拍」，在拍子後面拖擺一點。歌詞方面，擺脫了「強作愁」的主題。德克薩斯藍調常用傳統的旋律，一把吉他而不是吉他合奏。然而，德克薩斯藍調在二戰後趨向電子化，主要受 Clarence "Gotamonth" Brown 的影響，他們在管樂部分用電吉他獨奏表演。其後，T-Bone Walker 和 Stevie Ray Vanghan 繼續保持了拖拍的節奏和輕松的德州傳統。

沼澤藍調 (Swamp Blues)

因路易絲安那州的沼澤而得名。沼澤藍調慢悠悠地，用口琴、吉他演奏，出現過偉大的 Slim Harpo。經摻入新奧爾良的節奏與藍調的韻律、加上回聲和延遲的電吉他效果，沼澤藍調可悠揚如 Lonesome Sundown 和 Lightnin' Slim，活潑如 Lazy Lester 的口琴。

靈魂藍調 (Soul Blues)

一種傳統藍調和 60 年代靈魂音樂的快速旋律的熔合物，靈魂藍調是涵蓋兩種傳統的藝人。以標準的藍調樂隊為基礎——鋼琴、吉它、貝斯、口琴和打擊樂——有時加入節奏藍調曲調的管樂，靈魂藍調的音樂家們延伸了傳統的界線，又保持了靈魂樂的根基。Etta James, Bobby "Blues" Bland 和 Jonnie Taylor 都曾是靈魂藍調的佼佼者。

鋼琴藍調 (Piano Blues)

各種時期的爵士型、藍調型音樂、即興的演奏，只要是用鋼琴演奏的藍調，那就是鋼琴藍調。鋼琴藍調的范疇包括從 Count Basie 和 Rossevelt Sykes 到 Ray Charles, Dr. John 甚至是福音音樂的祖師 Thomas A. Dorsey。

紐約藍調 (NY Blues)

成熟的紐約藍調吸收了跳躍藍調、搖擺、Bebop 和早期的節奏藍調中的精髓。它在 40 年代搖擺時期綻開，當時 Lionel Hampton 的大型樂隊用上了藍調歌手和強烈的節奏。 正當吶喊的 Big Joe Turner 影響了搖滾樂，Erskine Hawkins 和 Eddie 「Cleanhead」Vinson 把大眾的藍調和受高度尊敬的搖擺爵士聯繫到一起。

新奧爾良藍調（New Orlean Blues）

顧名思義即知，藍調決不是笑嘻嘻地找一番樂子（英語「藍調」blues有憂傷的含義）。但於此——並非絕無僅有——新奧爾良藍調稍稍有別。它帶有加勒比韻律（尤其是倫巴）和一些美國南方音樂色彩，只在派對聚會上才有用武之地。此類別可輕松休閑，也可捶胸跺腳地豪放，有Fats Domino 和 Professor Longhair 等出色藝人，用了號和即興發揮的鋼琴伴奏。

孟菲斯藍調 (Memphis Blues)

當 W.C. Handy 寫「Memphis Blues（孟菲斯藍調）」時，他根本沒有想到這個詞的深遠影響。孟菲斯藍調的兩大派系中的前一種是在 20 世紀 20 年代的 Beale Street 初生，從眾多「陶瓶樂隊（jug band）」和綜藝表演衍生而出，Memphis Jug Band 的弦樂風格和 Memphis Minnie 和 Frank Stokes 的粗曠而又時常滑稽的風格而備受歡迎。這種孟菲斯藍調的早期形式發明了一種演奏方法：主音吉他在一曲中有一「段」特殊演奏——這種方法至今已成為標准方法了。後一種孟菲斯藍調是在 50 年代前期開始的一種電子風格，是更響亮而又激進的藍調。樂手們採用了擴大的、失真的吉他和較重的鼓聲，對今天的大多數藍調藝人有更直接的影響。

爵士藍調 (Jazz Blues)

爵士藍調有著堅實的藍調根基，但又吸收了富變化而又稍快的爵士音樂。這類音樂家們通常把爵士樂的即興演奏特點摻進了經典的藍調音樂三和弦結構。爵士藍調包括從鋼琴師 Mose Allison 以爵士為主的作品，到吉它手 Lonnie Johnson 的扎實的藍調，還有 Ray Charles 的激情盪漾而又博採百風的鋼琴藍調。

民謠藍調 (Folk Blues)

民謠藍調可追溯至 19 與 20 世紀交界的小酒吧音樂和晚間小慶典的原聲風格。它產生於南方從德克薩斯到三角洲的影響，被許多人認為是美國最原創的音樂。盡管早期美國藍調也同樣的深入大眾，但真正把人們帶入小酒吧間跳舞的是民謠藍調。是 Lead Belly 和其後的 Sony Terry 和 Brownie McGhee 將民謠藍調的風格延傳下來，而 90 年代的吉它手 Ben Harper 成功地再現了這一風格而又沒被認作為復古分子。

原聲藍調 (Acoustic Blues)

不插電即是原聲。原聲不一定專指原聲吉他。此類藍調指所有非電子樂器演奏的藍調——從吉他、班究（五弦琴）到口琴、發聲鐵罐。各地有各地的曲風——芝加哥、三角洲（Delta）、新奧爾良、德克薩斯、等等；也有各種音樂風格——滑音型、爵士型、指撥型、等等。二十世紀前葉的大師 Big Bill Broonzy, Lead Belly 和 Blind Lemon Jefferson 被認為是原聲的，還有更現代型的 Keb' Mo', Taj Mahal 和 John Lee Hooker。

早期美國藍調 （Early American Blues）

這一范疇包括藍調的最早錄音。從 W.C. Handy 到 Robert Johnson。這種唱片質量通常並不那麼理想，但充滿著深切感情，繞梁三日。

㈤ 能否介紹一下布魯斯，鄉村，黑人，古典，hip pop ,搖滾,punk, R&B音樂

很多的 說不完 隨便介紹下
不管是黑人靈歌、靈魂音樂、節奏藍調又「節奏布魯斯」［就是我們所說的R&B］、搖滾音樂，甚至是爵士樂本身，它們的根源都可以追溯到由非洲傳來的黑人音樂

布魯斯（又譯勃魯斯、藍調）是一種基於五聲音階的聲樂和樂器音樂，它的另一個特點是其特殊的和聲。布魯斯起源於過去美國黑人奴隸的聖歌、贊美歌、勞動歌曲、叫喊和頌歌。布魯斯中使用的「藍調之音」和啟應的演唱方式都顯示了它的西非來源。布魯斯對後來美國和西方流行音樂有非常大的影響，拉格泰姆、爵士樂、大樂隊、節奏布魯斯、搖滾樂、鄉村音樂和普通的流行歌曲，甚至現代的古典音樂中都含有布魯斯的因素或者是從布魯斯發展出來的。[1]在詩歌里這個詞常被用來描寫憂郁情緒。

布魯斯（英語：Blues，藍色、藍色的）一詞是與「藍色魔鬼」（Blue devils）一致的意思，意思是情緒低調、憂傷、憂郁。早在1798年喬治·科曼就寫過一部名為《藍色魔鬼，一幕滑稽戲》的滑稽戲。19世紀里這個詞被用來表示震顫譫妄和警察。在美國黑人音樂中這個詞的應用可能更老。1912年孟菲斯威廉·克里斯托弗·漢迪的《孟菲斯布魯斯》是這個詞在音樂中最早的書面紀錄。

hip pop ：
Hip-Hop的根源是二十世紀七十年代初,美國整體的經濟狀況改善,一貫被歧視的黑人終於初步獲取了自己的社會地位,建立了屬於自己的社區.但是對黑人來說歧視依舊存在,貧窮依然深深地壓迫著他們,他們要想改變自己的生存狀況,必須利用天賦的本錢.黑人有兩大天賦:一是運動,二是音樂.從爵士樂到搖滾,如今是RAP.一個黑人最容易出人頭地的方法就是打籃球,否則就是搞音樂.而Hip-Hop的定義也是由五個部分構成的,它們分別是:音樂,舞蹈,塗鴉,刺青和衣著.它們的出現並不是一天的事情,而是在漫長的發展過程中漸漸成型,並確立門派的.

70年代Hip-Hop開始發展之時，被分為1. D.J 2. M.C 3. Dancer 4. Graf 四大部份。 在我們提到Hip-Hop的歷史之前，大家要知道這四大部份是Hip-Hop文化里所不可或缺的，而其中和音樂最有密切關系的便是D.J和M.C。D.J和M.C是一起工作的搭擋，一位好的D.J用兩台唱機再加上兩張Beat唱片，就可以玩出一些簡單的音樂節奏，而在這時候會有兩種人立即產生一些反應，一個就是M.C，再來就是Dancer了。M.C的嘴巴開始念出他所想到的Rap，內容多為不滿情緒的抒發或談及一些日常生活的瑣事。而Dancer則開始用身體來表達出他想說的舞。再來就不用說了，就是要解釋Graffti，我想如果你有學習畫畫的話，一定非常想要讓過往的路人欣賞到自己的作品，對吧? Graffti Art ( 亦即使用噴漆在街頭的牆上或火車的車廂.....等地方作畫 ) 就是屬於此種心態的表現。

Hip-Hop

在20世紀70年代末和80年代初創於紐約的窮困工薪階級的黑人民族中。它匯集了非洲音樂、美洲音樂和藝術文化。Hip-Hop是一種由多種元素構成的街頭文化的總稱，它包括音樂、舞蹈、說唱、DJ技術、服飾、塗鴉等。在創始之初，Hip-Hop文化由四大元素組成：DJ、MC、StreetDance、Graffiti。這一時期的Hip-Hop稱之為Old School Hip-Hop。

當Hip-Hop在90年代大紅大紫之時，許多不同的風格在New School年代萌生出來。Hip-Hop不僅是城市黑人貧民窟中產生的音樂，更成為代表城市黑人貧民的呼聲。說唱音樂家們開始描述他們或他們身邊人們的艱辛生活。

「Hip-Hop」這個詞是一個新興的音樂流派的類別，它自出現到發展至今，已經不僅僅代表了單一的音樂類別，Hip-Hop在2000年的世紀之交，已經發展成為一種新興生活方式的代名詞，其中包括：音樂、服裝和行為方式等。屬稱街頭文化！在整個Hip-Hop的文化中，服裝要算是最出彩的一部分了。典型的著裝包括：寬大的印有誇張Logo的T恤，同樣寬大拖沓的板褲或者是側開拉鏈的運動褲、籃球鞋或板仔鞋、高爾夫球帽或者是棒球網帽、各國風格的包頭巾、頭發染燙成各異或編成小辮子。而相應的配飾則有：紋身、銀質耳環或者是鼻環、墨鏡、MD隨身聽或者是MP3、滑板、背包等。這些零星的服裝湊在一起，就組成了在美國風靡了整整20年的Hip-Hop時尚。Hip-Hop是街頭的文化，是一種生活態度。他與同是街頭文化的滑板、小輪車等極限運動有著親密的關系。

Hip-Hop一族具有共同的行為方式，即使互不相識，你也能從他的外表准確地判斷。Hip-Hop已經有二十歲了！從八十年代初到公元二千年，從Old school到New school，從沒有人喜歡刮唱片到人人為街頭音樂而瘋狂，這一種文化帶給這個世界的沖擊，超出了人們的想像。二十年來，Hip-Hop文化在美國植下了根，成功的結合了娛樂、商業、音樂甚至政治。它是一個獨立而有色彩的團體意識，它是堅固而難以取代的文化形式，它不只是我們常常說的「黑人音樂」，也不是只帶著手勢口裡喊著「Check it out」，更不只是流行歌手主打樂風奏藍調。Hip-Hop文化就是Hip-Hop文化，它有著人一樣的性格情緒長像。 簡單地說，Hip-Hop有四個重要的成份。

B-BOY

其實B-Boy（Breaking Poping Locking）的開始早在1983年就已經有了。在那時候，我們稱之為「霹靂舞」。但，這種於國外的文化，目前在國內還只能稱作為一種「流行」無法融入真正的生活，所以迄今仍無法將之延續下去，而且當時信息有限，能真正了解此文化的人並不多，正因為如此，對於這種文無法完善地教授給下一代，所以到了1987年Breaking，就形成了一種沒落的狀態甚至淪為一種過時的流行話題。「霹靂舞」在國外理所當然是種文化，但到了國內卻沒幾年就變成了歷史。

雖然Breaking停擺了一段時間，但是在八十年代末九十年初卻出現了許多新的舞蹈團體（此時Old School已漸漸形成New School）。其實國內在這個階段的舞蹈類型還沒有分得很清楚，玩地板Breaking的人變少，而是以Locking、Poping為主，這時信息的來源是日本。在九十年代中的時候New School興旺，Oldschool也大有人在，但真正能持續下去的人並不多，在此時期存在的幾乎都是老面孔。到了九十年代末期，「街舞」的風潮興盛，才有再度引起了媒體的注意。

街舞屬於勁舞，動感十足，動作幅度大，要求舞者體質好。像單手倒立、前滾翻、大風車轉、背旋等動作，屬於難度系數高的表演，街舞少年必須保持足夠的體力支撐，以及擁有堅強的意志和勇氣。

Graffiti

我們經常在黑人電影中常看見車站地鐵甚至火車廂外被畫上一些奇形怪狀的字，那就是噴畫與塗鴉。這些色彩鮮明的圖案，代表了畫家對於自己的立場或是對社會的看法、現象等等。然而利用噴漆瓶並不簡單嗎，真正的噴畫家是把噴漆瓶當作畫筆，在原本不可能出現畫作的牆上、地上等地方作畫。出名的噴畫家更可以跟服裝結合，掀起服飾流行風氣。依照風格、字體及色調的不同，世界各地的噴畫家，各自設立自己的文化及天地，正符合了Hip-Hop獨一無二且無法模仿的精神。

塗鴉少年以噴漆作畫於牆上，用以表達其所想宣告的意念、想法或是幫派用以劃分地盤；從60年代末發源至今，漸漸成為一種街頭藝術。

塗鴉少年之間相互進行塗鴉競賽，比誰的作品多，誰的名頭響。他們在所有可能的公共場所將自己的名字或筆名「塗」在顯眼的位置，以此表達對成人權威的蔑視。他們手持裝滿顏料的噴槍同警察捉迷藏，這些顏料常常是偷來的。

他們在市區的牆上塗抹帶有神秘色彩的句子，粗魯的骷髏狀的人像、帶有原始面具色彩的面孔、以及孩子游戲中含有猥褻意味的姿勢。塗鴉作品是可視的說唱樂和爵士樂，是對視覺藝術的原創性貢獻。作為大眾主義觀念的擴展，塗鴉藝術家大量生產了素描、印刷品、油畫、雕塑、壁畫、T恤、鈕扣和旗幟。

2001年，時尚設計師們不約而同地向Hip-Hop流行文化取經，從衣服、裙、高跟鞋以及手袋上，都能找到黑白或七彩的塗鴉風格作品。

DJ

DJ在Hip-Hop領域里，無庸置疑佔了極重要的角色。因為不管是B-Boy或者是MC，都需要DJ來輔助，否則等於是瞎子一樣。

在美國1967年時，有位從牙買加金斯頓移民到美國紐約布朗士區的傳人物，叫做Kool Herl，當時是他最早把兩個唱盤（turntable）及混音器（mixer）擺在一起，及獨創「刮唱片」（scratch）的動作。所以當時吸引了很多的人在街頭欣賞他表演。然而他在一次的酒吧斗毆中不幸失去雙手，被譽為「The founding Father of Hip Hop」的Herl不得不停止表演並退出了樂壇。隨後，更多DJ紛紛成名，如：Afrika Bambaataa、Grand Master Flash等人，他們把自己的DJ想法及先進的技巧，融入音樂製作，產生了當時紅遍街頭巷尾的舞曲，如：Plant Rock、The Message……等。

所以DJ發展至今，已並非是純粹做些mixing或scratch的技巧而已。在在這幾年的趨勢中，DJ已跨越到音樂製作領域，不少還親自擔綱製作人，如樂隊Pete Rock & C.L. Smooth，Pete Rock即是該樂團的DJ兼製作人，樂隊Gangstarr的DJ Premier也是如此。國內DJ的角色尚未被重視，是因為國內樂界認為DJ並無正規的音樂素養，所以做出的作品也是上不了檯面的；但無論如何，DJ本身的想法及先進的技巧，是值得餓肚子也要繼續的「信仰」。

在一般人的印象當中，常見「DJ」常常會把手放在唱盤（turntable）上的黑膠唱片（LP）來回刷動，另一隻手在混音器（mixer）上的CROSS FADER（控制左右唱盤的聲音）反復不停地切換。其實這種動作正確名稱叫做「Scratch」。Scratch是一種在節奏中或一首歌曲里做類似唱歌般的組合，然後增加其變化性。然而不只是單單有「scratch」而已，還有一種用2張一樣或是不一樣的唱片，也是在一定的節奏上，去做變化，而這個技巧稱為「Battle」。這兩種技巧都是「Hip-Hop DJ」比較常使用的方式，然而在「scratch」和「battle」里，沒有一定的規范，每一位DJ都有自己的特色（free style）。其實，它們在國外已經風行20餘年，自成為一種特殊的文化了，而且還有舉辦一些大大小小的比賽，其中就有極具公信力的比賽，叫做「DMC」。它源自於八十年代初，當時是由一群熱愛音樂的DJ俱樂部（類似行會的組織）名叫「D.M.C」（DJ Mix Club）。一直到現在，D.M.C在世界各地（美、英、加、澳洲、日本、香港等等）幾乎都有舉辦比賽。然後再由每個地區的冠軍，一起比賽爭取世界冠軍（類似奧林匹克的比賽模式）。在比賽里每個DJ一直都把自己最好、最新的技巧，在比賽中展現在來。在D.M.C里也造就了不少知名的DJ，像「Mixmaster Mike」、「Q-Bear」和香港的「DJ Tommy」等等。目前在國內這種類型的DJ一直以來都是存在的，只是他們發展的空間太小了，參與的人相對也就越來越少了。所以不管是哪一種類型的DJ，沒有一個群體的支持，他們是不可能發展下去，最後形成一種新文化的。

MC

MC就是最能帶動氣氛的那個人，但這不一定是黑人。「MC」的原義Micphone Controller，也就是「控制麥克風」的人。所以有許多的人饒舌歌手都會給自己的藝名前面加個「MC」什麼什麼的，比如前幾年很出名的MC Hammer。經過多年的傳承，現在的MC需要具備多方面的能力，比如要能帶動氣氛，能主持、能RAP、能即興饒舌（free style）。他不只是表演者，也兼俱了Hip-Hop文化的訊息傳達者的功能，所以從他的表演內容和形式尚可分不同域及派別的表演型態，例如東岸、西岸、非主流等。當然，一個具有鮮明個人色彩的MC，更能進一步的帶動口頭禪、音樂以及服裝的流行，這點也可以由那麼多的黑人歌手代言服飾品牌窺見一二。在國內，當MC是很不容易的，因為國內尚沒有那麼多的製作人支持這種表演類型，頂多在PARTY上看見表演會覺得新鮮，但是以目前情歌滿天飛的情形看來，要發動RAP的市場比較難。從R&B著手會容易得多。但是目前能在自己的作品中加入一些旋律及唱功的MC，在國內少之又少。其實，大部份的MC還是希望大家能以「玩」的角度出發，才是黑人音樂真正的元素。唯有充滿喜感、快樂。才能在目前「情歌至上」的音樂市場中，求得發揮的空間。

R＆B

R&B的全名是Rhythm & Blues，一般譯作"節奏怨曲"。廣義上，R&B可視為「黑人的流行音樂」，它源於黑人的Blues音樂，是現今西行流行來和搖滾來的基礎，Billboard雜志曾介定R&B為所有黑人音樂，除了Jazz和Blues之外，都可列作R&B，可見R&B的范圍是多麼的廣泛。近年黑人音樂圈大為盛行的Hip-Hop和RAP都源於 R&B，並且同時保存著不少R&B成分。

RAP

說唱樂的起源可以追溯到黑人音樂根源中吟詠的段落中，到了70年代說唱樂正式確立了自己的風格，其中最主要的功勞要歸根於當時流行的迪斯科舞廳中的DJ們，他們將黑人當時正在風行的FUNK節奏混入流行的迪斯科節奏中，並且在唱片機上反復重復同一張的唱片的內容，做自己的LOOPS，隨著那些在現在廣為人知和DJ們普遍應用的「打碟」法出現，說唱開始被街頭黑人文化所流傳，並且衍生出相當豐富的分支，諸如西海岸說唱樂(West Coast Rap)、南部說唱樂(Southern Rap)、流行說唱樂(Pop Rap)、老派說唱樂(Old Schold)、中西部說唱樂(Midwest Rap)、拉丁說唱(Latin Rap)、硬核說唱(Hardcore Rap)、黑幫說唱(Gangsta Rap)、外來說唱樂(Foreign Rap)、東海岸說唱樂(East Coast Rap)、過渡說唱樂(Crossover Rap)、喜劇說唱樂(Comedy Rap)、基督教說唱(Christian Rap)、另類說唱樂(Alternative Rap)等等，我們現在所謂的Hip-Hop正是由這些流派綜合了當今流行元素而誕生的新詞彙。盡管早在90年代初期就有人認為這種絮絮叨叨，滿是臟話粗口，叛逆詞語的音樂會很快消失，而事實上，在90年代末，隨著一批新進的說唱樂手和以白人為主的說唱搖滾的風行，曾經被黑人拋棄的音樂又重新回到了流行音樂的前端，至少在新世紀的現在，這個風潮還不會消退 RAP是美國黑人音樂中的重要組成部分，是街頭文化的主要基調，是世界流行音樂中的一塊「黑色巧克力」。

㈥ 黑人音樂有幾種

blues美國流行音樂形式。又譯為藍色音調。原意為在感情上悲傷的意思。在黑人歌曲中，有一大部分都是描寫生離死別之情，抒發憂傷凄慘的內容，用布魯斯一詞來概括十分貼切，久用成習，就成了這一類黑人歌曲的總稱，進而成為美國黑人音樂中一種典型的曲調。
爵士樂，這個應該知道吧
雷鬼。早期就是鋼管舞，在酒吧演唱的
「節奏布魯斯」(R&B)
驟停打擊樂 被認為是打擊樂的前身
rap 這個聽聽姆爺的吧

㈦ 一些歐美黑人電影里經常放的節奏感很強的音樂

可能是一些比較適合跳街舞的音樂或者爵士樂。

可以去聽聽：

Boyz.N.Da.Hood.&.P.Diddy
---
Dem.Boyz
《
Put
On
》
Young
Jeezy
ft
Kanye
West
Trai
D
---
Gutta
Chick
The
Connect
-
That's
My
Dog
T.I
-
Top
back
(
remix
)
Mims
This
Is
Why
I
m
Hot
Video
for
Arsonal
(Feat.
Block
City)
-
Bag
It
Up
Kenzo
---
ThYung
Joc
---
Its
Goin
Down
Chamillionaire
Ridin
dirty
Dolla
Ft
T
-
Pain
Dizm
Who
The
Fuck
Is
That

超好聽R&B
Trey
Songz
Can
t
Help
But
Wait
黑人完美聲線讓你絕對喜歡Brian
McKnight
Back
At
One
sorry
for
the
stupid
things（為那些傻事抱歉）---
babyface

Wonderful
Tonight
這首歌太多人唱了，我也不知道誰是原唱
一首絕對唱到你感動心碎的完美歌曲The
Loneliness
一首適合深夜悉心傾聽的動人音樂Indescribable
Night

㈧ 一部電影，貌似是美國的，什麼黑人音樂的

靈魂歌王 Ray (2004)8.2
騷靈樂父 | 光芒 | 狂愛樂與怒
導演：泰勒·海克福德 主演：雷吉娜·金 傑米·福克斯 凱麗·華盛頓 ...
這部傳記片真實地再現了黑人靈魂樂歌手雷•查爾斯、傳奇的一生，刻畫了這位靈魂樂之父那常人難以想像的堅強意志和美麗心靈。

不知道是不是你要的，不過這部很好看

㈨ 黑人音樂的品種和特點

美國黑人音樂大致可以分為勞動音樂、宗教音樂和流行音樂三個類別。勞動音樂中主要的品種是勞動歌曲；宗教音樂中最有影響的是黑人靈歌（the Negro spiritual），福音歌（gospel music）；流行音樂中則有藍調（blues）、爵士（jazz）、迪斯科（disco）等不同的品種。在這些品種中，最早出現的是勞動音樂，而最有影響的則是藍調和爵士。
勞動音樂中最重要的品種是被稱為「field holler」的號子，號子都是即興編唱的，大都用虛詞為歌詞，只有很少一部分用實詞為歌詞，大多採用五聲音階，而且不少音「帶腔」（bent pitches或flexible tones），後來就成為藍調中的特有的藍調音（blue notes）。號子多採用一領眾和式，節奏比較復雜。
靈歌是信仰基督教黑人在教堂中演唱的宗教歌曲，其內容多表現痛苦的情感，如《你是否在場？》的歌詞為：
當我主被釘上十子架，你是否在場？
當我主被釘上十子架，你是否在場？
主啊！那情景令我發顫
當我主被釘上十子架，你是否在場？
當他被釘在樹上，你是否在場？
當他被釘在樹上，你是否在場？
主啊！那情景令我發顫
當他被釘在樹上，你是否在場？
靈歌最初是即興演唱的，也多採用一領眾和的形式，所以也比較容易學。雖然它的內容是基督教的，但它的演唱形式和創作方式都保存了西非的傳統。
藍調是一種具有民歌風的獨唱曲，它最初是黑人自娛性的歌曲，後來非常流行，而且對包括爵士在內的幾乎所有美國音樂品種都產生了深遠影響。
藍調產生是在美國內戰之後產生的，當時有不少被解放了的黑奴離開農場和家鄉去做他們所不熟悉的工作，如修鐵路、挖溝等，辛苦的工作和菲薄的工資使他們感到痛苦，便即興編唱一些歌曲來表達自己的不幸，這便是最初的藍調。晚上，黑人們在聚居地方唱藍調自娛，這種藍調稱為「鄉村藍調」（rural blues）。後來有黑人歌手到城市中的酒吧和沙龍去演唱鄉村藍調，並用吉他、口琴或鋼琴伴奏，這些由專業歌手所演唱的藍調則被稱為「城市藍調」（urban blues）。
藍調歌詞的主要題材是關於愛情和勞動生活，歌詞最初的格律是每段一句，重復演唱三次，後來演變為每段兩句，第一句重復，構成AAB形式，如：
你還要像狗一樣待我多少年？
你還要像狗一樣待我多少年？
我寧可快些死去，在地下長眠。
藍調所用的音階基本和大調相同，但常出現降低半音的三級、七級甚至五級音，有時也會在這幾個音級上用搖聲，這些帶腔的音被成為「藍調音」。
藍調的旋律一般是12小節，每句歌詞唱4小節，3句正好是12小節，這種形式被稱為「12小節藍調」（twelve-bar blues）。12小節一段顯然繼承了西非音樂12拍為一個單位的傳統。藍調採用主和弦、屬和弦和下屬和弦伴奏，其和聲進行的一般規律是第一句用主和弦，第二句前兩小節用下屬和弦，後兩小節用主和弦，第三句前兩小節用屬和弦，後兩小節用主和弦。和弦進行是進行即興演唱和演奏的基礎，歌手們能夠根據這一簡單的和聲進行，即興編唱出無數優美動聽的曲調，也正因為用這個有12小節的和聲進行為基礎，歌唱家和器樂演奏家才能配合默契，即興地進行創造。
藍調鄉村藍調演唱者多為男性，城市藍調的演唱者則多為女性，藍調的演唱家和演奏家經常和爵士音樂家合作，他們之間的關系密切。因為藍調和爵士都是黑人創造的音樂，節奏復雜多變，旋律都用藍調音，還都強調即興演唱和演奏。
談到爵士樂就不能不提到拉格泰姆（Ragtime）音樂，在英文中「拉格」一字的意思是用切分節奏來演奏一個旋律。拉格泰姆出現在19世紀末，是當時的作曲家們創作的一種鋼琴獨奏曲，雖然它採用歐洲古典音樂的和聲，但受黑人音樂的影響，充滿切分節奏。
在美國內戰結束後，黑人音樂家們可以得到或用比較便宜價錢買到內戰時期軍樂隊所用的樂器，新奧爾良的黑人音樂家便開始用他們自己方式演奏這些樂器。他們不僅在舉行慶祝遊行時和音樂會上演奏，也為葬禮演奏。葬禮結束後在從墓地回城市的路上，他們常用拉格泰姆音樂中切分節奏演奏流行歌曲，並自由地進行加花和炫耀自己的演奏技巧。黑人的管樂隊逐漸從室外的儀式性樂隊演變為以伴舞和娛人為主的室內樂隊後，音樂家們用格泰姆音樂加切分節奏的辦法來演奏歐洲的進行曲、舞曲，甚至歌劇選曲，並加上即興演奏的段落。就這樣，新奧爾良的黑人音樂家們便逐漸創造一種新的演奏方式-爵士樂。
「爵士」誕生在20世紀初，最早寫作「jass」、「jasz」 或「jazz」，後來才統一寫為「jazz」。至於這種音樂為什麼叫「爵士」也有不同的說法，但大多數研究家都認為這一稱呼和新奧爾良地處斯道瑞維爾 （Storyville） 的紅燈區有關，因為許多黑人音樂家最初就是在那一帶的妓院和賭場里演奏的。（Ferris 1991：233）有人認為「jazz」一字源於「jasmine」（茉莉花），因為斯道瑞維爾的青樓女子多用茉莉花味的香水；也有人認為「jazz」源於「jezebel」 （無恥的放盪女人），在19世紀末，這個單詞在美國差不多就是妓女的代稱。
最早的爵士樂隊包括黑管、短號、長號、鼓等樂器，由3到8個演奏員組成一個樂隊，後來小號取代了短號，又加上了薩克管、吉他和倍大提琴等樂器，才形成了比較完整的爵士樂隊。
爵士音樂家們在選定一首樂曲後，決定為它配什麼樣的和聲和如何重復後，便開始即興演奏。他們當時所選的樂曲，可能是拉格泰姆、藍調、進行曲或流行歌曲。在即興演奏時，一般由短號演奏旋律，黑管環繞主要旋律演奏對位旋律，長號演奏和聲基礎，而鼓打出各種節奏。每件樂器除伴奏之外，一般也要即興地演奏一段。所以，與其說爵士樂是一種獨特的音樂，不如說它是一種以即興獨奏和集體合奏相結合的獨特演奏方式。這種方式之所以能夠被音樂家實踐，是因為它吸取了歐洲音樂中的精華-和聲，在和聲背景的制約下進行即興演奏，使集體的合奏和個人的發揮都有了依據。這種方式又之所以為全世界的廣大聽眾所歡迎和熱愛，也在於它的原則和西方古典音樂不同，更能體現近現代人對生活的看法和現代人精神方面的要求。
1920年代，許多傑出的爵士樂演奏家從新奧爾良搬到了芝加哥，這樣芝加哥便取代新奧爾良，成為爵士樂的中心。芝加哥的白人音樂家也喜歡爵士樂，便把一些流行的和古典音樂的曲調改編為爵士樂，但白人音樂家並不即興演奏。這種根據事先寫出總譜演奏的爵士樂被成為「甜爵士」（sweet jazz）。1924年，為了在卡耐基音樂廳演出，「甜爵士」的倡導者包羅。惠特曼（Paul Whiteman）請作曲家格什溫（George Gershwin）按爵士樂的風格為交響樂隊寫了一首《藍色狂想曲》（Rhapsody in Blue），這首樂曲演出後受到公眾的熱烈歡迎，被稱成為「交響爵士」 （symphonic jazz）。由於「甜爵士」和「交響爵士」都不是即興演奏而是按譜演奏的，當時許多評論家都不認為它們是「爵士樂」。
美國黑人音樂的影響
爵士樂導致了「甜爵士」和「交響爵士」產生，但美國黑人音樂的影響遠不止於此。有評論家認為爵士樂是美國人對世界文明三個最重要的貢獻之一，我十分贊賞這個看法。因為包括爵士樂在內的美國黑人音樂，在20世紀初為世界音樂史揭開了新的一頁。
從文藝復興時代開始逐漸發展起來的歐洲古典音樂，在19世紀末發展到它的顛峰時代。從民族音樂學的觀點來分析它，不難發現它有如下特性：
1）在音樂家內部有細致分工，一般是作曲家負責創作，寫出樂譜，演奏家和歌唱家負責表演，按照樂譜唱、奏，很少有即興表演。表演藝術家所應當表達的應當是作曲家彼時彼地的感情，而不應當是他們自己此時此地的感情。
2）這種音樂一般是在音樂廳中表演的，聽眾的職責是安靜地坐在那裡用耳朵聽，一般不允許聽眾參與表演，在音樂的進行中聽眾必須洗耳恭聽，不允許發出任何聲音。
3）這種音樂雖然是反映生活的，但卻不在日常生活中演奏，一般也不和勞動、儀式、游戲、戀愛等活動結合。同時，古典音樂有很高的技術性，不經過長期的專門學習和訓練，無法掌握它；不經過長期的熏陶，也無法理解它。
如果把這種音樂文化和世界上其他音樂文化，如印度、中國、非洲、中東音樂文化加以比較，不難發現其他音樂文化都看重即興演奏，都允許聽眾有某種程度的參與，都和日常生活本身密切結合，都有各種不同的實用功能，它們之間有更多的共性，西洋古典音樂和它們相比就顯得非常特殊。歐洲的古典音樂文化的確是人類歷史上一種傑出的，但也是比較特殊的音樂文化。
按照安德魯-克拉克的看法，歐洲古典音樂文化在20世紀已經成為「無源之水、無土之木」，「到20世紀20年代古典音樂創造性的一面開始沿著現代化的死胡同消失殆盡」，「只有那些最熱忱的愛好者還堅持著」。
美國是全世界經濟文化最發達的國家，早期移民主要來自歐洲，教授歐洲古典音樂是美國的大、中、小學校音樂教學的主要任務。然而根據2000年統計的材料看，美國只有10%到15%的人和歐洲古典音樂有所接觸，在這些人中也只有一半對古典音樂真有興趣，其他一半人只是偶爾聽聽罷了。也就是說，這個國家只有5%到7%的人對歐洲古典音樂感興趣，而在這些人中間，聽收音機的人最多，聽唱片的次之，而去音樂會的最少。事實證明克拉克的看法很對，大眾已不再對古典音樂感興趣。
而美國黑人音樂卻遵循完全不同的原則創作音樂，它以即興演奏為主，演奏家和演唱家也就是作曲家，他們在表演時，傾訴自己的、而非他人的感情；表演可在各種場合進行，提倡人們參與，修養不那麼高的聽眾也不會被拒之門外，除聽覺效果外，也強調表演的視覺效果；因為他們希望音樂盡量地貼近生活，最好能和和生活融為一體。所以他們的表演符合大眾的需求，非常受歡迎。
上述美國黑人音樂的原則，因為和歐洲古典音樂如此不同，所以能在古典音樂逐漸成為文化恐龍的過程中，為全世界指出了一個新的發展方向，許多不同民族的人都朝著這個方向努力，開辟了一個多元文化和方興未艾的休閑文化的新時代。這是美國黑人音樂對世界音樂文化的影響所在，也是美國黑人對世界音樂歷史做出的巨大貢獻。