論法國電影的某種傾向

1. 最後一班地鐵的演員介紹

凱瑟琳·德納芙（Catherine Deneuve 1943年10月22日—）法國國寶級女演員，縱橫法國影壇三十年，被譽為「歐洲影壇第一夫人。集美麗和高貴於一身，有「常青樹」、「冰美人」之稱。生於巴黎演藝世家，13歲跨入演藝圈，在明星姊姊引薦下進軍影壇。1963年主演《瑟堡的雨傘》後逐漸走紅，1966年主演《白晝美人》，成為國際影星。40年來在法國影壇的地位巋然不動，尤其是成為全球各地藝術院線追捧的影人。 傑拉爾·德帕爾迪約（G érard Depardieu）可謂當今法國最具實力的男影星之一。不 管是他演的歷史劇還是喜劇，都能吸引來各個階層的觀眾為他拍手叫好。 德帕爾迪約為法國電影開創了一種新的英雄形象，這也使 得他在觀眾中的人氣陡增起來。在此之後，德帕爾迪約不斷地探索、嘗試了很多不同類型的 銀幕形象，由於他對角色有著高度的塑造力，因而成為大家公認的法國80與90年代最受歡迎的男影星。 弗朗索瓦·特呂弗 法國導演。從小酷愛文學和電影，15歲在巴黎發起電影俱樂部。1953年進入法國農業部電影處，後在《電影手冊》和《藝術》雜志任編輯和撰稿人，成為著名影評家。《論法國電影的某種傾向》(1954)被視為新浪潮運動的綱領與宣言；《法國電影在虛假中死去》(1957)預告了「第一人稱」影片的到來。
特呂弗終身難忘他的童年生活，早年的坎坷經歷，被他一遍遍用非常真切自然，而又十分憂郁的影象形式再現出來。這些電影作品呈現了一個叛逆傳統、反抗次序的電影藝術家，以及他的心路歷程。跟別的新浪潮導演相比，特呂弗避免了政治化傾向，風格雅俗共賞，顯示出雷諾阿等人的影響。他欣賞的好萊塢影人包括希區柯克、霍克斯、約翰·福特和奧遜·威爾斯。他認為電影應該模仿生活，但比真實生活更浪漫化。在某些作品中他也會亮相在銀幕上擔任演員。

2. 巴贊的電影理論是哪些

他的電影理論很多,具體內容你可以買一本《電影是什麼》看看。

給你摘抄一小段：

法國電影理論家巴贊的"段落鏡頭"理論 新現實主義電影的手法和美學主張，促使以後的電影理論界不論在電影的敘事手法，蒙太奇剪輯、攝影、表演，以致在劇場景的結構上都出現新的論證和觀點。最明顯的是法國電影理論家巴贊的"段落鏡頭"理論(即長鏡頭理論，反對單鏡頭剪輯，而主張像一些新現實主義影片一樣，更多以"段落"或一場戲作為一個剪輯單元。在他看來，只有這種剪輯方法，才更符合生活。

「新浪潮」電影誕生於年1958年，該電影流派把巴贊推崇為自己的精神領袖。巴贊的理論主要表現在兩個方面：
一、「電影是現實的漸近線」

巴贊在《攝影影象的本體論》中，提出了「攝影的美學特徵在於它能揭示真實」的美學原理。他說：「……攝影機鏡頭擺脫了陳舊偏見，清除了我們的感覺蒙在客體上的精神銹斑，唯有這種冷眼旁觀的鏡頭能夠還世界以純真的面貌，吸引我的注意，從而激起我的眷戀」。由此，巴贊得出了這樣的結論：電影藝術所具有的原始的第一特徵就是「紀實的特徵」。它和任何藝術相比都更接近生活，更貼近現實。巴贊的「電影是現實的漸近線」，被稱作是「寫實主義」的口號。

在「新浪潮」的作品中，特昌弗的《胡作非為》直接實踐了巴贊的理論，是一個很能說明巴贊理論的影片。《胡作非為》描寫了一個12歲男孩安托納，由於得不到家長和老師們的理解和關心，兩次出逃，流落街頭，後因行竊經受警察與心理學家的審問，被送進勞教營，後又逃跑出來奔向大海的過程。特呂弗打破了傳統敘事手法，將影片的敘事語言始終保持在生活的漸近線上，形成了一種嶄新的藝術風格。這部影片同時在國際影壇上產生了巨大的反響和歡迎，為「新浪潮」的崛起打下了基礎。

二、場面調度的理論

巴贊認為：「敘事的真實性是與感性的真實性針鋒相對的，而感性的真實性是首先來自空間的真實」。蒙太奇理論的處理手法，是在「講述事件」，這必然要對空間和時間進行大量的分割處理，從而破壞了感性的真實。相反，景深鏡頭永遠是「紀錄事件」，它「尊重感性的真實空間和時間」，要求「在一視同仁的空間同一性之中保存物體」。巴贊希望電影攝制者認識到電影畫面本身所固有的原始力量，他認為，解釋和闡明含義固然需要藝術技巧，但是通過不加修飾的畫面來顯示含義也是需要藝術技巧的。所有這些，構成了巴贊「場面調度」的理論，也有人稱其為「景深鏡頭」理論或「長鏡頭」理論。巴贊提出的「場面調度理論，幾乎在一切方面與蒙太奇理論相對立。蒙太奇出於講故事的目的對時空進行分割處理，而場面調度追求的是不作人為解釋的時空相對統一；蒙太奇的敘事性決定了導演在電影藝術中的自我表現，而場面調度的紀錄性決定了導演的自我消除；蒙太奇理論強調畫面之外的人工技巧，而場面調度強調畫面固有的原始力量；蒙太奇表現的是事物的單含義，具有鮮明性和強制性，而場面調度表現的是事物的多含義，它有瞬間性與隨意性；蒙太奇引導觀眾進行選擇，而場面調度提示觀眾進行選擇。
巴贊的這個理論影響了整整一代人。特呂弗是巴贊的忠實弟子，他說：「沒有正確的畫面，正確的只有畫面」。戈達爾說：「電影就是每秒鍾24畫格的真理」。他們的電影觀念，同巴贊的場面調度的理論一脈相承。

攝影影像的本體論（安德烈-巴贊）

如果用精神分析法去分析造型藝術，就可以把塗防腐香料殮藏屍體看成是造型藝術產生的基本因素。精神分析法追溯繪畫與雕刻的起源時，大概會找到木乃伊「情意結」（complexe)。古代埃及宗教宣揚以生抗死，它認為，肉體不腐則生命猶存。因此，這種宗教迎合了人類心理的基本要求-----與時間相抗衡。因為死亡無非是時間贏得了勝利。人為地把人體外形保存下來就意味著從時間長河中攫住生靈，使其永生。妥善保存死者骨肉的完整外形，這曾經是天經地義的事。一具用泡鹼處理過的，干癟的，呈褐色的木乃伊也就是古埃及的第一個雕像。但是金字塔或通道中的迷宮不足以防止墓穴被盜，還要採取另外的保險措施，以防萬一。所以，在石棺附近，除了撒些小麥當作死者的食物外，還放上幾尊陶制的小雕像，作為備用的木乃伊，死者身體一旦毀壞，這些雕像便可充當替身。從雕像藝術這種宗教起源中，我們可以看到它的原始功能：復制外形以保存生命。顯然，在史前洞穴中發現亂箭穿身的泥雕熊表現了同種心願更積極的一個方面：泥熊等同於知獸的神化物，為的是祈求狩獵成功。

當然，藝術與文明同時在演進，造型藝術也終於擺脫了這種巫術職能（路易十四就沒有讓後人把他的屍體塗上香料保存，只是請勒＊布朗畫了一幅肖像）。但是，降伏時間的渴望畢竟是難以抑制的，文明的進步只不過是把這種要求升華為合乎情理的想法罷了。我們不再相信模特兒與畫像之間在本體論上有同一性，但是我們承認後者幫我們回憶起前者，因而使他不至於被遺忘。描形繪像的做法已經與人類本位說的實用主義無關。它涉及的不現是人生命延續的問題，而是更廣泛的概念，即創造出一個符合現實原貌，而時間上獨立自存的理想世界。倘若人們在我們對繪畫的盲目贊嘆中有沒有看到用形式的永恆克服歲月流逝的原始需要，「繪畫便實在太虛妄」了。如果說造型藝術不僅是它的美學史，而且應先是它的心理學歷史，那麼，這個歷史基本上就是追求形似的歷史，或者說是寫實主義的發展史。

從這種社會學觀點看問題，照相術與電影的出現便自然而然地解釋了現代繪畫肇始於19世紀中葉的精神與技術的重大危機。

安德烈＊馬爾羅在發表於（激情）雜志上的那篇文章中寫道：「電影只是在造型藝術現實主義演進過程中最明顯的表現，而現實主義的原理是隨文藝復興運動出現的，並且在巴羅克風格的繪畫中得到了最極端的體現。」

確實，世界繪畫曾經實現了形式的象徵主義與現實主義這間不同程度不同的平衡，但是，到了15世紀，西方繪畫開始不再單純注重用特有手段表現精神現實，而力求把對精神的表現和對於外部世界盡量逼真的描摹結合起來。毫無疑義，一個具有決定性意義的事件就是透視畫法的發明，這是第一個科學的初具機械特性的體系。透視法使畫家有可能製造出三度空間的幻象，物像看上去能夠與我們的直接感受相仿。

從此，繪畫便在兩種追求之間徘徊：一種屬於純美學范疇－－表現精神的實在，在那裡，形式的象徵含義超越了被描繪的原形；而另一種追求是僅僅用逼真的模擬品替代外部世界的心理願望。這種追求幻象的要求一旦有所滿足，便愈益強烈，以至於逐漸吞噬了造型藝術。然而，由於透視畫法只解決了形似問題，並不能表現運動，因而那裡的現實主義自然只能限於探討如何把事物的瞬間表現得富於戲劇性，即通過某種心理上的第四維暗示出在苦於靜止不動的巴羅克藝術中是蘊含著生命的。

當然，偉大的畫家總是把這兩種傾向結合起來：他們既能把握現實，又將現實融於藝術形式中，使兩種傾向主次分明。但是，我們看到的畢竟是本質迥異的兩種現象，客觀的評論應當善於將其區分，以便了解繪畫藝術的演進。從16世紀以來，對現實幻象的追求不斷從內部影響繪畫。這是一種純心理的需求，它本身並不屬於美學范疇，只有從追求魔力的心理中才能找到它的根源。但是，這種需求十分強烈，在它的影響下，造型藝術的平衡被全盤打亂了。

圍繞著藝術中的真實進行的論爭就是由於這種誤解，由於美學與心理學的混淆引起的。要求既具體又本質地表現客觀世界的真正現實主義，與迷惑視覺的（或迷惑頭腦的）虛假現實主義混為一談，後者滿足的是幾可亂真的幻象。由此看來，中世紀藝術似乎就沒有嘗過這種沖突的苦頭：它既有強烈的寫實性，又是高雅的精神表現，它對於由新技術手段揭開的這一幕還一無所知呢。透視法成了西方藝術的原罪。

替它贖罪的人是尼埃普斯和盧米埃爾。照相術既完成了巴羅克藝術的夙願，也把造型藝術從追求形似的困擾中解放出來。因為繪畫曾經竭力為我們製造幾可亂真的幻象，這種幻象對藝術來說已經足夠了，但畢竟似真非真，而照相術與電影這兩大發明從本質上最終解決了糾纏不清的現實主義問題。一個畫家不論有多巧，他的作品總要被打上不可避免的主觀印記。既然由人執筆作畫，對畫像的懷疑便不會消除。所以，從巴羅克風格的繪畫過渡到照相術，這里最本質的現象並不是單純器材的完善（攝影在模仿色彩方面還遠不及繪畫），而是心理因素：它完全滿足了我們把人排除在外，單靠機械的復制來製造幻象的慾望。問題的解決不在於結果，而在於生成的方式。

因此說，保持風格與形似兩者之間的沖突是較為現代才有的現象，在感光玻璃片發明之前，恐怕還找不到這類沖突的跡象。顯而易見，夏爾丹的作品中令人贊嘆的客觀性與攝影師的客觀性完全是兩碼事。現實主義的危機真正開始於19世紀。今天，畢加索成了這場危機的神話般人物，這場危機涉及到造型形式存在的條件及社會學基礎。現代畫家擺脫了追求形似的心理，把形似與否的問題丟給了平民百姓，往後，就由平民百姓一方面把照相術與形似問題等同起來，另一方面把只求形似的繪畫與這個問題等同起來吧。

因此，攝影與繪畫不同，它的獨特性在於其本質上的客觀性。況且，作為攝影機眼睛的一組透鏡代替了人的眼睛，而它們的名稱就叫（法文OBJECTIF）。在原物體與它的再現物之間只有另一個實物發生作用，這真是破天荒第一次。外部世界的影像第一次按照嚴格的決定論自動生成，不需人加以干預，參與創造。攝影師的個性只是在選擇拍攝對象，確定拍攝角度和對現象的解釋中表現出來。這種個性在最終的作品中無論表露得多麼明顯，它與畫家表現在繪畫中的個性也不能相提並論。一切藝術都是以人的參與為基礎的，唯獨在攝影中，我們有了不讓人介入的特權。照片作為「自然」現象作用於我的感官，它猶如蘭花，宛若雪花，而鮮花與冰雪的美離不開植物與大地的本源。

這種自動生成的方式徹底改變了影像的心理學。攝影的客觀性賦予影像以令人信服的，任何繪畫作品都無法具有的力量。不管我們用批判精神提出多少異議，我們不得不相信被摹寫的原物是確實存在的，它是確確實實被重現出來，即被再現於時空之中的。攝影得天獨厚，可以把客體如實地轉現到它的摹本上。最逼真的繪畫作品可以使我們更了解被描繪物的原貌，但是，不論我們怎樣雄辯，它終究不會像攝影那樣具有異乎尋常的威力，以博得我們的完全信任。

於是，在達到形似效果方面，繪畫只能作為一種較低級的技巧，作為復現手段的一種代用品。唯有攝影機鏡頭下的客體影像能夠滿足我們潛意識提出的再現原物的需要，它比幾可亂真的仿印更真切，因為它就是這件實物的原型。不過，它已經擺脫了時間流逝的影響。影像可能模糊不清，畸變褪色，失去紀錄價值，但是它畢竟產生了被攝物的本體，影像就是這件被攝物。相簿里一張張照片的魅力就在於此。這是些灰色的或黑色的幽靈般的幾乎分辨不清的影子，這不再是傳統的家庭畫像，而是能撩撥情思的人生的各個瞬間，它們擺脫了原來的命運，展現在我們面前，把它們記錄下來不是靠藝術魔力，而是靠無動於衷的機械設備效力。因為攝影不是像藝術那樣去創造永恆，它只是給時間塗上香料，使時間免於自身的腐朽。

其於這種觀點，電影的出現使攝影的客觀性在時間方面更臻完善。影片不再滿足於為我們錄下被攝物的瞬間情景（就像琥珀中數百年的昆蟲保存完整無損），而是使巴羅克風格的藝術從似動非動的困境中解脫出來。事物的影像第一次映現了事物的時間延續，彷彿是一具可變的木乃伊。

攝影影像具有獨特的形似范疇，這也就決定了它有別於繪畫，而遵循自己的美學原則。攝影的美學特性在於揭示真實。在外部世界的背景中分辨出濕漉漉人行道上的倒影或一個孩子的手勢，這無須我的指點；攝影機鏡頭擺脫了我們對客體的習慣看法和偏見，清除了我的感覺蒙在客體上的精神銹斑，唯有這種冷眼旁觀的鏡頭能夠還世界以純真的原貌，吸引我的注意力，從而激起我的眷戀。憑借著攝影技術創造出來的，我們不曾了解的或未能見到的世界的自然影像，大自然最終做到了不僅模仿藝術，還仿效藝術。

大自然的創造力甚至可以超過藝術家。畫家的美學世界與他周圍的世界是異質的，畫框圈出了一個實體上和本質上迥然不同的小天地。相反，印在照片上一物像的存在如同指紋一樣反映著被攝物的存在。因此，攝影實際上是自然造物的補充，而不是替代。

當超現實主義流派為了生出造型畸胎而求助於感光底片時，他們已經隱約地悟出了上述道理。因為對超現實主義來說，美學目的離不開影像對我們頭腦產生的機械效應。想像與現實兩者之間合乎邏輯的區別趨於消失。任何形象都應被感覺為一件實物，任憑任何實物都應感覺為一個形象。所以攝影曾經是超現實主義流派在創作中優先採用的技術手段，因為攝影取得的影像具有自然的屬性：一種真正的幻象。超現實主義繪畫使用製造逼真效果的技巧，並且注重細節的精確，這就是攝影術的一種反證。

顯而易見，攝影的出現是造型藝術中最重要的事件。它解除了困擾，又實現了夙願，使西方繪畫最終擺脫了現實主義的糾纏，恢復了自己獨特的美學。印象派的「現實主義」科學為借托，與製造逼真效果的技法截然對立；況且，只有不再注重外形的模仿時，色彩才能把外形淹沒。後來，在塞尚的作品中，堅實的形態重新進入構圖，但是，它畢竟擺脫了製造幻象的透視法的幾何學。由機械產生的影像與繪畫相頡頏，終於超過了巴羅克的形似，達到了與被攝物等同的水平，迫使繪畫本身也變成了攝影的對象。

既然攝影術使我們能欣賞到直觀上未必能惹人喜歡的原物摹本，又不妨礙我們去欣賞不必以大自然為參照物純畫作，從此，帕斯卡式的指責就毫無意義了。

此外，電影還是一種語言。

3. 2017一2019法國理論電影有那些

2017一2019法國理論電影有那些?在法國電影群里交流。

4. 誰能給我論述法國電影《玫瑰人生》的思想主題。著急要！！！

劇情介紹
琵雅芙，出生於1915年，本名為埃迪特·嘉斯森，她是一名雜技演員和一名街道歌手的女兒，童年家境貧寒，由街頭賣唱起家，最終登上紐約卡耐基音樂廳，成為一代香頌女王——法國最著名的流行歌手。夜總會老闆從道街角落裡發現了這名音樂奇才，並為其改名為拉·莫姆·琵雅芙(意為小雲雀)，琵雅芙是將多愁善感、幽默和嚴酷的現實主義極好地結合起來，她是法國傳統歌曲的化身。
影片再現昔日巴黎對手風琴的痴迷和當電影劇照(20張)時杯盤狼藉的夜總會情景。但是，琵雅芙自身故事的力量佔主導地位。她的生活中充滿浪漫和悲情，既有巴黎和紐約火爆狂歡的音樂會，也有一系列喧囂騷動的感情故事，以及遭遇死去孩子和愛人拳師邁克爾·希丹的飛機失事的巨大痛楚。
歌壇雙棲明星馬麗昂·歌迪亞飾演從20歲到47歲(去世)的琵雅芙，在影片《玫瑰人生》中你偶爾會聽到歌迪亞的歌聲，但是，大部分歌曲仍是琵雅芙的唱片演繹，或者由吉爾·艾格洛特(因為她們的聲音極為相似)演唱。
「香頌」，是法語「chanson」的音譯，同時也可以譯為尚松，意思是歌曲，從廣義上說，指法語世俗歌曲，通常有獨唱合唱等形式，內容五花八門、包羅萬象。如今在酒吧咖啡館所傳唱的那些復古懷舊的情歌和經典小資爵士樂曲已經成為香頌的代言。其實那隻是香頌的冰山一角，追溯其歷史，可謂源遠流長。
尼采說過，上帝獨獨只把天使的語言留給了法國人。誰說香頌不是天堂的聖音呢？人們愛它的柔情似水，愛語呢噥；戀它的浪漫情愫，朦朧慵懶。永遠都是悠悠慢慢，纏纏綿綿，扯著時光的衣裙，點上絲絲意蘊。聽著，唱著，在似夢似幻中舞亂了腳步身影。

5. 我如何看電影《四百下》

遼闊的大海在他眼前鋪展開來，安托萬繼續跑過沙灘，又踏進了海水。遠處的海浪慢慢地壓了過來，這時的他突然轉身向岸邊走來，茫然地望著前方……

對於法國著名導演特呂弗，我們中國觀眾最為熟悉的恐怕還是他在晚年拍攝的《最後一班地鐵》。這部影片當年在中國曾廣為放映，我們對它所表現的在嚴酷現實中的浪漫愛情和人性的尊嚴，巧妙的「戲中戲」結構，以及對男女主人公的出色表演，恐怕還記憶猶新。

特呂弗主張拍攝「作者電影」。他於1954年在《電影手冊》上發表的著名文章《法國電影的某種傾向》被稱為「新浪潮」的宣言書。他把矛頭直接指向「優質電影傳統」，並極力提倡「作者電影」。他指出：「在我看來，『明天的電影』較之小說更具有個性，如同一種信仰或一本日記那樣，是屬於個人和自傳性質的。」而《四百下》正是特呂弗理論主張的最佳體現。

影片《四百下》帶有特呂弗自傳的性質。特呂弗少年時的家庭及經歷與影片主人公安托萬極為相似。他因為經常逃學和離家出走，被父親送到警察局。正是法國著名電影理論家安德烈·巴贊把他從少兒管教所里解救出來，並引導他走上了電影之路。也正因如此，特呂弗差不多與巴贊建立了情同父子的關系。作為處女作的《四百下》的片頭就打上了「獻給巴贊」的字幕。影片以特呂弗自己少年時期的坎坷經歷為原型，通過平凡的日常生活和非戲劇化的、傾向於寫實性的敘事手法，步步深入地展現了小主人公孤獨、敏感、苦悶、叛逆的內心世界。

影片主人公有明顯的現代主義意味，顯然是一個現代主義文學藝術畫廊中極為典型的「孤獨者」、「多餘人」或「局外人」的形象。他的孤獨、叛逆、冷漠，都是現代主義毫無疑問的標記。影片雖然是以生活流和紀實性的手法把鏡頭對准一個尚不是十分成熟的少年，但因為由點到面地探討了一些具有社會普遍性和人性的普遍性的問題，如兩代人的隔閡問題、成年人對未成年人的專橫冷漠、人與人之間的難以溝通、以教育體制為代表的成年社會對青少年的壓抑和專橫，因而使表現主題具有一定的超越性和普遍性，能引起觀眾的共鳴。片名所謂的「四百下」是法國的一句俚語，意即胡作非為、無事生非、到處亂跑等，據說也是法國人用來在憤怒時表示抗議的口頭語。特呂弗用這樣的片名無疑表達了對社會的抗議和批判。

在藝術手法上，影片大量採用實景拍攝與自然光照明，紀實感很強。非職業演員的出演也增強了紀實效果。為了進一步增強影片的真實性，影片還使用了大量的長鏡頭拍攝。尤其是安托萬出逃後在海邊奔跑的一段，攝影機從球場開始，一直在側面跟拍。孤獨的小安托萬沖出足球場，穿過田野，跑過叢林，來到無疑象徵著自由的大海邊。他向大海跑去，但走投無路，海水又迫使他不得不回頭。轉過身來走向岸邊時，緊跟著安托萬、但原來一直是遠景鏡頭拍攝的攝影機突然一直向他推去並成為定格——影片到此結束。而小安托萬瞪著大眼睛、似乎在乞求著理解和寬容的面部大特寫，給觀眾留下了深刻難忘的印象，彷彿餘音裊裊，不絕如縷。

影片的對白非常精練，很多戲幾乎沒有對白而完全通過視覺畫面來敘事、抒情和表意，以至於有些評論家說《四百下》近乎「半默片」。這無疑更接近電影以影像為本體的本質。同時，導演也並沒有完全地純粹客觀，他毫不掩蔽攝影機的存在，活動攝影與靜止鏡頭的交替也形成了影片獨特的敘事張力。

（陳旭光）

6. 特呂弗電影作者論明確提出時間

1954年，特呂弗在《電影手冊》上發表了著名的《法國電影的某種傾向》一文，後來該文被一些人稱作「新浪潮」的宣言，文中特呂弗把電影分成「作者電影」和「優質傳統」兩種。...............有問題的話，再討論.....

7. 電影的作者是哪個國家

形成於20世紀50年代法國電影界的一種創作主張，又稱作者論或作者政策理論.其理論淵源，最早發端於法國著名導演亞.阿斯特呂克1948年發表的《攝影機—自來水筆，新先鋒派的誕生》一文.該文認為，電影已經成為一種具有獨特語言、可以自由表達思想和情感的工具，正如作家用筆寫作一樣，電影導演可以用攝影機來進行銀幕「寫作」。6年後，當時還是年輕影評家的著名法國導演弗.特呂弗，發表了針對當時陳陳相因的所謂「優質電影」而責難的《法國電影的某種傾向》一文，第一次明確提出了「電影作者」和「作者電影」的概念.嗣後數年中，「電影作者」與「作者電影」的觀念，得到「電影手冊派」評論家們的進一步闡釋和運用，從而發展成為一種高度肯定導演個性、貶抑流俗化創作現象的「作者」理論.「作者論」直接影響和助成了法國「新浪潮」電影的產生，並影響到其他國家的電影創作，為鼓勵藝術創新、提高導演在製片廠中的地位、減少廠方對創作的干擾起到了積極的作用.②泛指具有明顯個人風格特徵的影片，有時與「藝術電影」的具體含義有所重合。

8. 法國電影新浪潮的歷史演變

50年代中期，統治法國影壇的是相當老化的攝影棚影片，大部改變自19世紀小說，弗朗索瓦·特呂弗正面批判這種優質電影，從而引發大論戰。既然反對編劇的電影，反對建立在各部門嫻熟技能之上的優質電影，特呂弗推崇的是導演的重要性。他最喜歡的作者是讓·雷諾阿、羅伯特·布賴松、薩沙·基特里、雅克·塔蒂、馬克斯·奧弗爾斯、雅克·貝克、羅傑·林哈特或讓·谷克多。稍後至50年代末，新浪潮更明確的表達出另一種電影，更輕靈生動，用新攝影機在大街小巷拍攝，不再在設影棚中拍攝。新浪潮現象很快對全世界產生了影響。從巴西到波蘭，自捷克斯洛伐克至美國，都有青年影人效仿新浪潮掀起新電影。

9. 電影問題

「1954年，特呂弗在《電影手冊》上發表了著名的《法國電影的某種傾向》一文，後來該文被一些人稱作「新浪潮」的宣言，文中特呂弗把電影分成「作者電影」和「優質傳統」兩種」

（來自網路）

望採納

10. 《四百下》的導演是誰

對於特呂弗在電影方面所取得的成就，未來的歷史將會給他一個最為客觀的評價。

——法國著名電影評論家安德烈·巴贊

素有「電影狂人」之稱的法國電影大師弗朗索瓦·特呂弗，自他投身電影事業的那一天起，就始終以敢說敢為而著稱於世。但是與另一位電影大師讓-呂克·戈達爾所不同的是，他的所有言論都只與電影本身有關，而不是像後者一樣總是習慣於針砭時弊或是表達自己對於其他電影人的嘲諷甚至是蔑視。而這一區別，也使他始終以一種電影戰士的身份出現在世人的面前，並且始終受到後世電影人的尊敬與景仰。

1932年，特呂弗出生於法國的浪漫之都巴黎。他從小就喜愛文學和電影，並在少年時代就已經閱讀了大量的文學著作。這種勤奮好學的經歷，也使他成為日後法國電影導演中文學素養最為扎實的一位突出人物。少年時代的他曾經相當崇拜巴爾扎克，而且這位自稱用筆「完成了拿破崙用劍沒有完成的事業」的文學巨匠也在很長一段時間內都從精神上給了年幼的特呂弗以巨大的鼓舞，激勵著他在長大成人後去投身夢想中的文學事業。

15歲的時候，特呂弗在巴黎發起了大眾電影俱樂部。這個俱樂部的主要活動內容，就是聚合很多喜歡電影的青年一起對電影進行研討。這可以說是電影天才特呂弗走向日後輝煌的電影事業的一個良好開端。

1953年，21歲的特呂弗終於進入了法國農業部電影處，開始拍攝一些關於法國農業的科教紀錄片。這雖然多多少少地拉近了他與電影之間的距離，但顯然還是無法使他滿意。為了真正實現自己的電影夢，他很快就辭掉了這份工作，開始在法國著名影評人安德烈·巴贊，也就是被他譽為「精神之父」的這位人物的提攜下，成為著名電影評論雜志《電影手冊》的一名編輯。正是在巴贊的具體指導下，特呂弗才最終一步步地走向了電影這一讓他為之痴迷更為之瘋狂的廣闊天地。

在擔任編輯的這段時間里，特呂弗撰寫了那篇著名的理論文章《法國電影的某種傾向》。該文章後來也被視為是法國電影「新浪潮」的一個理論宣言，而其中對於那種僵化的、墨守成規的法國傳統電影所進行的嚴厲攻擊，以及極力提倡的那種個人化的電影拍攝方法及精神的觀點都在很大程度上受到了當時的讓-呂克·戈達爾和阿侖·雷乃等著名導演的大力推崇。但此時的特呂弗已經顯然不願意只是做個電影評論家了，他先是跟隨義大利著名電影導演羅西里尼學習電影導演技術，接著就在1959年執導了自己的第一部影片《四百下》，並一舉獲得了巨大的成功。影片以其樸素紀實的拍攝風格以及對於生活細節和心理活動的細膩描寫在電影界引起巨大的轟動，並由此掀起了轟轟烈烈的法國「新浪潮」電影運動。也正是由於這部曠世傑作的問世，才使得法國電影徹底改變了其原來的僵化局面，並最終促成了世界電影的多元化發展。

從此，特呂弗幾乎完全放棄了電影評論，開始專門進行電影導演的創作工作。直到他於1984年去世之前，他幾乎每年都要執導一部影片，在整個電影生涯中共執導了23部影片，其中包括《槍擊鋼琴師》、《柔膚》、《阿黛爾·雨果的故事》、《最後的一班地鐵》和《朱爾和吉姆》等經典之作，同時也因此獲得了無數令人艷羨的至高榮譽。

事實上，在特呂弗的很多經典佳作中，他都以自己極為敏感的藝術觸覺和天才般的領悟能力，常常把影片中人物的感情推向一個相對極端的處境中，並藉此來安排和講述人物的命運，從而展現人性最深處的所有善惡與美醜。他對於處在婚戀中的人的精神狀態的描寫和揭示，甚至有著比心理醫生還要深刻和生動的准確把握，讓人在欣賞影片的同時，不由得對這位似乎洞察一切的藝術大師心生由衷的欽敬與嘆服。

除此之外，特呂弗還特別擅長發掘許多與他合作過的法國女演員身上的獨特之處，並通過自己的鏡頭將她們的至情至性展露無遺。法國電影史上最為著名的眾多女演員，如凱瑟琳·德諾芙、伊莎貝爾·阿佳妮、娜塔麗·貝依、讓娜·莫羅、弗朗索瓦·多萊亞以及芬妮·阿爾丹等人，都曾經和特呂弗有過十分愉快的合作。他也在這樣的一種合作過程中，在自己創造出的那一方銀幕上永遠地留下了這些可以說是法國乃至歐洲最迷人、最漂亮的女人們的絕代風華。

縱觀一代電影大師特呂弗的整個電影生涯，他確實可以說是一位真正的獲獎大戶和常勝將軍，他的影片不僅先後獲得了法國戛納國際電影節大獎、美國奧斯卡最佳外語片大獎等50多項世界級的重大獎項，而且無論是在藝術成就以及商業價值上也都取得了非常值得驕傲的巨大成功。他的這種在藝術與商業二者之間來去自如、俯仰皆是的非凡能力，也遠遠地超過了在法國電影「新浪潮」運動中脫穎而出的其他導演。

1984年，這位在世界電影史上縱橫馳騁了近30年的一代大師，在他的妻子、法國著名電影演員芬妮·阿爾丹的陪伴和安慰下，永遠地離開了這個世界，離開了他為之傾注了畢生的愛與精力的電影事業。