法國電影愛的藝術影評

1. 急求幾篇經典的電影影評！！

大哥，就你要的這些，每個5分都不止

2. 哪裡有法國電影無法觸碰（觸不可及）的精彩影評

近年來，除了商業大片喜歡復雜的大框架大場面，那些稍稍表露一絲人文關懷的劇情片，都喜歡可速戰速決、無需太費腦筋的小格局電影形式，這或許也是頭幾年編劇罷工沖擊影視娛樂業所造成的雙刃劍後果。已無所謂作家導演或非作家導演了，總之盡力成為全能型導演，依賴外界的越少越有安全感，也就越有主動權。不過，因此找原著小說改編，且導演身兼數職，還要算好成本利潤的會計賬，必然有他的局限性。

當然，這種「局限」可能一點都沒影響到各位電影大亨荷包鼓起，名聲鶴起。浮躁的大氛圍，找不到誰是淡定的了，只能找相對低調浮躁的。小格局，只要拍出一樣深入人心的，就是傑作。所以《國王的演講》《黑天鵝》都被奧斯卡寵幸了，《127小時》裝成大片被粉絲供奉成勵志寶典，像默片致敬的《藝術家》也成為84屆奧斯卡的起搏器之一。而1994年奧斯卡的輝煌——《肖申克的救贖》《阿甘正傳》《燃情歲月》《真實的謊言》《低俗小說》《烈日灼人》《獅子王》恐怕很難再現了，即便那個時候有些導演也力爭全能，但他們在劇情上力求的「大氣度」，都被現今小家碧玉的「裹腳布」悲哀地裹纏住了。想想花大價錢，蓋一個蝸居，這必然是一種遺憾。

可是，這就是現如今整個電影行業的現狀，電影大師們要麼燒錢買快感，要麼把家庭錄像拍成電影，反正，盡早投放市場，收回成本就萬事OK啦。看電影的人再龜毛挑剔，也只能盡早適應，否則就是自己找別扭了。我就是這樣適應的，前一段時間，我鼓足了勁兒為波蘭斯基的《殺戮》鼓掌叫好，現在我又發現了法國電影《觸不可及》，掌聲再次響起。

如上所言，去年在東京電影節成為大贏家的《觸不可及》便是一部小格局化影片。真人真事改編，劇情極其簡單，就是講述一位全身癱瘓的中年貴族菲利普，與看護他的黑人青年德瑞斯，共同走過的從相識到相幫到相知的友情歲月。這故事多少讓人想起大嘴美女茱莉亞.羅伯茨的老電影《留住有情人》，不過，選取了另一種更溫暖更快樂更輕松的視角，且用事實講話，命運之神也不總是留下悲劇讓人緬懷。

《觸不可及》一開場，就讓看客大呼過癮，這應該是全劇走向成功的開門紅。節奏、畫面、音樂，無不投觀眾所好，也許，給人先入為主的「好印象」，有時也是導演得以繼續超常發揮的小動力。接下來利用首尾相連的倒敘方式，引出了電影的中心內容，菲利普如何對德瑞斯這位護工「一見鍾情」，德瑞斯的生計又是如何在「無心插柳柳成蔭」的機緣中得到解決的。總之，全劇看下來，很過癮，小巧而緊湊，精悍又不失柔韌。我以為的不足之處，僅在最後為「錦上添花」而露臉的真實的「菲利普與德瑞斯」身上，雖然只有幾秒鍾的畫面，但倆人過於內斂默然的真實狀態，多少干擾了弗朗索瓦.克魯塞與奧瑪.賽成功塑造出的那種平等、信任、愉快的共處氛圍。

而回到劇情中，除了兩位主角各秀各的演技，分庭抗禮，奪人眼球的還是迎合觀眾的各種電影技巧與手法。本片導演也不懼「落俗套」的罵名走上了「掉書包」的賣弄之路，這也沒什麼不好的，有時，對某一物大愛至無言時，就只有赤裸裸的膜拜了。伍迪艾倫大愛巴黎，在《午夜巴黎》中痴醉般秀他的藝術底蘊，這讓他擠進奧斯卡提名中不說，還讓他在千萬粉絲的心中變得更可愛了，這不就成為美談了么。

何況，歐洲人本來就有炫耀的資本，肖邦，舒伯特，柏遼茲，貝多芬，巴赫，庫爾貝，莫奈，梵高，……各類藝術大師有名或無名，不知要數到何時。而《觸不可及》的導演在很自然的人物「個性沖突」中，藉助音樂無國界的魔力，很深刻地達到了一箭雙雕的目的，既讓電影賞心悅目了，又賦予了音樂崇高的使命，順便傳達了消除人與人間冷漠距離的美好願望。

可以說，有音樂的橋段都是讓我特別喜歡的。菲利普生日派對上，德瑞斯對古典音樂直觀的表達，幽默之外，實在太現實生動了。德瑞斯的舞技，在華麗滂沱的古典音樂之後，伴隨風流倜儻的現代音樂，Earth Wind and Fire的歌曲《Boogie Wonderland》，又為我留下了一個美妙的回憶片段。跳傘那段，插入《Feeling Good》，情景交融，又是段美好的視聽享受，這首被無數人翻唱，又在百老匯音樂劇及很多部電影里現身的經典歌曲，成了名副其實的客串專業戶。

音樂是能夠掃走陰霾的，還能把它的心情傳遞給人類。《觸不及防》的氣質便是無盡的歡樂，即便依託在主人公殘疾的病痛里，還時不時點綴上嘲諷社會的灰色地帶，但電影本身所要傳遞的則是希望與樂觀的精神。這樣想來，我就要把《觸不及防》歸類為勵志影片了，這也是它招人待見的真正原因，跟《三傻大鬧寶萊塢》《陽光姐妹淘》一個主心骨，讓人帶著淚感受笑的滋味。

以下完全可以無視。只是想借《觸不可及》再胡扯一氣！
我個人認為，這個比以往任何時代都精彩、都瘋狂、都物質、都冷漠的俗化世紀，「勵志」產品——以慰藉靈魂為目的的勵志產品，成為了緊俏的供不應求的暢銷品。不過，同為勵志產品但在勵志效果上多少是有所不同的。

有找樂圍觀型的，有羨慕嫉妒型的，有偷偷崇拜型的，有真心神話型的，還有心生悲憫型的。

小報會追隨「微笑哥」，因為哥說了，別給他找工作，他撿錢就把西藏玩了一圈。很多人聽聞便囧了，人這一輩子做牛做馬不就是想像「微笑哥」一樣隨心所欲地活著么。這勵志，就是無所謂讓人圍觀型的，您逍遙您的，我們拉我們的磨。

或許，隨心所欲的前提一定是要像比爾蓋茨那麼有錢的，可是趙老師在春晚上對全國人民說的話，聽著也挺深刻的，人最可悲的就是，人沒了，錢沒花了。

這也不絕對！錢沒花了，看這種情況在哪兒?要是在歐洲，在巴黎，一棟無需擔心被拆的祖屋，就能蔭蔽子孫後代。即便倒了點霉，也能像電影《觸不可及》里的男主人公菲利普一樣，比健康的人活得還體面，還有尊嚴。宅也宅得特有品位，要談個網路愛情也不會遭遇「見光死」，而且除了擁有傳記小說、傳記紀錄片，還能拍個唯美的勵志電影，感動死個仁兒。

顯然，微笑哥是我說的第一種。他跟最近狂瘦下來的芙蓉姐姐比，勵志的效果還是欠些威猛。芙蓉姐姐示範了第二種，幾乎讓所有跟她一起成長起來的網路P民學會了「自省」，拯救胖妹、丑妹、無望妹的未來於渺茫之巔，更讓那些想借網路杠桿鯉魚跳龍門的各種奇葩信心暴漲。數落著姐姐，還不得不承認人家有一手，這就是酸溜溜十分生活化的「勵志」產品。

偷偷崇拜型，這個就比較小眾了，因為它遵循那樣一句話，這人最好是草根平民出身，還必須比別人優秀很多，不能是一點點，至少要把別人甩出好幾條街，那他這勵志效果就出來了。喬布希就是最好的例子，96年以前他還跟果粉們藏貓貓呢，或許那時沒人真心捂眼睛在找他，當他推出Ipod隨身聽後，他終於有了不辯自清的威力，但也不算足夠強大，等地產界的「任叔」都能用蘋果洗涮他的人民公敵之名後，喬布斯成了真正的「勵志帝」。可是「偷偷」二字變成光明正大，這跟他的離世是否有關系，就不好說了，但不能否認他生前並非一帆風順。

真心神話型，這個多半針對那些作古或虛幻的勵志人物。比如梵高、曹雪芹、穆索爾斯基等等，他們的價值，在生前未被認可，那麼就在後世予以補償吧。這種勵志人物可以給人精神治療，抱有藝術夢的人，心裡都有一兩個這樣的標桿，在想要放棄理想時，想到他們，又有了堅持一會兒的勇氣。虛幻的，就更好找了，灰姑娘、蝙蝠俠，V怪客，洪七公，喬峰大哥等等哪個不讓你真心喜歡呢。

心生悲憫型，多半出現在影視劇中，就像《觸不可及》這類從給予「同情」中感知幸福。《阿甘正傳》是這類，《我的左腳》《雨人》也是這一類，反正勵志英雄們似乎都遭遇了一些身體上的不幸，用這些不可扭轉的悲劇換得一種超越大眾的稟賦、才華，他們被人們仰望，而心底里隱藏著「優越感」的凡夫俗子，自然能夠容忍他們的偉大了，也就心生出了悲憫，視其為心中的勵志偶像了。

我胡說了這么多，就是想說勵志電影確實深入人心，勵志人物也永遠是電影故事裡的主角，隨便拍一個，就能成賣座的搖錢樹，只要看出了現代人內心的空虛。

3. 《最愛》1000字影評

《最愛》從試映開始就一直受到極高的評價，其實這與其說是《最愛》的成功，不如說是大家對於能夠以認真的創作態度貼近現實、關照民生的作品是多麼的飢渴，這也是顧長衛從《孔雀》、《立春》到《最愛》一直堅守的創作理念。所謂的第五代，除了田壯壯那樣的將自己作為藝術祭品而存在著的，能夠不與商業同流合污的，也確實不多了。但《最愛》所觸及到的敏感題材，在中國現行的審查體制下要得到充分的詮釋幾乎是不可能的。從《魔術外傳》到《最愛》，我看到的是一部有良知有野心的中國電影在妥協中被異化為藝術贗品的結果。
艾滋病群體可以說是一種孤島生存，與外界隔絕，與希望隔絕，隨時可能降臨的死亡讓他們每天生活在末世詛咒之中，在這種情況下，他們遙望世界和審視自己的角度都將發生變異，在此心態下，也許更接近人性本性的東西會更多顯露出來，拋卻意識形態和體制約束不談，這應該是這類電影最大的價值。
當趙得意向商琴琴簡單粗暴地示愛的時候，我想到的是那個關於九男一女流落荒島的葷段子（不知道這段子的請網路），這個聯想帶來的幻滅感在觀影過程中始終統治著我直到最後。也許有很多理由讓顧長衛將一部末世寓言改為愛情悲歌，審查上的，商業上的，但愛情的立論基礎一定要扎實，否則一切都是飄的。趙得意與商琴琴的關系談不上愛情，而是一種死亡臨近時的及時行樂，是在用肉體交合快感來把握最後的生命歡愉，用互相依偎來對抗外界的隔膜，他們要求的不是愛的權力，而是生的權力。其實這也與片中四輪叔保留最後的隱私、大嘴至死堅持的「話語權」、老疙瘩想偷件紅襖襖最後裝扮一下自己的老婆一樣，只是面對死亡的一種態度而已。這本來就是一部死亡眾生相電影，卻用無根的愛情來稀釋生死一線間帶來的窒息感，結果片中的愛情沒有打動我，死亡帶來的絕望感也消弱了，而諸如有關部門的無作為等體制悲劇更是沒有被正面提及。這種敘事的無力感不是一場冰火九重天式的自我毀滅可以補足的，自始至終，我都沒有對這個艾滋村相對於外界的整體性存在建立概念。所以說有些東西真的是無法妥協的，徒留一個敏感題材的外殼，而根本觸及不到什麼本質性的思考，影片的現實批判意義和普世價值都損失巨大。
章子怡在這里回到了她出道時的鄉野扮相，很美，還多了點欲女品質，不過不失的表演，但文藝范兒褪得沒有蔣雯麗干凈。曾經最擔心郭富城的表演，居然也沒露什麼破綻，很大程度上是在別人那裡都顯得有點不倫不類的方言成全了他。其實外表顛覆性的表演難度並不高，由於觀眾對人物的新鮮感反而會忽略掉一些細節上的處理，而功力往往正是通過這些細節展示出來的。群星的加盟增強的影片的商業性，但由於愛情主線的不恰當擴張，導致抖包袱式的群像敘事顯得有些凌亂，觀眾需要不斷地在人物和故事之間跳來跳去，不過其中黑色幽默的部分還是顯示力量的。
以顧長衛在《孔雀》和《立春》中所表現出來的對主題多義化的詮釋功力來看，現在看到的《最愛》應該遠非他創作初始所要著力呈現的文本，但不管怎麼說，這都是一部值得關注和鼓勵的電影，只是作為一部具有體制性探索意義的藝術電影，本來應該做得更好，正因其彌足珍貴而愈加值得惋惜。

4. 法國電影《情人》好看嗎評價怎麼樣

首先以下是我對這部電影的簡評

根據法國作家瑪格麗特·杜拉斯的自傳小說的改編，法國導演讓-雅克·阿諾的執導，那屬於法式浪漫特有的氣息，為《情人》添加了一份獨有的魅力，不同文明的交融滲透構築了電影時代的脈絡氣息，恬靜優雅的攝影風格更形成了電影迷人的基色，而大尺度的激情戲碼，實則是電影出色電影美學的表現，於此中關於愛的命題如此動人心弦，有些愛情雖註定無果，但卻能刻骨銘心，凄美的結局雖是一場悲劇，卻也同給人以對愛無限的遐想。

《情人》的另一大看點就在於這是一部充滿了獵奇色彩的電影，一個生活在當時法國殖民地越南的17歲少女愛上了華僑富翁的獨子，這段在當時的歷史背景下註定不會擁有結果的愛情，卻成為了電影藉以去渲染浪漫最好的契機，電影雖然是一場悲劇，但愛的浪漫卻得以了淋漓盡致的呈現，

5. 法國電影：《蝴蝶》影評 500字左右，快，好的加分

《尋找屬於我們的伊莎貝拉》

看完法國電影《蝴蝶》的晚上，許久不肯閉上眼睛。彷彿眼瞼一合，那些影像便要談去，世界將重又歸於嘈切、繁囂。不會再有天籟般的童聲一記記問詢，仿若幼嬰的耳語。
《蝴蝶》象一組清新的田園詩，以潤物細無聲的方式，一點點滲入眼耳。那片屏幕，穿過蝴蝶斑斕的羽翼，給我一座驚艷府邸，如此寧馨，靜美。
蔚藍晴空下，一望無際碧綠的草原，微風中搖曳的金色麥浪，草原上爛漫的野花和撲蝶的小女孩。大自然的靜美與生命的動感，在這部影片里，融合得如此無缺。
如此看來，圈子裡的幾個朋友都偏愛法國電影，並不是沒有理由。

《蝴蝶》沒有跌宕迂迴的劇情，也沒有刻意做秀的煽情，只是一場平淡的講述。
八歲的小女孩麗莎是個單親家庭的孩子，媽媽未婚先孕生下了她，卻又不知該如何照顧她。孤單的麗莎只能與心愛的藍球為伴，在母親失約或晚歸的時候，一個人坐在咖啡廳里、或者電話亭邊的長椅上無助地等待。直到有一天，失去兒子的孤寡老人朱利安把麗莎領進了他的家，麗莎第一次接觸到了蝴蝶這種生物，並跟隨著酷愛收集蝴蝶的朱利安一起，去尋找全歐洲最罕見、也最美麗的蝴蝶「伊莎貝拉」。

口齒伶俐、思維敏捷的麗莎在與朱利安同行途中，不停地提出各種各樣的問題，並與固執嚴肅的朱利安鬥嘴。一老一少在不斷地爭執與妥協中，漸漸親近。這一趟旅程，變成了尋找愛與親情的路途。
法國優美的鄉村風光和老少之間諧趣的對話，使得整部片子看來心曠神怡。

法國天才童星柯萊兒布翁尼許是本部影片的亮點。她將一個生活在單親家庭的，聰明伶俐又孤獨敏感的小姑娘麗莎演繹得如此傳神。她的笑容與憂傷，是整部片子的光影，牽扯著所有觀者的視線和神經。
所以本片在法國上映時，吸引了上百萬觀眾前去觀看，票房突破了2億元。這其中，柯萊兒布翁尼許的出色演技居功至偉。她那雙純澈的藍眼睛，羞怯迷人的笑容是這個殘酷世界的抗體，任誰都無法拒絕這樣一個精靈的慰藉。

看法國電影，總能讓人感受到身心的愉悅。原因在於法國電影總是能將很深刻的主題演繹得輕松詼諧。許多人生的哲理與隱喻，被有條不紊地編織進情節的前生後世，於細節處，一一表露。
這部79分鍾的影片，其實涉獵了相當廣泛的內容。親情、友誼、愛情、戰爭、金錢、命運、人生等等。看起來似乎是極深奧的話題，本片卻以簡單的對話和簡潔的鏡頭語言做了近乎完美的闡釋。

比如，當那隻美麗的鹿倒在偷獵者的槍聲里，朱利安沒有去擋住孩子的眼睛，他讓她知道了什麼是「偷獵者」。當朱利安爺爺把捉到的蝴蝶放入盛有葯物能致蝴蝶於死地的瓶中時，麗莎冷冷地吐出了「偷獵者」三個字。這是一種意味深長的諷刺。成人的世界，太多的理由和解釋，但在孩子的眼中，並沒有實質的不同。

比如，麗莎與朱利安在山上看到一對情侶，男孩要求女孩為了證明愛情，勇敢地和他一起跳傘。
朱利安告訴麗莎，這對情侶的愛情只靠著一根繩索維系著。通常人們要求對方做些什麼來證明他們的愛情時，就表示不信任對方，沒有信任，愛情就撐不住.。
再比如，在一次富人的聚會上，麗莎問朱利安怎麼樣才算是富有。朱利安告訴她：最好是做自己想做的事。

片中還有多處涉及到了政治敏感話題（在國內的審片制度中，經常會出現此類術語）。反戰，應當是它隱藏的主題。
我至愛朱利安用手影給麗莎講故事一幕。個人感覺，它是整部影片中最匠心獨具的表達。
麗莎入睡前要聽故事。朱利安於是藏身於床單後，就著昏黃的燈光，用手影的方式，惟妙惟肖地講了動物界及整個人類世界生存的殘酷。上帝的手，同時製造了美醜與善惡。似乎臨到末日審判那一日，誰都是一具待罪之身。
這個隱喻，生動又驚心。三屆法國凱撒獎影帝得主米歇爾塞侯飾演的朱利安，在此將他人生經驗中的睿智與曠達表述得淋漓盡致。

朱利安與麗莎借宿農家的時候，聽男主人訴說政治與民生的利益對沖，戰爭的殘酷及對人性的摧殘。男主人的老母親仿如蠟像般凝固的身影也帶給人一種強烈的視覺震憾。
也是在此，朱利安終於說出，他如此痴迷於尋找「伊莎貝拉」，是為了要滿足兒子臨終遺願。他的患重度抑鬱症的兒子，臨死前惟一的願望，是想看一眼傳說中最美麗的蝴蝶伊莎貝拉。

親情的主題，在這里被濃墨重彩地渲染開來。雖然朱利安敘述得不動聲色，而內里蘊含的深沉情感卻教人動容。他其實深愛著兒子，卻從不曾對他說出「我愛你」三個字，當兒子英年逝去，所有的遺恨都已來不及彌補。
所以，對此深有感觸的老人，在片子近尾聲的時候，當警方出動人力，將不慎跌入山洞的麗莎救上來之後，才會對麗莎年輕的媽媽說：去，告訴孩子你愛她。

鏡頭語言在此處，又轉入了對於法國某些社會問題的探討，例如單親家庭孩子的撫養及教育問題。
朱利安對麗莎的媽媽說：不快樂的小孩通常都會渴望快快長大，脫離令自己感覺痛苦的生活，到自己能掌握的世界中去。
麗莎的媽媽幡然醒悟。

在野外的時候，「伊莎貝拉」因為麗莎的莽撞被驚飛，老人帶著小小的遺憾返家。但導演卻在尾聲掀起了一個小高潮。老人和孩子費盡心機尋找的「伊莎貝拉」蝴蝶其實就在家中。她最初的形象，只是一隻醜陋的蝶蛹。
原來，他們一心想追尋的東西，其實就在自己身邊，只是被忽略了而已。

這是片中會讓人發出會心微笑的鏡頭：下了課的小女孩每天飛快地穿過街區，跑上樓梯，氣喘吁吁敲開朱利安的家門，只為了能夠親眼看到一隻蝴蛹蛻變成蝴蝶的過程。
導演給了長達4分鍾的鏡頭，用來表現伊莎貝拉破蛹而出的畫面。伊莎貝拉在燈光下緩緩打開翅膀，那一刻，美麗震懾人眼，彷彿所有的疼痛都被忽略。
似乎也在那一刻，聽到麗莎內心的蛻殼聲。
我們人生中那些難捱的辰光，那些對疼痛與苦難的隱忍，就象一隻蝶蛹，等待蛻變的過程。從醜陋的蝶蛹到美麗的蝴蝶，是生命中經歷成長蛻變的最好隱喻。

片子里的最後，麗莎放飛了「伊莎貝拉」。末尾的點睛之筆，是小女孩神秘兮兮地貼著朱利安的耳朵說：我媽媽的名字，也叫伊莎貝拉。
朱利安抬起頭對她微笑：那我們都找到了它。
這是法國影片中又一觸動人心的溫情點，也是影片的主旨所在。身兼編劇與導演兩職的菲利普.穆樂擅長處理家庭喜劇，在本片中，他舉重若輕，將深厚涵義融化於輕松溫情，使得整部片子充滿幽默感，人情味十足。劇本里的對白及導演鏡頭語言的運用，講究對內心忠實，對情感忠實，所以每一個觀看的人，都能從中找到共鳴。
而法國人一貫擅長表達的浪漫在這部電影中穿插始終，朱利安雖然表面嚴肅，其實內心也天真如孩童。他與麗莎之間孩子氣地鬥嘴，令整部影片諧趣橫生。

法國，做為藝術電影的源流之地，的確有許多方面值得借鑒，因其電影文化的深厚底蘊無人能及。
比如電影原聲音樂。在本片中，麗莎與朱利安的一問一答，將那些雋永清新的人生哲理做了淺顯而通透的闡述。小女孩的聲音活潑俏皮，老爺爺冷靜嚴肅。融合在一起，聽來耳目清新。
法語一向被公認同為世界上最優美的語言，而小女孩童聲稚氣的法語更是彷彿天籟。這首電影原聲歌曲，被許多人視為靈魂的洗劑。執掌配樂的Nicolas Errera，用醇美的鋼琴和行雲流水的弦樂來合成了這首曲子，為影片增色不少。

再比如色彩的運用。79分鍾的影片，象一場聲色光影的旅行。參與過藝術電影《情慾飛舞》和奧斯卡得獎影片《美麗心靈》的攝影師尼可拉斯海特，用明朗的鏡頭，將法國阿爾卑斯山的自然景緻拍得如同一副寫意山水畫卷。

國內的影片，雖然也不乏此類手筆，但總覺得似一場視覺盛宴。饕餮之後，味蕾也隨之麻痹，沒有餘味值得反芻。所謂的大投資、大製作，象一場轟轟烈烈的煙花，綻放的，只是瞬間艷光，沒有可以長久存留下來的美麗。場面再宏大，情節再壯闊，缺少人文精神和文化內涵做支撐，就會感覺蒼白無力。

但《蝴蝶》就不同。雖然它只是一部低成本的小製作電影，故事也非常簡單，但它象一部多棱鏡，人們站在不同的角度看它，就會引起不同層面的反思。
現今的觀眾，已被眾多的歐洲片養刁了口味。他們要的是視覺與感覺的雙重享受，這一重境界，才是對電影藝術的最終要求吧！

6. 推薦一下比較好寫影評的電影噢 親們 比較容易從影視畫面和鏡頭元素或是影視藝術構成手段去分析的。

動畫電影行嗎？我推薦：

法國電影《瘋狂約會美麗都》

一部充滿想像力和風格簡約的卡通片。自小失去雙親的男孩Champion（意思就是「冠軍」）與年老的蘇沙婆婆相依為命，每天鬱郁不歡，只能和婆婆一起在電視上看美麗都三姐妹動情的演唱，而他惟一的興趣就只有兩個輪子的自行車。蘇沙婆婆決心裁培他，日子有功，他由小胖子鍛練成精鋼型運動健將，並得以參加環法的自行車大賽。不過奸人當道，法國黑手黨為控制賽果，竟然派出黑衣人綁架他，阻止他出場。蘇沙婆婆聯同小狗布魯諾追到美麗都，跟「美麗都三人組」一起加入拯救行動，終於使他成功逃離。
我看過後感觸很深，特別是當影片即將落幕，畫面里已白發蒼蒼的孫子對著身旁的空位說一句：「奶奶，電視節目放完了。」這幕剛好呼應了影片的開頭——奶奶問身旁的孫子：「電視放完了？你為什麼不跟奶奶說。」而孫子卻悶聲不響的離去。——這就是法國人的藝術渲染力，一種不經意的流露，讓人禁不住淚流滿面。

強烈推薦，你會有所感觸的。

7. 急求電影（藝術家）的影評

很久沒有看黑白電影了，更不用說黑白默片，在這個充斥著3D，IMAX的時代里，這樣的電影看上去顯得這么的另類但卻古典。

沒有聲音的詮釋，人物情感的表達完全來之於肢體和表情，特寫，特寫，人物的面部特寫，肢體的全景，配樂的渲染，似乎對於現在的人們來說也不會太難去理解這個故事。

當感官少了對語言的識別之後，能夠傳達更多信息的肢體語言讓我們開始著迷。

這是一部典型致敬式的電影，黃金的默片年代，可以看見電影院外的人群和電影院內幾乎坐滿的觀眾。

看電影時候就是這種歡樂的時光，故事多少有些峰迴路轉，無聲和有聲的糾結，驕傲和自尊的考驗，讓 杜雅爾丹富有魅力的演技，對於經典的回顧。這也許就是在造夢，一個黑白色的藝術家的夢。

而我們現在的人與這樣的時代已經很遙遠，但對於藝術的夢，電影的夢卻不會停息。

愛上《藝術家》，純屬一場無言的邂逅，我相信你也會和我一樣，在去影院前對這部電影充滿了不屑和懷疑，黑白片？默片？在3D/IMAX視效都無法再滿足觀眾口味的年代，一部黑白默片又將如何圈住影迷們的錢包和心呢？

然而恰好是懷著這樣的心態，我在大銀幕前看它看到流淚歡笑，大聲鼓掌。

《藝術家》是一部純粹的銀幕電影，並非炫耀，可只有在影院里看到銀幕上的這段光影，才能細品它的每一分美麗，才能在懷著一份懷疑和忐忑的心情去觀影之後，深深地被這樣純粹的一個故事打動。它就像一位久違了的摯友，穿過時間帶來問候，輕易擊中我的心房。

這是一部聰明的電影，它拿起了「黑白」「默片」的噱頭，卻也拿起了票房失利的風險。在法國本土，正是因為電影宣傳的失利，加上「黑白」「默片」字樣給人留下的復古印象，票房未達預期，片方只好決定憑借奧斯卡提名的風頭，在奧斯卡頒獎後再入影院重映，試圖收回一些散落的票房。而在其他國家，它也很難叩響影院的大門，譬如筆者所在的荷蘭，藝術院線的上映也不過寥寥數周，普通院線也僅因為奧斯卡該片的提名，才遲遲跟上了上映的腳步。而在美國，《藝術家》摘得金球獎，雖是目前奧斯卡的第一大熱門，但目前美國人似乎尚未買法國人的賬，影片在近七百家影院擴大展映，票房卻低得讓人匪夷所思，根據北美票房統計機構分析，造成這一局面的原因，還是因為它是一部默片。

所謂成也蕭何敗也蕭何，苛責電影玩弄噱頭的評論人，是否也看到這部電影為此付出的代價呢？現今電影業的利益驅動如此之大，又有多少導演還有再興默片的魄力？能保證黑白默片會討喜觀眾呢？而實際上，若不是這位法國商業電影奇材曾經在2006年的時候憑借著雜糅拼貼諷刺復古版007的《OSS117：開羅諜影》創造了當年的票房奇跡，他或許也沒這樣的膽量再把時間推前數十年，叫板黑白默片。

而即便是這樣，電影又恰好落入了人們詬病的另外一個議題：如果電影要還原默片，卻為何沒了默片的神韻？

我想是觀者的心態不同吧，《藝術家》的立足點很討巧，可正是因為太討巧，觀者的解讀也會不盡相同。許多人把《藝術家》看做一場默片的復興，認為《藝術家》是要對默片進行一次禮贊，並還原曾經的默片時代的遺風。然而事實上，《藝術家》的初衷其實並不盡然如此。人們過分解讀了《藝術家》作為電影所應承載的藝術價值，卻忽視了電影的娛樂價值。《藝術家》從一開始就並未打算百分之百地還原默片時代的元素，更多地，卻是通過暗喻和明喻，對曾經的默片和有聲片的交接時代，輕松地回顧和揶揄。從開場便設定的「說話」一詞的雙關運用，到後來有聲電影的介入和興盛，甚至是電影中那滑稽的「砰」的一聲，電影都可謂無時不刻在輕松伶俐地提醒著觀眾：默片時代已經一去不復返了，可默片的藝術的價值卻永遠存在著，正如電影中喬治•瓦倫丁這位大藝術家一樣，歷經時間洗禮才華依然不減。靈巧的構思和智慧的「對白」，《藝術家》也用本身烙上的「黑白默片」字樣，和電影中的劇情如出一轍地證明：藝術並不存在過時一說，這恐怕才是《藝術家》內里的本真。

若是研究《藝術家》是否百分之百還原了默片時代，去死摳技術的瑕疵，爭議女主的眉目，慨嘆復制的粗劣，觀者恐怕真正落入了電影里那位大藝術家的境地：過分執著於那個年代，執著於「默片」二字的分量，卻忽視了電影作為藝術載體的發展歷程，二十一世紀的電影技術和當年的默片技術豈可同日而語，電影也不過是藝術的載體，從曾經的黑白映畫，到現在的真人捕捉，電影仍舊是電影，仍舊是我們在銀幕前放下憂愁，隨之神往的時光機。

與其說《藝術家》是對默片藝術的謳歌禮贊，不如說它是一場我們和默片的邂逅和重逢，它說的是愛情，是喬治為佩皮點上的一顆痣，是佩皮在車里看到孤獨的喬治流下的一滴淚，是喬治在大火中死死抱著不鬆手的，那麼一段美麗的邂逅光影

http://wenku..com/view/054b583d376baf1ffc4fad88.html

8. 最愛 豆瓣影評

電影《最愛》嗎？
豆瓣上比較好的一篇
轉自豆瓣網頁

《 得意一天是一天，總歸都是人，總歸都是命。》

很久之前在影院看過這部電影的預告片，但當時預告片里完全沒有講到這個片子發生在一個艾滋病村，所以今天去看的時候開場我就被震住了。以下寫的觀後感會有劇透，不喜者請迴避。

可能是因為從小在醫院里長大，從小對疾病的了解為可能比同年齡的孩子清楚很多，有些人患了疾，有些人受了傷，有些人說沒就沒了。然而，眾所周知艾滋病=死。很久以前也聽說過這么一個村落，因為賣血全村大部分人都患上了艾滋，在河南的那個村落不可能再有什麼生機勃勃的勞作與淳樸的生活，村民們做的只是等著時日過去，然後互相葬掉彼此。

得意這個名字取得相當好，記得所有病人都呆在山頂學校時，得意說，「得意一天是一天」。這是我最喜歡的一句台詞。因為在這部影片中，我們很難看到患病者的恐慌，他們不是沒有意料到熱病的嚴重性，他們都知道自己會死。他們只是默默地在順從的接受，因為反抗毫無作用，沒有葯物，沒有人真正能幫助他們。他們都在認真地活下去，不怨念不悲憤。只是等著生命完結罷了。蔣雯麗飾演的糧房姐頭天追著偷吃她糧食的母豬滿街跑，活力超群，但是立馬就沒了。戲弄人生般地給她一段那麼歡樂的鏡頭只是預示她的迴光返照，人，說沒就沒了，就在一瞬間，還來不及回味。王寶強飾演的大嘴也如出一轍，為糧房姐送葬時，大嘴舉著自己愛不釋手的擴音喇叭說，「喇叭沒電了，我也快沒電了。」然後他笑著跑開，果真不出所料地他也隨之遠行。片中愛子如命的父親，極其自私又時而對家裡人著想的大哥。個個都是及其龐大的矛盾體，但個個都真實得讓人感覺不到任何紕漏。

當然故事的重頭戲還是男女主角的愛情。為了買一瓶城裡賣的洗發水去賣血患得艾滋病的琴琴，和一個想方設法要去賣血賺錢的得意，他們的感情展開讓人覺得荒誕又可敬。再患病後相繼被丈夫、妻子拋棄的他們毫無顧忌地在一起了。在生命都快沒有的時候能碰上彼此這樣一個「共患難」的愛人，絕對不是件壞事。人性就是這樣，你有病，我遠離你，我們倆都有病，不如我們在一起。敢問，如果其中一人是健康的，這段戀情難道還有展開的可能？

顧長衛在人性的殘忍面前做了一場浪漫的戲。影片中飽含人類的各種情愫，處處展露人性。有偉大的父愛，自私的求財，大難臨頭各自飛的」夫妻情「，豁達的人，畏懼的人，了無遺憾的離去，仇恨的威脅，不問結果與明天的陪伴，能一起吃苦卻沒榮幸一起享福的情侶，「娘」與「爹」的隱喻⋯⋯總歸都是人，總歸都是命。

不害羞地說，戲到末尾我哭了。在看到最後兩個絕症患者拿著喜糖和結婚證挨家串戶地開心相告時，那時是最難過的。商琴琴貪婪地，一遍又一遍地念著屬於她們的結婚證，念著念著淚就往下落，他們比誰都明白，為什麼他們能在一起，為什麼他們要在一起。我們都知道他們會死，很可能即刻就會死，所以他們的這種幸福是危險又短暫的，所謂，這么悲哀的快樂才讓人最難過。

得意說，「得意一天是一天」，這句話從他口中說出，可能因為無知，可能因為豁達，因為原因不重要了。最後琴琴先走一步，得意也不願意再得意了，本就離死不遠，何況最在乎都已經先去，不如果斷奔走相繼而去。砍傷自己，用血還了琴琴最後的願望，她曾說她死時要穿紅裙子，不穿壽衣。得意用最後的力氣用血給琴琴染了一條紅裙。這就是生命的完完全全的劇終。

我認為中文片名《最愛》不如英文片名來得巧妙， Love For Life，其實這里不光只有愛情。

人啊，得意一天是一天。總歸都是人，總歸都是命。

ps：我在這說說的只是這整部電影，是這整部電影的敘事告知我的，我領悟到的。
面對影片不去單獨討論導演風格，攝影手法，鏡頭調度，燈光手段，演員素質，美術設計，配樂……因為電影本來就不是一個人或是一個部門的活計，一部電影是一個團體，缺一不可。就這部片子製作來說我也沒有特別偏愛的一個工種。電影也永遠是遺憾的藝術，難以更改。觀眾們寬容一點，就這樣吧，挺好的。

9. 影評怎麼寫可以拿部電影舉例嗎

評論過程通過結合影片具體內容和影片在構思、結構、技術、人物等方面最為閃亮之處擺出自己的觀點，從而近一步論證。

電影評論的可評之處，可以就其導演的獨特構思、聲音畫面、蘊含的深刻道理、影片的時代意義、影視音樂、電影內容、電影燈光照明、電影的拍攝技巧、電影中的角色、影片的剪輯技巧、道具的作用、轉場流暢度等都可以進行評論。

例：《秋收起義》一片多數文章都認為這部影片反映了秋收起義歷史，成功地刻畫了毛澤東的形象，將馬列主義與中國革命實踐相結合，走農村包圍城市的道路，為中國革命找到了斗爭方向。

而根據列寧關於領袖的論述和中央關於毛澤東思想的界定中認識到，影片反映了毛澤東作為一個傑出的革命領袖在斗爭中成長的歷程，也揭示了毛澤東思想形成與發展的歷史原因與過程，從這一新的視角展開評論。

(9)法國電影愛的藝術影評擴展閱讀

電影評論的內容是多樣的。有著重評論影片的題材、主題、人物或它的社會意義，也有專門論述不同片種、樣式或影片的藝術風格、造型表現手段和電影語言的運用的；有對某一時期、某一流派的電影創作進行專題評論的，也有為著名的電影導演、演員等電影藝術家撰寫評論的。

既有在報刊上對當時上映的影片或某種創作問題寫專欄評論的，也有對一定時期和范圍內的影片進行評論的。由於讀者和觀眾的欣賞境界或文化背景不同，所以既需要供電影專業工作者研究用的專題論文，也需要有提高一般觀眾欣賞水平的影評文章。