電影演員的語言藝術

A. 電影語言包括哪些元素

電影的語言
一、表達的方式：視覺、聽覺
二、訴諸的對象——感觀——感性——直覺——沉澱的經驗
三、電影語言的特徵：
1、 多維度、單向度
2、 極富現實感的語言
3、電影語言具有多義性、隱秘性和遍在性
4 、強大的感染力
5、開放性和深廣性——活躍的，具有生命力和生長性的
四、電影語言的構成
1、畫面
2、聲音：
台詞（對白、旁白、獨白）
聲響動效 （動作音響、自然音響、背景音響、機械音響、槍炮音響、特殊音響）
C剪輯：
畫面和畫面
畫面和聲音

B. 影視藝術最獨特的藝術語言就是蒙太奇對嗎

談到鏡頭組接，往往需聯繫到電影的蒙太奇藝術手法。在電視教材編制中，我們恰當運用這一藝術手法將能增強教材的表現力。

一、蒙太奇的含義

蒙太奇是法語Montage的譯音。它原是建築學中的一個名詞，意思是把各種個別的不同的材料，根據一個總的設計，把它們處理、安裝，最後構成一個整體。這個名詞後來被借用到電影藝術中來，成為電影藝術的一個術語。

蒙太奇這一術語的含義，世界上還沒有一個統一的公認的定義。

我國《現代漢語詞典》中解釋為：「蒙太奇為電影用語，有剪輯和組合的意思。它是電影重要表現方法之一。為表現影片的主題思想，把許多鏡頭組織起來，使構成一部前後連貫，首尾完整的電影」。

大英網路全書解釋為：「蒙太奇指的是通過傳達作品意圖的最佳方式對整片進行的剪輯，剪接以及把曝光的影片組接起來的工作」。

法國電影理論家馬賽爾·馬爾丹在《電影語言》一書中寫道：「蒙太奇是電影語言最獨特的基礎。……蒙太奇意味著將一部影片。的各種鏡頭在某種順序和延續時間的條件中組織起來」。

我國電影理論家夏衍說：「所謂蒙太奇，就是依照著情節的發展和觀眾注意力和關心的程序，把一個個鏡頭合乎邏輯地，有節奏地連接起來，使觀眾得到一個明確、生動的印象或感覺，從而使他們正確地了解一件事情的發展的一種技巧。」

從以上各家之言來看，盡管眾說紛紜，但基本論點沒太大出入，對蒙太奇含義的理解和解釋基本上是一致的。蒙太奇實際上就如同用鏡頭在銀幕上寫文章。文章中有章節、段落、句子、單詞等。同樣，電影的蒙太奇就是用攝影機攝下來的單個鏡頭組成句子，並把它一個個按照邏輯順序連接成段落和章節。

二、蒙太奇的依據

科學原理來自對自然界事物運動狀態和規律的認識與總結，文藝創作的源泉主要來自人類的社會實踐和生活，來自創作者對生活的觀察、認識，概括和提煉。蒙太奇手段的創造與運用也仍是來源於人類的生活與經驗。

在日常生活中，我們觀察事物往往都是從整體到局部，或從局部到整體：選擇若干個有代表性的觀察點，從而得到對事物的整體認識。比如，有些國內外的朋友第一次到廣州來，我希望他在短時間內對廣州有一個全面的了解。怎麼辦呢?我經常是這樣做的：首先請他們到樓層最高的酒店旋轉餐廳看看整個廣州的市容，這相當於一個360度搖的鏡頭，從遠景畫面獲得全貌的整體認識。然後，坐上車經過幾條有代表性的街道，相當推與橫移的鏡頭，獲得市容全景和中景的畫面印象。最後，走進幾間有代表性的賓館，商店、工廠或學校實地參觀，從而獲得近景、特寫的畫面印象。將系列印象加起來，對廣州全貌的認識就比較完整了。我這樣安排朋友的觀察，首先也是取決於我對廣州的了解與認識。

蘇聯著名電影和理論家普多夫金曾經舉過這樣一個例子來說明蒙太奇的依據。他說：「讓我們舉一個從街上走過來的示威遊行隊伍作例子。我們試想一下一個觀察者怎樣來看這個示威遊行隊伍。為了要得到一個清楚明確的印象，他一定要採取某些行動。首先，他一定要爬上房頂，這樣就可以俯瞰遊行隊伍的全貌，並估量遊行的人數；然後，他就要下來，從第一層樓的窗口向外看遊行者舉起的旗幟上的口號；最後，為了要看清楚參加遊行者的面貌，他還得跑到遊行隊伍中去。」

「這個觀察者變換它的視點已經有三次了，他之所以時而從近處看，時而又跑到遠處望望，就是要從他所觀察的現象得到一幅盡可能完整而無遺漏的畫面。美國人首先探索了如何設法用攝像機來代替這種活動的觀察者，就在這個時侯，電影中初步出現了特寫、中景和遠景的概念。」

上述例證，清楚地說明了蒙太奇的依據就象人觀察事物現象一樣，選取不同的視點，以求得細致、完整的印象。

在觀察事物現象時，不可避免地有自己的主觀選擇。各人都有各自不同的觀察視點和角度，通過蒙太奇手段把它表現出來。

三、蒙太奇的作用
(一)蒙太奇的構成作用

若干個鏡頭，經過組接以後，能表達一個完整的意思，並產生了比每個鏡頭單獨存在時更豐富的意義。這就是蒙太奇的構成作用。

蘇聯電影藝術家庫里肖夫，在創立蒙太奇理論方面有許多建樹。他在1920年作了一次很有意義的實驗，他把以下五個鏡頭按次序連接起來放映：

(1)一個青年男子從左到右走過去；

(2)一個女青年從右到左走過去；

(3)他們相遇，握手，男青年揮手指向他的前方；

(4)一幢有寬闊台階的白色建築物；

(5)兩雙腳走上台階。

這五個鏡頭給觀眾的印象是一場完整的戲，大家都認為男青年帶著他的女友，走向那座白色大廈其實，(1)、(2)、(3)、(5)四個鏡頭是在相距很遠的地方，在不同的日子裡而且並不按照次序拍攝的，而第(4)個鏡頭則是從電影資料里剪下來的，是美國華盛頓的白宮。

這個實驗證明，兩個以上的對列鏡頭連接在一起，能產生新的意義。可以按照自己的意圖，通過鏡頭的組接，形成能為觀眾接受、理解的電影語言。由於這是由庫里肖夫首先作試驗加以證明的，人們便把這種效應稱為庫里肖夫效應。

蘇聯電影普多夫金在上述實驗基礎上又做了一個成功的蒙太奇試驗。普多夫金准備了三個鏡頭：

(1)某人在哈哈大笑(近景)；

(2)還是這個人驚慌失措(近景)；

(3)一個人手持手槍指著(近景)。

普多夫金把上面鏡頭按下列順序連接：

(1)哈哈大笑

(2)手槍指著

(3)驚慌失措

放映後給觀眾造成印象是此人膽小，怯懦。

同樣是這三個鏡頭，但按如下順序連接：

(1)驚慌失措

(2)手槍指著

(3)哈哈大笑放映後給觀眾造成的印象是此人膽大、勇敢。這個試驗再次證明了庫里肖夫效應，並成為學校講授蒙太奇的經典範例。

上述兩個試驗的例子，都充分說明蒙太奇的構成作用。再看一個簡單例子，下面有這樣三個鏡頭：

(1)鮮花

(2)玩具

(3)嬰兒熟睡的臉

當上面三個鏡頭單獨存在的時侯，它只能說明個別的作用，鮮花就是鮮花，玩具就是玩具，嬰兒熟睡的臉也只能是嬰兒熟睡的臉。也就是說，當他們分散存在的時侯，它們是互不相關的。但是，如果把這三個分散的鏡頭按上述次序連接在一起，就會產生新的含義，構成了一個比較完整的藝術形象，表現了孩子童年的幸福。它所以能傳達出這種新的意念和信息，主要是把三個分散的鏡頭結構在一起，產生了組合之後所發生的質的飛躍作用。這種作用就比原來三個鏡頭單獨存在時的個別作用豐富了，提高了，有了新的思想內涵。三個分散的鏡頭經過蒙太奇合成後構成了可提供藝術聯想的藝術形象。

但是，並不是隨便把兩個以上的鏡頭連接在一起就可以產生襞太奇構成的聯想作用。例如：

(1)一張熟睡的嬰兒的臉

(2)一節電池

(3)一支香煙

要是把這三個鏡頭連接起來，不僅不能產生新的含義，反而會把觀眾弄糊塗。因為這是三個在生活邏輯上沒有必然聯系，是人們的經驗無法聯想的鏡頭連接，所以它無法表達新的內容和涵義，更不能發揮蒙太奇的構成作用。

這說明了蒙太奇的構成，必須經過的選擇，選擇那些最本質的富有藝術表現力的東西，並把它們連接在一起。否則，是不會獲得蒙太奇構成的效果的。

(二)創造時空作用

我們在現實生活中，必須服從實在的時間和實在的空間法則。例如，當我們要從教室里走到校外去，必然先要走出教室，經過走廊，走下樓梯，穿過門廳，走出大樓門，經過操場，然後才走出校門。這是現實的時間和空間法則所決定的。又如演員從舞台的這一角走向舞台的另一角，他的運動時間和空間過程也是一步不能缺少的，否則他就到不了舞台的另一端。

所處理的素材是攝錄在膠片、磁帶上的實在過程的片斷。他可以根據自己藝術構思的需要，刪掉一些不必要的中間過程，重新組合屏幕時間和空間。例如前面提到的學生從教室走到校外去，就可以先用一個鏡頭表現學生走出教室，下一個鏡頭表現他穿過操場走出校門，只需兩個鏡頭就把這一過程完成了。至於經過走廊，樓梯、門廳的時間和空間過程都被刪掉了。但觀眾不會提出這走在弄虛作假、偷1減料不給他看全過程，或者看不明白。那些被刪掉的實在的時間與空間過程則由觀眾的聯想補充了。如果將全過程都如實反映出來，反而使觀眾感到厭煩。因此經過蒙太奇手法的剪輯後，出現在電影、電視上的時間與空間已不是實在的了。也就是說，蒙太奇是有創造電影、電視時間與空間的作用。

電影、電視中的假定性的時間和空間，既有時間與空間的壓縮，也有時間與空間的延伸。前面提到的由教室直接走出校門，刪掉了中間的過程，即是對時間與空間的壓縮。

至於時間和空間的延伸，如電影故事和的一些重要情節，往往會比實際時間加長，也比原來空間擴大。在電視教材中，為了要看清一種快速的現象，如自由落體運動，100米跑的姿勢時，往往採用快速拍攝和慢動作放映的方式去延伸時間；也可以採用反復播放同一鏡頭的方式去延伸時間。在空間延伸方面則更常被使用。如學生在實驗室中做某一實驗，也許這實驗的過程是在幾個甚至十幾個實驗室中拍攝下來的，最後被組接在一組鏡頭里，我們仍看到是在一個整體的、被延伸了的實驗室空間里。

這樣便在銀幕上熒屏上構成了一種與我們周圍現實世界不同的所謂影視時間和影視空間。

(三)聲音和畫面結合作用

蒙太奇能使聲音與畫面有機結合，互相作用構成特殊的聲畫結合的形象，產生新的涵義，從而更深刻、更生動地揭示與刻劃人物的內心活動。

聲畫的結合形式是多種多樣的。其主要形式有：

1、聲畫同步配合，如炮彈爆炸同時出現爆炸聲，實感。加強了真

2、聲畫分立，畫面內無聲源，傳來聲音與畫面形成分立，製造出一種聯想的情景。

3、聲畫對比，畫面上出現乞丐在路上討飯，而聲音卻是酒樓猜拳行令的聲音，聲音與畫面形成強烈的對比。

從上可見，蒙太奇在影視創作以至借鑒用於電視教材編制，它的作用是相當大的，但我們必須適當運用才能起好這種作用。

C. 怎樣欣賞電影台詞藝術

對於電影台詞的探究，我想從人們普遍熟知的入手可能會好一些，挑選幾部經典的老電影，可以以問卷的形式進行調查，看看當對人們提起這些電影時，人們首先會想起的是什麼，再作進一步的研究與分析，主導課程...語文嘍，非主導...政治美術音樂，我想都應該算上

D. 電影為什麼要用配音而不用原聲

配音是一門語言藝術，是配音演員們用自己的聲音和語言在銀幕後、話筒前進行塑造和完善各種活生生的、性格色彩鮮明的人物形象的一項創造性工作。

配音雖也屬話筒前的語言藝術范疇，但它不同於演播，挖掘書面含義後，可以自己根據理解去設計語調、節奏；亦不同於新聞、科教片的解說，可以根據畫面平敘直述、娓娓道來。影視配音要求配音演員絕對忠實於原片，在原片演員已經創作完成的人物形象基礎上，為人物進行語言上的再創造。它使配音演員受到原片人物形象、年齡、性格、社會地位、生活遭遇、嗓音條件等諸多因素的限制，不允許演員超越原片自由發揮，另立形象。同時又要求配音演員根據片中人物所提供的所有特徵，去深刻地理解、體驗人物感情，然後調動演員本身的聲音、語言的可塑性和創造性去貼近所配人物，使經過配音的片中人物變得更豐滿、更富有立體感。

語言藝術是表演藝術中重要的，不可分割的一部分，在用語言塑造人物時處處都需有堅實的表演基本功底做基礎。下面從兩個方面談談演員在經過嚴格的表演及語言基本功訓練後，如何較快、較熟練地掌握配音藝術中體驗——體現的過程。

近年來，隨著我國經濟上的改革開放，促進了我國與世界各國文化上的廣泛交流，電影、電視已成了世界文化的傳播媒介，國外譯製片也成了中國觀眾了解世界的一個重要窗口。應運而生的一支支為國內外影視配音的演員隊伍在錄音棚，話筒前不斷地發展壯大。但是僅僅把配音工作視為對上口型，使觀眾聽懂片中人物的對話，是不夠的，是遠不能滿足廣大觀眾對影視藝術完整性的要求的。隨著國民整體文化素質和欣賞力的提高，觀眾們要求劇中人物在把話說清楚的同時，要把語言進行加工、提高，使之達到典型化、性格化，增加可信度，從而得到藝術享受。

E. 許多人或許沒有見過這兩位在語言藝術上頗有造詣的電影配音演員,當一起起他們

A （ B 「胸無城府」為褒義詞； C 「獨占鰲頭」指第一名，此處不合語境； D 「相濡以沫」喻在困境中相互救助。）

F. 什麼是一個演員的台詞功力

劇中人物的語言（台詞）是劇本嚴格規定好的，演員要把劇作者用文字寫出的無聲語言變成有聲有色、生動活潑的語言具體、形象地表達出來。雖然我們都會說話，但要說好台詞不是輕易可以做到的。

演員台詞說不好，其問題多種多樣，就尋常可見的毛病大體有這樣一些：1.語言規范不好，字音不正，發音不準；2.用氣不好，吐字不清，或有聲無字，或有字無聲，傳之不遠，含混不明；3.聲音不亮，音色不美，晦澀干癟；4.語言呆板，平淡寡味，語言無輕重，語調無高低，節奏無急緩，念句無頓挫；5.台詞斷斷續續，不能一貫到底，該停的不停，該頓的不頓；6.機械地背誦台詞，一切都固定在「舌尖的肌肉」之上，語言沒有動作性，沒有內在思想感情的基礎，不是在與對方交流中產生的活潑反應，只是抓住對方台詞尾白作為應對的機械信號；7.語言本色缺乏性格化的鮮明色彩；8.沒有潛台詞，傳達不出台詞微妙的、內含的、潛在的真正含意；9.台詞和動作不能有機地結合為一體，說話時不會動作，動作中不會說話。演員說好台詞，先決條件是練好語言的基本功。語言的基本功包括正音、吐字與發音、用氣、練聲幾個方面。正音是演員念好台詞的第一步工作，語言不規范常見的是z、c、s與zh、ch、sh不分，如春與村、三與山、常與藏、磚與鑽等字，以及十四念成「時事」，四十念成「事實」，商業念成「桑葉」等。

吐字與發音，就是面對千百觀眾講話，要講得清楚、講得明白，讓人聽得懂、聽得真，就需要熟悉字音，准確掌握字音的發聲部位。

字音發聲出自口腔，又有它一定的發音部位，即所謂「五音」、「四呼」，喉、舌、齒、牙、唇，謂之「五音」，開、齊、攝、合，謂之「四呼」。

演員的用氣，要做到「吐字歸音」、「字正腔圓」、「噴口有力」。聲音與氣息的控制和動作是分不開的，氣是聲音的動力，聲音發出時必須有氣息的支持，所謂「氣由聲也，聲由氣也」，就是這個道理。

語言作為塑造人物形象、刻畫人物性格的重要手段，必須做到性格化。語言的性格化有兩個方面，一是台詞的內容，也就是人物所說的話，要符合人物的性格，體現出人物的個性特徵，這個任務就是劇作者在劇本中已經完成的。當然，不少劇作者沒能完成這個任務，劇中人物的語言寫得一般化、概念化，平淡無奇，枯燥乏味，毫無個性特徵而言，這又另當別論。二是人物語言性格化的體現，要靠演員來完成。表演不能「千人一面」，語言也不能「千人一聲」，要做到「語言肖似」、「宛如其人」、「說一人像一人，不使雷同，或使浮泛」。不同身份、不同性格的人都有其說話的獨特方式，老年人與中年人不同，中年人與年輕人不同，性情粗暴的人與性情溫和的人不同，工人與農民不同，文化程度高的人與文化程度低的人不同，輕浮的人與深沉的人不同，幽默的人與憂郁的人不同，坦率開朗的人與陰險狡詐的人不同……形形色色，不一而足。這些千差萬別的不同，具體地體現在聲音、音色、說話時的習慣、語氣、語調等方面。所以，表演中語言性格化的手段有「聲音的化妝」、探尋具有鮮明性格特徵的說話習慣、掌握符合人物性格的語氣和語調等等。因此，演員的語言藝術要通過細致地觀察生活，深入理解人物的思想性格，並與演員表演有機地結合起來，才能出神入化。

G. 什麼是電影藝術的語言

它的語言或者說它的表現元素又是什麼呢？
觀點①：「畫面、音響、表演、和蒙太奇方法」——
觀點②：「畫面、音響、色彩……」——
觀點③：「影像、聲音、剪輯。」——波布克（《電影的元素》）。
我同意波布克的觀點。即「影像、聲音、剪輯」。
影像、聲音、剪輯三者之間的關系：電影是視、聽結合的藝術，它首先是「視」，即「影像」，然後是「聽」，即「聲音」，而這些「視」、「聽」（影像、聲音），最後需要通過剪輯才能構成一部完整的電影。
影像：除了演員的表演、物體的造型之外，影像構成的主要元素有：構圖、景別、角度、運動、照明、色彩。
聲音：語言、音響、音樂。
剪輯：影像剪輯、聲音剪輯。影像剪輯是剪輯中的主要內容。影像剪輯主要包括：光學技巧轉場剪輯、無技巧轉場剪輯。剪輯除了將影像、聲音的素材組織成一部電影之外，剪輯還能創造出「1＋1＝3」的「蒙太奇效果」。

H. 電影的藝術語言都有哪些

常用電影語言簡介
拉鏡頭
將攝影機放在移動車上，對著人物或景物向後拉遠所攝取的畫面。攝影機逐漸遠離被攝主體，畫面就從一個局部逐漸擴展，使觀眾視點後移，看到局部和整體之間的聯系。
空鏡頭
空鏡頭 又稱「景物鏡頭」。指影片中作自然景物或場面描寫而不出現人物（主要指與劇情有關的人物）的鏡頭。常用以介紹環境背景、交代時間空間、抒發人物情緒、推進故事情節、表達作者態度，具有說明、暗示、象徵、隱喻等功能，在影片中能夠產生借物喻情、見景生情、情景交融、渲染意境、烘托氣氛、引起聯想等藝術效果，在銀幕的時空轉換和調節影片節奏方面也有獨特作用。空鏡頭有寫景與寫物之分，前者通稱風景鏡頭，往往用全景或遠景表現；後者又稱「細節描寫」，一般採用近景或特寫。空鏡頭的運用，已不只是單純描寫景物，而成為影片創作者將抒情手法與敘事手法相結合，加強影片藝術表現力的重要手段。
跟鏡頭
又稱「跟拍」。攝影機跟隨運動著的 被攝對象拍攝的畫面。跟鏡頭可連續而詳盡地表現角色在行動中的動作和表情，既能突出運動中的主體，又能交代動體的運動方向、速度、體態及其與環境的關系，使動體的運動保持連貫，有利於展示人物在動態中的精神面貌。
合成鏡頭
一般指採用「合成攝影」方法拍攝的鏡頭畫面。有時也指電影鏡頭的聲畫合成。在影片拍攝過程中，畫面與聲音是分別記錄在兩條載體上的，直到印製影片拷貝時，才將畫面與聲帶合印在一條膠片上。因此，聲畫俱備的鏡頭，也稱「合成鏡頭」。
聲畫對列
使聲音與畫面作非同步結合的剪輯手法之一。即以畫外的聲音推動畫面情節的發展，或刻畫人物的內心世界，達到聲音為畫面內容服務的目的。將聲音處理或向前或向後位移，即下一個鏡頭的聲音首部，超前進入上一個鏡頭的畫面尾部，或者上一個鏡頭的聲音尾部，滯後延至下一個鏡頭的畫面首部，以構成上下鏡頭轉換的自然流暢，或引出某種戲劇效果，也屬聲畫對列手法。
聲畫同步
影片中的對白和聲響與畫面動作相一致。即影片的聲帶與畫面嚴格配合，使聲音（包括配音）和畫面形象保持同步進行的自然關系，畫面中的視像和它所發出的聲音同時呈現並同時消失，兩者吻合一致。反之則為聲畫不同步。聲畫同步的作用，主要在於加強畫面的真實感，提高視覺形象的感染力。
同期錄音
也稱「現場錄音」。在拍攝電影畫面的同時進行錄音的攝制方式。一般使用磁帶片收錄。同期錄音要求攝影棚裝備良好的隔音設備，並在攝影機、錄音機上加裝避音裝置。同期錄音也用於外景拍攝現場，所錄音響供演員配音時參考，以提高影片對白的質量 。
先期錄音
也稱「前期錄音」。影片製作中先錄 音後拍攝畫面的一種攝制方式。多用 於有大量唱詞和音樂的戲曲片和音樂歌 舞片，即在影片畫面拍攝前，先將影 片中的唱詞和樂曲錄製成聲帶，然後 由演員在拍攝相應畫面時，合著聲帶 還音進行表演。
球幕電影
又稱「圓穹電影」或「穹幕電影」。 20世紀70年代出現的一種大銀幕電影 。拍攝及放映均採用超廣角魚眼鏡頭 ，觀眾廳為圓頂式結構，銀幕呈半球形，觀眾被包圍其中，視銀幕如同蒼穹。由於銀幕影像大而清晰，自觀眾面前延至身後，且伴有立體聲環音，使觀眾如置身其間，臨場效果十分強烈。
環形電影
又稱「環幕電影」。一種在圍繞影院圓形內壁、呈360的環形銀幕上放映的電影。由多台攝影機同步攝制，多台放映機同步放映，有三台、五台、九台、十一台等多種。環形電影院的放映機裝置在環形銀幕上方的放映室中，觀眾站立於觀眾廳中央，可隨意四面觀看。由於視野開闊，具有 多聲道立體聲效果，能使觀眾產生身臨其境的感覺。但由於設備復雜，放映時間不宜過長，一般僅半小時左右。環形電影院不能兼放普通影片，故限制較大，難以推廣。
遮幅寬銀幕電影
也稱「假寬銀幕電影」。一種非變形寬銀幕電影。使用35毫米膠片，拍攝和放映時，在攝影機和放映機片窗前加裝格框，遮去畫幅的上下兩邊，以壓縮畫面高度，但不改變畫面寬度，使畫面高寬比由原來的1:1.33，變成 1:1.66至1:1.85，能得到與寬銀幕電影相同的銀幕效果。攝制這種寬銀幕電影較為簡便，已得到廣泛採用。
左翼電影
1933－1935年，中國左翼文化界總同盟領導下的中共秘密電影小組，在上海開展的左翼電影運動及由此攝制的一批反帝反封建影片。1933年自黃子布（夏衍）與明星影片公司導演程步高合作，攝制第一部左翼電影《狂流》始，明星、聯華、藝華、天一等製片公司在左翼電影工作者幫助、支持下，遵循反帝反封建的製片路線，在同一年裡，相繼攝制了《三個摩登女性》、《都會的早晨》、《城市之夜》、《母性之光》、《上海二十四小時》、《女性的吶喊》、《春蠶》、《豐年》、《小玩意》、《大路》、《姊妹花》、《鐵板紅淚錄》、《掙扎》、《神女》、《鹽潮》、《脂粉市場》、《民族生存》、《中國海的怒潮》、《惡鄰》等三十餘部影片，表現工人、農民、婦女和知識分子的生活和斗爭，為此，1933年被稱為「左翼電影年」。1934－1935年，隨著當局對左翼電影運動壓制的加劇，左翼電影創作面臨更大困難，但黨的秘密電影小組仍通過個人聯系方式，向公司或導演提供劇本，並幫助成立電通影片公司。兩年中，明星、藝華、電通等製片公司先後攝制出《同仇》、《漁光曲》、《女兒經》、《鄉愁》、《船家女》、《劫後桃花》、《黃金時代》、《逃亡》、《生之哀歌》、《人之初》、《桃李劫》、《風雲兒女》、《自由神》、《都市風光》等近三十部優秀影片。1936年，上海各公司在「國防電影」口號下陸續拍攝的抗日愛國題材影片，從廣泛的意義上說，與左翼電影是一脈相承的。
特技美術師
也稱「特技設計」。電影特技鏡頭的設計者和拍攝工作的組織者，與特技攝影師合作完成特技鏡頭的攝制。特技美術師兼有電影造型的藝術修養和掌握電影特技工藝技術的能力，能繪制特技鏡頭的畫面氣氛圖，勝任各種透視合成鏡頭所需的繪畫和模型加工等。在與特技攝影師研究確定具體拍攝方案後，運用相應的特技工藝技術，完成特技鏡頭的拍攝任務。特技美術師提出的特技鏡頭設計方案，須能體現導演的創作意圖，與影片總體造型融為一體，並充分考慮到逼真、安全、經濟、省時等要求。
特技攝影師
電影特技鏡頭的主要創作人員之一。 與特技美術師合作，研究確定設計方案，運用相應的特技工藝技術，以普通的或特殊的攝影設備，完成特技鏡頭的攝制，以體現導演的創作意圖。
替身
替身 又稱「替身演員」。代替影片中原演員表演某些特殊的、高難度的動作和技能，或原演員所不能勝任的驚險動作的特殊演員。一般選聘具有影片所需要的特殊技能的人員擔任，代替某一演員完成規定的動作。
性格演員
能夠塑造多種人物形象的演員。這類演員具有很強的可塑性，戲路較寬，擅長通過獨特的表演進行銀幕形象的再創造，塑造出的角色不同於演員自己，不同於自己扮演過的其他人物形象，也不同於其他演員扮演過的同一人物形象，同時每一個形象都具有不同的性格。
音畫對位
影片音畫關系的一種。包括兩種藝術處理：(1)音畫對比。音樂與畫面的內容和情緒一致，只存在量的差別。例如在中國故事片《紅色娘子軍》中，有一組表現戰士們充滿青春活力、節奏快速的生活畫面，而音樂是氣勢悠長、從容不迫的《五指山上紅旗飄》。這樣的對比，產生了加強畫 面結構的作用。(2)音畫對立。音樂的形象和情緒完全相反。例如在故事片《祝福》中，善良的祥林嫂被逼成親時撞頭尋死。興奮歡快的結婚音樂，和祥林嫂頭破血流、痛不欲生的畫面形成尖銳的對立，深刻地表現了舊時代的悲劇性。音畫對位有時也能預示劇情的發展。例如在故事片《天雲山傳奇》中，當宋薇和吳遙結婚時，表現宋薇沉重痛苦心情的音樂與喜慶場面相對立，預示著她婚後的不幸。
音畫平行
也稱「音畫並行」。影片音畫關系的一種。指影片中音樂與畫面所表現的思想感情、人物性格、藝術風格和戲劇性矛盾沖突相互貼近，但速度節奏並不同步。其基本特點是音樂重復或加強畫面的意境、傾向或含義。說明性音樂、渲染性音樂都屬於音畫平行的音樂。
音畫同步
影片音畫關系的一種。指音樂與畫面的情緒一致，節奏相同。常用於動畫影片。美國美術電影導演沃爾特·狄斯尼（Walt Disney,1901－1966）在他所導演的「米老鼠」影片中充分運用音畫同步的藝術處理。因而音畫同步的音樂，也稱「米老鼠音樂」。也常用於歌劇片、舞劇片、戲曲片或喜劇樣式、驚險樣式的故事片中。有時還會形成畫面、音樂與音響效果三同步。例如中國影片《孫中山》中，北伐軍出城跑步出征，先是畫面與腳步音響同步出現，然後音樂也同步出現 ，腳步聲與音樂的低音聲部相結合，加強了音樂的低音，顯得更加雄壯和緊張。
音樂片
以音樂生活為題材或音樂在其中佔有很大比重的影片。一般以音樂家、歌唱家和樂師的事跡為描寫對象。音樂片中的音樂作為主要劇情的有機組成部分，直接由影片中的人物表現出來，絕大部分都是非闡釋性的。電影史上最早的音樂片是美國華納影片公司1927年攝制的《爵士歌王》。中國影片《海上生明月》也屬音樂片。
攝影棚
電影製片廠用以拍攝影片的建築物。具有較大的面積與空間，供在其中搭置布景，布置各種照明設備，按場景進行影片拍攝，即一般所說的「內景攝影」。棚內除有供電、懸掛、起重、消防、通風等設施外，還須隔絕外界雜訊，並具有適宜的音響條件，以適應現場錄音並保證錄音質量。為適應季節性的需要，還可安裝冷暖空調設備。攝影棚大都為長方形，可有大、中、小不同面積，以800－1000平方米為宜。 一般採取組棚形式，即由二至三座聯結在一起，周圍構築供攝制組及其他相關部門需用的附屬房屋， 從而構成攝影棚建築群體。
攝影師
攝制組的主要創作成員之一。負責運用攝影器材和造型手段，將電影場面藝術地記錄於膠片，完成體現導演創作設計的銀幕造型任務。在攝制組中，一般由攝影、照明人員組成攝影小組，攝影師作為攝影創作和技術處理的負責人，領導攝影小組工作。某些攝制組設總攝影師，攝影師則在其領導下，作為執行攝影，負責具體創作和技術工作。按照片種的不同，分為故事片攝影師、科教片攝影師、新聞紀錄片攝影師、美術片攝影師等。此外，還有從事特技攝影、特殊攝影（如顯微攝影、水下攝影、空中攝影等 ）、字幕攝影等專業攝影師。
閃回
影片中表現人物內心活動的一種手法。即突然以短暫的畫面插入某一場景，用以表現人物此時此刻的心理狀態和感情起伏。與一般回憶及倒敘不同，閃回不需要中斷原來場景中的動作和節奏，而擷取最富於特徵、最具有鮮明形象性的動作或細節，用極其簡潔明快的手法加以強調和表現，給觀 眾以清晰而深刻的印象。「閃回」的內容一般為過去和已經發生的事情，如表現人物對未來或即將發生的事情的想像和預感則稱為「前閃」，兩者統稱為「閃念」。
西部片
以開拓時期的美國西部為故事背景的影片。美國早期電影盛行的影片樣式。多描寫19世紀白人向西部拓展疆土，掠奪和屠殺印第安人以及當時各種勢力之的斗爭，頌揚拓荒精神。20年代的西部片故事情節單調，宣揚善惡因果報應，常見的內容為美人遇難，英雄相救，大打出手，有情人終成眷屬等。影片主人公都是於正義感的戴寬沿帽，穿花襯衫牛仔褲，腰插雙槍的牛仔。第一次世界大戰後， 由詹姆士·克魯茲（James Cruze, 1884－1942）導演的《篷車》和約翰·福特（John Ford,1895－1973 ）導演的《關山飛渡》等影片問世，把西部片的思想內容和藝術特色提高到新的水平。但多數西部片仍是迎合觀眾口味的粗糙之作。後來義大利也攝制一種類似的西部片，因義大利人喜食通心麵條，被稱為面條西部片。
喜劇片
以笑激發觀眾愛憎的影片。常用不同含義的笑聲，鞭笞社會上一切丑惡落後現象，歌頌現實生活中美好進步事物，能使觀眾在輕松愉快的笑聲中接受啟示和教育。多以巧妙的結構，誇張的手法，輕松風趣的情節和幽默詼諧的語言，著重刻畫喜劇性人物的獨特性格。種類較多，常見的有歌頌性喜劇和諷刺性喜劇，如《假鳳虛凰》、《今天我休息》和台灣影片《稻草人》等。
鬧劇片
以荒誕的誇張引人發笑的影片。多以滑稽笑料鋪排劇情，較多描寫市民生活，也有描寫對敵斗爭的，如法國影片《虎口脫險》。
譯製片
又稱「翻譯片」。把原版影片（多為外國影片）的對白或解說，從一種語言譯成另一種語言，重新配音復制的影片。製作時，先將原版影片的對白譯成另一種需要的語言；再由配音演員按照原版片畫面中人物的思想感情，用逼肖的語調、口型，錄成一條對白聲帶；然後與原版片的音樂、音響效果聲帶混錄成為一條完整的譯制聲帶，用以印製供放映用的拷貝。將本國影片從一種民族語言（或方言）譯成另一種民族語言（或方言）的影片，也稱譯製片。
新聞影片
報道國內外政治、經濟、文化、軍事等方面時事動態的影片。以真實與及時為基本特徵。即必須在新聞事件發生的現場采訪拍攝，直接紀錄事件的原貌，而不允許虛構情節，或出現扮演的人物；必須現場拍攝，快速編輯和製作，真正成為形象化的新聞報道 。隨著電視的普及，新聞影片已逐漸為電視新聞所取代。
系列片
指內容具有連續性，多集成部，構成系列的影片。系列影片每集自成起訖，相對獨立，又環環相扣，彼此關聯，首尾呼應，矛盾沖突往往一波未平，一波又起，層層迭進，造成懸念。主要演員或重要角色一般貫串始終，以便給觀眾造成完整連貫的印象。系列影片不論集數多寡，其片名是同 一的，但每集也可另加標題。系列影片可分為系列故事片（如《火燒紅蓮寺》、《紅樓夢》）、系列美術片（ 如《黑貓警長》）和系列科教片（如《昆蟲世界》）。另有一些多集片，每集的故事情節、戲劇沖突與前後集毫無關系，只賴主角貫串全片，這類影片也被稱為系列片，如日本系列影片《寅次郎的故事》，美國系列影片「007」等。
舞劇片
在音樂的烘托配合下，以舞蹈為主要 表現手段塑造人物形象，表達故事情節的影片。多由舞劇改編，突出表現舞蹈藝術的成就。主要角色一般由專業舞蹈演員擔任。如蘇聯舞蹈家烏蘭 諾娃主演的《羅密歐與朱麗葉》。也有以突出舞蹈場面為主的舞劇故事片，如英國的《紅菱艷》。中國的舞劇 片有《寶蓮燈》、《小刀會》、《絲路花雨》等。
舞台藝術紀錄片
或稱「舞台藝術片」。戲曲、音樂、 舞蹈、歌劇、舞劇、話劇、曲藝、雜技等舞台表演藝術紀錄影片的統稱。這種影片常在舞台演出的基礎上，作一定的電影化處理，用以記錄某一劇種、某一流派、某一劇目或某表演藝術家的藝術成就，以滿足更多觀眾的欣賞需要，或作為傳授表演藝術的教材和研究資料。
全景
攝取人物全身或場景全貌的電影畫面。全景具有較為廣闊的空間，可以充分展示人物的整個動作和人物的相互關系。在全景中，人物與環境常常融為一體，能創造出有人有景的生動畫面。全景和特寫相比，視距差別懸殊。如果兩者直接組接，會造成視覺上和情緒上大幅度的跳躍，常能收到特有的藝術效果。
實景
非人工搭制的場景。電影拍攝中，為了追求環境的逼真效果，所直接選用的自然環境或社會環境。一般須作不同程度的加工布置，以符合劇情需要。實景使影片中出現的場面富有生活氣息和時代感，既可節約製片成本，也有利於加快攝制進度。
特寫
拍攝人像的面部、被攝對象的一個局部的鏡頭。為美國早期電影導演格里菲斯（David Wark Griffith,1875－1948）所創用。特寫鏡頭是電影畫面中視距最近的鏡頭，因其取景范圍小 ，畫面內容單一，可使表現對象從周圍環境中突現出來，造成清晰的視覺形象，得到強調的效果。特寫鏡頭能 表現人物細微的情緒變化，揭示人物心靈瞬間的動向，使觀眾在視覺和心理上受到強烈的感染。特寫鏡頭與其他景別鏡頭結合運用能通過鏡頭長短 、遠近、強弱的變化，造成一種特殊的蒙太奇節奏效果。
推鏡頭
將攝影機放在移動車上，對著被攝對象向前推近的拍攝方法以及所攝取的畫面。攝影機向前推進時，被攝主體在畫幅中逐漸變大，將觀眾的注意力引導到所要表現的部位。其作用是突出主體、描寫細節，使所強調的人或物從整個環境中突現出來，以加強其表現力。推鏡頭可以連續展現人物動作的變化過程，逐漸從形體動作推向臉部表情或動作細節，有助於揭示人物的內心活動。
外景
攝影棚以外的場景。包括自然環境、生活環境等實景，以及在攝影棚外搭建的室內景。優點是真實、自然，具有濃厚的生活氣息，有利於表現地方 色彩或民族特色。外景由美術師根據影片情節的需要事先選定，並可按照導演的創作意圖對實景作一定的加工，使之具有典型特徵和時代氣息。

I. 電影鏡頭語言的藝術魅力有什麼種類

是電影鏡頭畫面構圖嗎？
遠景系列：視距遠、范圍大。用來展示視覺寬廣的畫面，渲染影片氣氛。如大漠、原野、雪原、森林或者人很小浩大的群眾場面。其主要作用是展示事件發生的環境和規模，渲染畫面意境。
全景系列：用來表現人物全身或場景全貌的影視畫面。觀眾可以了解人物的形體動作和人物與環境間的關系。經常作為一場戲的總角度，制約著該場戲分切鏡頭中的光線、影調、被攝主體（人）運動方向和位置，保持統一的場景視覺感。是景別的分水嶺。全景最吸引人的特點，是它允許演員是用肢體語言，這類的肢體表現是自默片以來就已經在電影中消失的藝術。
中景系列：表現人物膝蓋以上或場景局部的影視畫面，觀眾能看清人物半身的形體動作和情緒變化，便於交待人與人，人與物之間的關系。在常規影視的拍攝中，這種景別經常佔有很長的時間，用於講述劇情，因而也稱作敘事鏡頭。
近景系列：表現人物胸部以上或物體局部的影視畫面。近景可以最大限度地展示人物，把演員用以心理活動的面部表情和細微動作體現出來。在常規的敘事情節里，也可稱為正反打對話鏡頭。
特寫系列：表現人物肩部以上的頭像或某些被攝對象的細部的畫面。它可以細膩地刻畫人物性格，表現其情緒，或者突出某一物體細部的特徵。特寫鏡頭是影視創作中刻畫人物、描寫細節的獨特手段，也是影視藝術區別於戲劇藝術的視覺因素之一。
而且景別也很重要

J. 演員入門需要掌握的表演技巧有哪些

同學你好，2020屆樹藝學姐拿到了雲南藝術學院全省第一名的好成績，還進入了北電的終試，樹藝學長也拿到了北京電影學院導演專業和中央戲劇學院導演專業的合格證，樹藝聘請的也是北京電影學院的研究生畢業老師全職授課，所以還是有一些影視表演經驗可以傳授的！

01

表演藝考中的台詞技巧

1、說好普通話

作為一名演員首先必須要說好普通話。中國有八大方言區：北方話、吳話、湘語、贛語、客家話、閩北話、粵語。如果考生只能說家鄉話，而且又極難糾正為普通話，是很難成為合格的演員的。

2、聲音條件很關鍵

一個演員具備優美的聲音，能給觀眾帶來精神上的享受，而反之嘶啞的嗓音會使人物的語言黯然失色。因此，在選拔一個演員時，考察他的聲音條件是很重要的，這直接關繫到將來對人物的塑造。

3、正確理解作品，准確表達內涵

一個考生要想朗誦好一篇文學稿件需要進行深入、細致地理解。因為朗誦是在作品的基礎之上演員進行的藝術再創造，所以，考官對考生在理解和表達作品內容方面要進行細致的考查。

4、選材很重要

在朗誦考試時，選擇一篇既好同時又適合自己的材料是取得成功的一個關鍵。因為，選擇材料的好壞直接關繫到你朗誦的效果。選擇自己能夠理解的，同時又好表達的，藝術性較強，有一定的思想性的材料。

5、語言要生活

考生在朗誦時既要學會運用語言來表達作品的內涵，同時又要用自己的形式來表達情感。不能有「朗誦腔」，盡量使語言接近生活，不能「假」「大」「空」。首先要讓觀眾或聽眾能聽懂、聽明白，在語言的運用上要生活化、自然、貼近生活。語言的處理要從作品的內容出發，不要做作，要有真實的情感體驗。

02

表演藝考中的台詞四要素

台詞不是背出來的，是發自人物肺腑而說出來的，聲音好聽或普通話標准不等於說好了台詞，而把台詞背得滾瓜爛熟更也不代表台詞很好，只有按照人物的思想、情感並賦有潛台詞含義而說出來的語言，才是演員真正的台詞。

所以背出來的台詞是空洞乏力的。如何做到說台詞，作為表演藝考生應要掌握以下四個要素：

(1)弄清楚這句話是在什麼場合說的——地點

(2)弄清楚這句話是與什麼人物說的——對象

(3)弄清楚這句話是以什麼情緒說的——狀態

(4)弄清楚這句話是為什麼動機說的——目的

03

表演藝考中的節奏技巧

1、演員的表演。首先是現實中人的生活過程的再現，既然節奏是生活中不可缺少的運動，所以「電影角色要以人類的有機性去建立起角色的有機性。電影演員的創作只有一條途徑，就是遵循人類的規律。」

2、在表演這一藝術領域里，節奏是通過形體的表現(外在的)和心理的反應(內心的)感覺和理解它，其專業術語被稱之為「表演的速度節奏」。它來源於斯坦尼體系術語，是表演技術諸元素之一。

節奏作為幫助演員激起正確體驗和情感的技術，也是形成舞台演出節奏和情緒氛圍的重要手段。速度一般指內、外部動作的快慢，是節奏的構成部分和外在表現之一；節奏則是貫穿在表演過程中的一種交替出現的有規律的現象，一般指內、外部動作的強弱、長短、張弛等。

例如，常說的「演出不合節奏」，不僅只是針對速率而言，同時也指演員的行動和體驗的強度，也就是實現舞台事件時內心情感激動的程度。除此之外，節奏這個概念還包含節奏性，即行動的某種均勻性它在時間和空間上的安排。

斯坦尼說：「劇本或角色的速度節奏要是找對了，能自然地直接地，有時是機械式地抓住演員的感情，激發正確的體驗。」由此可見，行動的速度節奏不僅可以激起演員的情緒體驗，而且可以創造出一定的情緒氛圍，幫助演員准確地掌握好規定情境中人物的任務和行動。在一部影片中，銀幕節奏是電影多種手段綜合處理的結果。

隨著事件情節的發展，對人物節奏的處理也應有所不同，最終體現出人物性格的統一性和多面性。在這個意義上，正如瑞典著名的兩棲導演英格瑪？伯格曼說：「節奏是至關重要的，永遠是至關重要的。」不同的性格決定了不同人物的個性，同時決定了不同的動作節奏，而節奏反映出的准確性將反作用於人物的性格。

04

表演藝考中的人物性格技巧

一部影片對演員表演最基本的要求是銀幕上塑造具有鮮明個性的、自然而真實的人物形象。

要使觀眾通過演員的表演感受到活生生的人物獨特的氣質和巨大的性格力量，就必須從分析人物性格入手。人物的性格又通常可以理解為人物處理事情的方式和方法，而人物的思想和情緒則是性格的一個組成部分。

人物的性格基調是角色內心變化的基礎和依據，而節奏的體現就是角色內心變化的過程。既然節奏是一切運動的組織原則，當掌握了一部影片角色的整體節奏之後，也就掌握了「角色的性格基調」。

而演員可以十分有目的地把任何一個過程，根據花費最少的力量而達到最大效果的原則，把對角色每個片段的分析、人物基調的把握、行為動作的設計有規律地組成一個統一整體。

05

表演藝考中的節奏與人物性格多面性

1、表演節奏與人物性格的多面性「表演藝術創造角色的歷程，經歷了由表演程式一人表現人一人演人的過程。」「人演人」的階段就是需要演員創造生活化的角色，這是由電影的紀實性決定的。既然生活中自然人的性格基調不是單一的，總是復雜的，多側面多色彩的性格就必然有著一定的節奏規律。

2、表演節奏與人物性格的畸變現實生活本身充滿了真假、善惡、美醜、光明與黑暗的對立統一，戲劇如同其他的表現形式一樣，都是反映現實生活並做出自己評價的，「沒有沖突就沒有戲劇」這句話正是強調了對立統一在戲劇中的重要性。人物性格的畸變也是「沖突」的表現手段之一。

性格的畸變是人物性格多面性構成的表現之一，但畸變是通過某種突發事件，打亂了人物本來有規律的生活狀態，從而造成了人物性格前後的極大反差，因此它與人物本身所具有的性格側面又有所不同。

在影片中，隨著人物前後性格極大反差的轉變，同時造成了人物節奏變化的差異。原本是各種成分有機的聯系，服從於一個具體的有意義的組織，一旦突發事件引起的矛盾沖突破壞了這個組織，也就出現了原有性格的表演節奏差異現象。這種現象並不是指簡單的無序的差異，而是要建立在人物性格基調之上，前後有聯系的差異。

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表演藝考中理性感性節奏的結合

節奏把握中理性和感性的結合，既是表演藝術不可逾越的起點(不論一個演員在理性上有沒有節奏的意識，他的舉手投足都已具有了節奏的屬性)，又是表演藝術在高層次上的造詣(能被譽為「很有節奏」的表演，將是很高的表演創作境界)。

理性地分析出各層次的表演，才能使情緒的強烈程度、性格前後的差別以及節奏張弛的變化做到「有度」。過於「理性」可能會使人物看起來模式化，甚至呆板而無張力；過於「感性」又可能會出現舞台劇式的誇張，甚至跳出角色身份的范疇而脫離整個劇本。

只有在表演節奏上依照「理性」與「感性」有機的結合，一部電影角色的真實性才能不溫不火地得到體現最終使人物的性格基調和多面性同時匯集起來凝聚成完整的人物形象。