泰國電影的起源

Ⅰ 泰國恐怖片什麼時候起源的

泰國電影近年來在世界影壇異軍突起，而為之稱道的泰國恐怖電影則是恐怖界的一株奇葩。如果從分類上來看，泰國恐怖片理所當然從屬於東方恐怖片，不同的是泰國恐怖片融合了自身的宗教信仰以及民俗風情的背景，說教意味更濃於單純尋求靈異玄虛的日韓恐怖系列。[1]
中文名
泰國恐怖片
外文名
Thailand horror film
拼 音
tai guo kong bu pian
目錄
1 簡介
2 主題思想
3 細節獲取
4 音樂
5 發展
6 泰國恐怖片排行榜前十名

簡介編輯
恐怖片通過對觀眾視覺、聽覺等方面的刺激來釋放現代社會中人們所承受的壓力及恐懼，作為一種類型電影，泰國恐怖片以其顯著的佛教文化元素在世界恐怖電影中呈現出獨特的風格。泰國特有的風俗習慣和民族文化充滿了神秘色彩，這與其佛教背景是密不可分的：泰國由30多個民族組成，其中泰族占人口總數的40%。佛教是泰國的國教，90%以上的居民信仰佛教，可以說，泰國是一個以小乘佛教為民族信仰來建構的現代國家。泰國的風俗習慣、文學藝術、建築等幾乎都和佛教有著密切關系，根植於這樣一個佛教氣息濃厚的國家，泰國恐怖片也自然會潛移默化地受到影響。因此泰國恐怖片在場景設置上異於其他恐怖片之處主要體現在其建築風格上。

泰國寺廟 (4張)

泰國建築受佛教影響深刻，常帶有多層屋頂以及高聳的塔尖，用木雕、金箔、彩色玻璃等鑲嵌裝飾，門口多有身著金縷衣的佛像。泰國傳統的民居在整體上仍然採用寺廟的重疊式多層屋頂結構，但顯得更加樸素簡潔，且多位於水上。泰國曼谷民居多採用木製或竹製結構的干欄式建築，屋面陡峭，四周出檐，連續的室內實間與平台或庭院聯接，地板的標高按照房間的私密性來定，地板的逐漸抬高，表示人逐步進入最私密的房間，用以強調劃分空間的層次感，樓梯和廚房置於室外。這種獨特風格的建築，常常能增添恐怖感。當人處於一所層此錯落的木製建築中，不知道前面通向哪個房間，腳下的每一步都伴隨著地板上發出吱吱呀呀的聲音，再加上有的民居建在水上，更增添一種孤獨無依感，頓時，一種恐懼從心而生，就算是沒有鬼的出現，估計也會讓人有牙齒發抖的感覺吧。

主題思想編輯
泰語民族自古以來就信仰祖先，並且在佛教傳入以後依然保持。他們認為祖先死後會化成幽靈，變成保護神保護他們。所以，泰語民族家裡有家神，村寨有寨神。泰國的佛教傳統不斷發揚，漸漸形成了泰國人信神、信佛的獨特民族文化心理。這種民族文化心理，使得泰國恐怖片在主題的設置上也與其他國家存在不同之處。與中國的大乘佛教不同，泰國人信奉小乘佛教。它們之間的區別在於，大乘佛教不僅可以自度，還可以度人；小乘佛教只能自度，濟不得別人。因此，泰國恐怖片在某些方面體現出來的理念就會和其他恐怖片有所不同。例如，降頭，鬼俯身，是怨恨的一種釋放方式，而且一旦開始就不能停下，除非遵從一種出路，但這種出路往往又是常人所不能接受的，由此產生了矛盾，片中人物也會十分痛苦。這跟中國的恐怖片有相同之處，但又有所不同，中國人似乎更痛恨巫蠱之術，所以一般要不就是因為貪財而喪命，要不就是罪惡之人才會做出這種行徑。但泰國人似乎更注重怨恨自身的釋放，即使這種方式看來很不道德，或者說很不正當。在影片《609猛鬼套房》中，女主角因為愛情的背叛而死，冤魂一直不肯散去，不論是泰國本國的佛教徒，還是外國的牧師，都無法將其收服。影片晟終以男主角的死並永遠與女主角在一起而告終。
佛教為泰國人塑造了道德標准，使之形成了崇尚忍讓、安寧和愛好和平的精神風范，因此，泰國恐怖片在整體風格上還是比較接近亞洲，表現手法並不像歐美那樣直白，而是比較注重懸疑氣氛的營造。在整體構思上。「迴旋」的特點比較突出，常常是一環套一環，銜接十分緊密。[1]

細節獲取編輯
泰國是一個受佛教影響極其深刻的國家，這種影響涉及到泰國人生活的方方面面。例如，泰國人見面打招呼，總是在胸前做雙手合十的姿勢；又如，泰國人去寺廟，總是習慣手裡拿上一小圈串花，來虔誠地祈禱。這些與佛教有關的風俗習慣，也成為泰國恐怖片中不可或缺的細節。這里主要從舞蹈和護身符兩方面來敘述。古典舞是泰國舞蹈藝術的精華，源於印度南部叫「卡達卡利」的一種宗教舞蹈，有約300多年歷史。泰國古典舞與其古典音樂聯系緊密，經常在宗教活動、紀念典禮中出現。泰國舞者的服飾，顏色艷麗，頭冠酷似佛像的頭冠，採用象徵尊貴的金色。舞者在泰國很受尊敬，而舞者自己也以這一身裝束為榮。在電影《嚇死鬼》中，電影學院的學生婷為協助警方辦案，不得不熟悉被害人明的基本情況，早日抓住殺害明的兇手。於是婷開始了解身為舞者明的一些情況，包括她的舞蹈動作，她的舞蹈服飾等等，而明的冤魂恰恰就遺留在她的頭冠上。本來就帶有宗教神秘色彩的頭冠，又跟冤魂結合在一起，使這種神秘色彩得到極大渲染，吸引了觀眾的注意，讓觀眾懷著既好奇又緊張的心情不斷看下去。這些細節上的精心設置也成為影片的一大亮點。 另外，泰國人對護身符的狂熱追求也被納入恐怖元素中。泰國有這樣的諺語：「人類永遠不能超越自然」、「自然給所有東西生命」。泰國人推崇自然，覺得自然是最大的力量，超自然力量在泰國很流行，因此他們對護身符保持著狂熱的情緒。這種方式是異於日本和美國的，「日式恐怖」帶有強烈的宿命感，將鬼更多地融合在靈魂深處，不認為自己高它們一等，更多時候，人在鬼的面前毫無能力，只能順從和妥協，最終成為其犧牲品；「美式恐怖」更相信人的力量，他們認為鬼都是邪惡的，相信通過自己的能力，總能戰勝鬼魂。相比之下，泰國恐怖片的這種特點，與中國香港的恐怖片有相似之處，但又有所不同，香港恐怖片側重於對冤魂亡靈的超度，從而解脫自己：而泰國恐怖片更側重於有超自然力量的出現來解救自己。所以，在影片《鬼營》中我們可以看到，有的隊員在丟失了自己的信物以後是如此慌張，有的膽小的隊員在進入房問後不斷地在牆上和地上畫滿桃符。生活中的一些風俗習慣，在恐怖電影中，也成為了獨特風格的構成要素。[1]

音樂編輯
泰國的文化藝術，是非常有特點的。這些文化多由宮廷文化演變而來，其主要目的是服務於佛教。「泰式恐怖」也成功地將這些元素融合其中，尤其是在影片的配樂上，形成了自己獨特的風格。一部優秀的恐怖片，不僅能給觀眾以視覺上的沖擊，在聽覺上也應該有所取勝。從某種程度上來說，聲音有的時候比畫面更能生出恐怖的氣氛，這也就是為什麼「張震講鬼故事」如此火爆的原因了。聲音的獨特作用對於一部好的恐怖片是必不可少的。泰國的古典音樂，既不用12平均律音階，也不用5聲音階，而是一種獨特的7平均律音階，即將一個8度劃分為7等分，然後由這7個等音程構成的音階。因而乍聽泰國的古典音樂，會有種音律迴旋的古怪感覺。泰國的古典音樂和佛教有很大關系，在宗教儀式，傳統儀式和節目上，都要演奏古典音樂。所以，一般的寺廟都會有自己的樂隊。一個樂隊中，鼓手是非常重要的，在泰國，如果一個樂隊沒有鼓手，那麼這個樂隊就會面臨解散的命運。《鬼鼓》就是一部圍繞古典音樂展開的影片。樂團中的鼓手空缺。每個人都想獲得這項榮譽。曾被大家看好的鼓手人選卻輸給了新來的後輩，於是他教唆樂隊中其他人投靠別的樂隊，背叛了自己的師傅。最終，隱藏在鼓中的靈魂用死亡來懲罰了他們的背叛。這部影片的劇情似乎比較老套，但音樂卻是其中的亮點，尤其是兩個樂團在斗樂的時候，極具震撼。同時，泰國古典音樂的切分節奏和7平均律音節相結合的獨特的音樂風格又為影片增添了神秘詭異之感，彌補了劇情上的落入俗套，充分體現和展示了不同於其他的「泰式恐怖」。[1]

發展編輯
泰國的鬼片其實主要針對的市場在東南亞，電影基礎較薄弱。但是近幾年來泰國的鬼片相當之猛烈，而且我們所看到的泰國恐怖片的製作水準又相當高，身為恐怖電影中的「後起之秀」，泰國恐怖片還比較稚嫩，但各種新奇的恐怖事件是我們在日本人和韓國人的作品裡所沒見過的，而且泰國自身的文化底蘊所蘊涵的關於民俗，宗教又是相當之豐富。相信，借用自己擁有的「佛教光環」，融合自己獨特文化，泰國恐怖片會在恐怖電影事業中擁有自己的一席之地。[1]

Ⅱ 泰國有哪些不錯的歷史片

泰國的電影在中國的評價一直不高，不知道是歷史原因還是其他什麼原因但有一部《暹羅王後》在中國還是表現不錯的。

觀賞感受

看這部電影是一個偶然，第一次看的時候我是在一個無聊的下午躺在沙發上，一邊咬著蘋果，一邊更換頻道電視里畫面飛快的閃現，直到暹羅王後片頭出現之後，我被裡面的畫面吸引，才放棄了更換頻道的打算。
觀看這部電影首先要了解一下泰國的文化，這個片子我看過兩遍，給人感覺非常的震撼，我知道的泰國電影在中國好評的沒有幾個，這部算是一個了。這部電影取景很美，把美麗的泰國拍攝的非常好，在刻畫偉大女性的方面也比較獨特，通過幾個簡單的事情就把一個偉大的泰國女性描繪得豐滿與傳神。公主在和別人面對愛情時，也和普通人一樣在面對國家大義的時候作出了犧牲，泰國女性的善解人意和寬厚胸懷表露無遺。

Ⅲ 泰國一部恐怖片到最後發現只是一個游戲

《十三駭人游戲》
《13》是一場神秘、競爭激烈的游戲，贏家將可獲得一億元。這些幸運的參賽者，都是來自在家庭、愛情和金錢上遭遇困境的平凡人，假如他們能完成十三個任務，將可獲得連作夢都不敢想的巨額獎金。這些

13駭人游戲 (11張)
任務將逐步挑戰人類各方面的極限，從愛情、宗教甚至於道德價值觀。

一開始好像很簡單，但是隨著游戲的進行，難度越來越高，直到最後，簡直是在挑戰參賽者是不是還有人性。
每一個任務都有必須遵守的規則，如果失敗了，參賽者就會消失，游戲進行時，只有三個限制：
一、不能任意放棄；
二、禁止去探查游戲的起源；
三、不能告訴別人自己在玩這個游戲。
描述Phuchit（或譯作"奇"）這位參賽者，如何為了獲得獎金，不惜犧牲朋友、家庭甚至生命的過程…
劇中十三個游戲任務
阿奇參加的《13》游戲給他的十三個任務為：

第一關：用地上的報紙打死一隻蒼蠅。（累積獎金一萬銖）
第二關：將打死的蒼蠅吞掉。（累積獎金五萬銖）
第三關：弄哭幼稚園里的三個小孩。（累積獎金十萬銖）
第四關：搶走流浪漢乞討的錢。（電影中無提及獎金,但實際是二十萬銖）
第五關：在高級中式餐廳里吃光一盤人的大便。（累積獎金五十萬銖）
第六關：把行動電話給一個精神不穩定的人，然後撂倒公車上的無賴，搶走他的電話。（累積獎金八十萬銖）
第七關：在十分鍾內，將困在井底的老周救起來，並通知他的家人來收屍。（累積獎金一百二十萬銖）
第八關：用標示八號的鐵椅，打昏穿著八號外套的人（阿奇前女友的現任男友）。（電影中無提及獎金）
第九關：找出醫院中的關系人，並逃出警察的追捕（一個在805號房的老太婆，也是片頭過馬路的老太婆）。（累積獎金一千萬銖）
第十關：老太婆需要什麼就照做（造成了「曬衣繩殺人事件」，一群飆車族因急速賽車而來不及剎車被曬衣繩劃掉半個頭顱而死）。 （電影中無提及獎金）
第十一關：拿起屍體堆中的武士刀，有兩種選擇：殺了絆腳石（意外得知游戲存在的他的同事桐(Tong)）；或者，殺了絆腳石的狗警告她不要妨礙游戲（阿奇選擇了後者）。 （累積獎金四千萬銖）
第十二關：殺死牛，並且取出牛腸里的鑰匙。 （累積獎金九千萬銖）
第十三關：殺死房間中坐在輪椅上的人（阿奇的父親，小時經常虐待阿奇）。（累積獎金一億銖）。

Ⅳ 電影起源於什麼時候拜託了各位 謝謝

美國無聲電影 1893年，T.A.愛迪生發明電影視鏡並創建「囚車」攝影場，被視為美國電影史的開端。1896年，維太放映機的推出開始了美國電影的群眾性放映。 19世紀末20世紀初，美國的城市工業發展和中下層居民迅速增多，電影成為適應城市平民需要的一種大眾娛樂。它起先在歌舞游樂場內，隨後進人小劇場，在劇目演出之後放映。 1905年在匹茲堡出現的鎳幣影院(入場券為5美分鎳幣)很快遍及美國所有城鎮，到1910年每周的電影觀眾多達3600萬人次。當時影片都是單本一部的，產量每月400部，主要製片基地在紐約，如愛迪生公司、比沃格拉夫公司和維太格拉夫公司。1903年E．S．鮑特的《一個美國消防員的生活》和《火車大劫案》，使電影從一種新奇的玩藝兒發展為一門藝術。影片中使用了剪輯技巧，鮑特成為用交叉剪輯手法造成戲劇效果的第一位導演。 電影收益高，競爭激烈。1897年，愛迪生即為爭奪專利進行訴訟，到1908年，成立了由愛迪生控制的電影專利公司，公司擁有16項專利權。到1910年，電影專利公司壟斷了美國電影的製作、發行和放映。獨立製片商為擺脫專利公司的壟斷，相繼到遠離紐約和芝加哥的洛杉機郊外小鎮好萊塢去拍片，那裡自然條件得天獨厚，又臨近墨西哥邊境，一旦專利公司提出訴訟便可逃離。D．W．格里菲斯1907年加入比沃格拉夫公司，次年導演了第一部影片《陶麗歷險記》。至1912年已為該公司攝制了近400部影片,把拍片重心逐漸移向好萊塢，並發現和培養了許多後來的名演員，如M.塞納特、M.壁克馥和吉許姐妹等。 第一次世界大戰前夕，鎳幣影院逐漸被一些條件較好的電影院所代替；電影專利公司的壟斷權勢逐漸消失，終於在1915年正式解體。此時以格里菲斯為代表的一批新的電影藝術家已經出現。製片中心也從東海岸移到好萊塢。第一次世界大戰不同程度地破壞和損害了歐洲各國的電影業，卻促成了美國電影的勃興。美國電影源源不斷地涌人歐洲市場。到第一次世界大戰結束時，已經建立起在歐洲的霸權地位。 導演格里菲斯、T.H．英斯和塞納特對美國早期電影的發展作出了貢獻。C.卓別林於1914年拍攝了第一部影片《謀生》，立即吸引了全世界觀眾。1919年，卓別林、D.范朋克、壁克馥3位著名演員和格里菲斯一道創辦了聯美公司，以發行他們獨立製作的影片。20年代，美國影片生產的結構從以導演為中心逐步轉化為以製片人為中心的體制。「製片人中心」模式形成了20年代的「明星制度」，各大公司均擁有一批明星。除卓別林、范朋克和璧克馥外，先後成名的還有R.「胖子」亞布克爾、T.巴拉、J.和L.巴里摩爾兄弟、L.查尼、吉許姐妹、M.馬許、T.米克斯、G.史璜遜、J.基爾伯特、G.嘉寶、B.基登、N.希拉、H.勞埃德和早逝的R.范倫鐵諾。 「好萊塢」此時己成為「美國電影」的同義語。由於在明星制度鼎盛時期有些明星的行為不檢點招致公眾的抨擊，美國電影業成立了「美國製片人與發行人協會」，在W.H.海斯的主持下這一組織制訂了「倫理法典」，以便在審查影片時剔除其中不合乎美國公眾道德觀念和生活方式的情節、對話和場面。這就是著名的海斯法典，它對美國電影的約束一直延續到1966年。

Ⅳ 簡述電影的發展和起源

電影，也稱映畫。是由活動照相術和幻燈放映術結合發展起來的一種現代藝術。是一門可以容納文學戲劇、攝影、繪畫、音樂、舞蹈、文字、雕塑、建築等多種藝術的綜合藝術，但它又具有獨自的藝術特徵。電影在藝術表現力上不但具有其它各種藝術的特徵，又因可以運用蒙太奇這種藝術性極強的電影組接技巧，具有超越其它一切藝術的表現手段，而且影片可以大量復制放映。
1895年，法國的奧古斯特盧米埃爾和路易盧米埃爾兄弟，在愛迪生的 「電影視鏡」和他們自己研製的 「連續攝影機」的基礎上，研製成功了「活動電影機」。「活動電影機」有攝影、放映和洗印等三種主要功能。它以每秒16畫格的速度拍攝和放映影片，圖像清晰穩定。1895年3月22日，他們在巴黎法國科技大會上首放影片《盧米埃爾工廠的大門》獲得成功。同年12月28日，他們在巴黎的卡普辛路14號大咖啡館里，正式向社會公映了他們自己攝制的一批紀實短片，有《火車到站》、《水澆園丁》、《嬰兒的午餐》、《工廠的大門》等12部影片。盧米埃爾兄弟是第一個利用銀幕進行投射式放映電影的人。史學家們認為，盧米埃爾兄弟的拍攝和放映活動已經脫離了實驗階段，因此，他們把1895年12月28日世界電影首次公映之日即定為電影誕生之時，盧米埃爾兄弟自然當之無愧地成為 「電影之父」。

Ⅵ {蛇降}2011泰國電影到底講的是什麼意思啊

是講人性的陰暗面...開始正義的男主角，原來最後為了活命也背叛了戀人....中間還有許多情節都是.....

Ⅶ 有關電影的起源的問題

電影是起源於美國。在一八八八年，愛迪生開始研究活動照片，而當伊斯曼發明了連續底片後，愛迪生立刻將連續底片買回來，請威廉甘乃迪和羅利狄克生著手進行研究。到了第二年的十月，迪克生提出研究的結果，他將之拍攝成會活動的馬，這就是電影史上最早攝影的成功。成功之後的迪克生，繼續埋首更深的研究，一八九０年，他用能活動的圖片申請到專利，這些活動圖片每秒鍾能拍四十張，這就是現代影片的鼻祖。
1907年，導演弗朗西斯·伯格斯帶領他的攝制組來到洛杉磯，拍攝《基督山伯爵》。他們發現，這里明媚的自然風光、充足的光線和適宜的氣候是拍攝電影的天然場所。1910年代初，導演大衛·格里菲斯被Biograph公司派到西海岸來拍電影，他帶著麗蓮·吉許、瑪麗·璧克馥等演員來到了洛杉磯。他們後來想尋找一塊新的地盤，於是向北出發，來到了一個熱情的小鎮，那就是好萊塢。Biograph公司發現此地條件不錯，於是在回紐約前又陸續拍了好幾部電影。漸漸許多業內人士都知道了這塊寶地，到好萊塢的電影劇組越來越多，美國電影業移師好萊塢的大轉移開始，好萊塢向成為電影之都邁進。
1911年10月，一批從新澤西來的電影工作者在當地以為攝影師的帶領下，來到一家叫布朗杜的小客棧，他們將租到的客棧改裝成一家電影公司的樣子。這樣，他們創建了好萊塢的第一家電影製片廠——內斯特影片公司。

Ⅷ 電影來源

電影來源解釋： CAM CAM是指在電影院偷錄的版本。一般採用數碼攝像機拍攝，有時使用小型的三角架，但是絕大部分時候這是不可能的做到的。因此攝像機常常抖動。而且因為中間的位置不會總是空著，所以有時只能從某個角度進行拍攝。如果處理得當的話，一般察覺不到拍攝角度的存在，除非銀幕上有字母出現，不過很多時候在銀幕頂部和底部留有三角形的邊界。CAM版的聲音是由攝像機自帶的話筒錄制，因此常常會聽到觀眾的發出的聲音，特別是喜劇片的時候，笑聲會很明顯。因為以上這些原因，CAM版的圖像和聲音質量都非常差，不過也有一些幸運的時候，比如整個影院非常空，那樣信號就會很清晰一些。 TELESYNC(TS) TS版和CAM版差不多，區別是TS版採用了外部的聲源（一般是座椅上為聽力不好的觀眾准備的耳機插座）。直接的聲源不能保證聲音的質量，因為中間夾雜了很多的背景雜音。大部分時候，TS版是在很空的影院或者在放映間內使用專業攝像機拍攝的，這使得圖像質量更好。TS版的總體品質范圍很大，參差不齊，在下載前最好查看一下Sample。很大一部分的TS版其實是CAM版，只是發布人貼錯了標簽。 TELECINE(TC) TC版是從膠片直接進行數字拷貝。聲音和圖像質量應該是很不錯的，但是由於所用設備和費用問題，TC版很少見。TC版的熒幕縱橫比通常是正確的，有時4：3的也有。一個很好的例子就是當年的侏羅紀公園3。不要把TC和TimeCode（時間碼）相混淆，後者是整個電影放映中一個可見的計數器。 SCREENER(SCR) SCR是在正式發布VHS（家庭影音系統）卡帶之前送到租賃店等地用作促銷目的的。screener是通過VHS卡帶提供的，通常是4：3的全屏縱橫比，有的時候也有letterbox（16:9 的影像顯示在 4:3 的屏幕，或 4:3 的影像顯示在寬屏幕上）的。SCR主要的缺點是ticker（在銀幕下方滾動出現的含有版權信息和反盜版的電話號碼的字幕）。而且，如果帶子里含有序列號，或者其他能追蹤到卡帶來源的記號的話，這些信息必須被屏蔽掉，一般是在上邊打個黑斑。這些信息一般只出現很短的時間，但是不幸的是有的拷貝上會持續整部電影那麼久，而且有的字還特別大。SCR的質量也是參差不齊的，如果從原版拷貝製作，SCR的影音質量會非常優秀；但如果是從翻錄拷貝，使用老式的VHS錄像機通過質量糟糕的錄制設備製作的話，效果也會非常差，使用的設備是很重要的。大部分的SCR轉成VCD格式；有時也有轉成SVCD的，看起來效果好一點。 DVD-SCREENER(DVDscr) 和前面提到的SCR類似，但是是從DVD轉制的。通常是letterbox的，但部包含零售版DVD里有的花絮。ticker有時不在黑色邊界里，所以可能會影響觀看。如果轉錄人員技術好的話，DVDscr質量應該是不錯的。通常專成SVCD或DivX/XviD格式。 DVDRip DVDRip是從最終的發行版DVD拷貝的。如果可能的話也有從預售版拷貝的（比如星戰前傳2）。DVDRip的質量是很相當高的，通常發布為SVCD或DivX/XviD格式。 VHSRip 從零售VHS轉制的，錄制並編碼成數字格式。由於一些電影尚未發布DVD，很多組織專門從事發布這樣的VCD電影拷貝。內容以滑冰/體育和XXX為主。 TVRip 電視節目片斷，可來自網路（最好是捕捉自數字有線電視/衛星電視）或者是接受自衛星在幾天前向電視網路預先發送的電視節目信號（沒有頻道圖標但有時有雪花等錯誤信號）。PDTV是通過數字TV PCI卡錄制的，通常效果最好，各發布組織一般採用SVCD發布。VCD/SVCD/DivX/XviD rips都可能用來發布電視節目。 WORKPRINT (WP) WP是未完成電影的拷貝。可能有場景和音樂缺失，影音質量從極好到很爛都有。有的WP與最終的發布版有非常大的區別（比如黑衣人，當中所有的外星人都沒有製作上去，只看到演員），而有的則可能有最終版沒有的場景（比如Jay and Silent Bob）。WP可以作為擁有高質量的最終版電影後的附加收藏。 DivX Re-Enc DivX Re-Enc的來源是VCD原盤，然後重新編碼成小的DivX格式的文件。大部分是在文件共享者之間傳遞，通常被標以類似「Film.Name.Group(1of2)」的標簽。發布的組織通常是SMR和TND。DivX Re-Enc不值得下載，除非你只是想對某部電影大概了解一下，想要一份大概200MB的拷貝。通常不要理會DivX Re-Enc。 Watermarks 很多影片來自Asian Silvers/PDVD（見下一條），而這些電影帶有負責人的標簽。通常在銀幕一角里標有字母/縮寫或一個小的logo。最為著名的Watermark是「Z」，「A」和「Globe」 。 Asian Silver 亞洲盜版商發布的影片，經常被很多組織購買去作為自己的東西發布。Asian Silver非常便宜，在很多國家都很容易得到，發布也很簡單，所以現在很多見，主要都是來自一些小一點的組織，這些組織發布了一些片子就解散了。Asian Silver 通常是以VCD格式拷貝的預發布的或者從未發布過的電影。 PDVD PDVD通常是由電影盜版商售賣的，一般是Asian Silver或TS版拷貝的電影，編碼成DVD格式，質量有起伏。在全球許多國家都有，價格非常低廉。

Ⅸ 電影起源分幾步

世界電影的產生和發展
（一）十九世紀30年代，電影開始了它的誕生前的技術准備期，也叫做發明期。
早在1829年，比利時著名物理學家約瑟夫普拉多發現：當一個物體在人的眼前消失後，該物體的形象還會在人的視網膜上滯留一段時間，這一發現，被稱之為「視象暫留原理」。普拉多根據此原理於1832年發明了「詭盤」。「詭盤」能使被描畫在鋸齒形的硬紙盤上的畫片因運動而活動起來，而且能使視覺上產生的活動畫面分解為各種不同的形象。「詭盤」的出現，標志著電影的發明進入到了科學實驗階段。1834年，美國人霍爾納的「活動視盤」試驗成功；1853年，奧地利的馮烏卻梯奧斯將軍在上述的發明基礎上，運用幻燈，放映了原始的動畫片。
攝影技術的改進，是電影得以誕生的重要前提，也可以認為攝影技術的發展為電影的發明提供了必備條件。早在1826年，法國的W尼埃普斯成功地拍攝了世界上第一張照片「窗外的景」，曝光時間8小時。而在初期的銀板照相出現以後，一張照片縮短至30分鍾左右，由於感光材料的不斷更新使用，攝影的時間也在不斷縮短。1840年拍攝一張照片僅需20分鍾，1851年，濕性珂珞酊底版製成後，攝影速度就縮短到了1秒，這時候 「運動照片」的拍攝已經在克勞黛特、杜波斯克等人的實驗拍攝中獲得成功。1872年至1878年，美國舊金山的攝影師愛德華慕布里奇用24架照相機拍攝飛騰的奔馬的分解動作組照，經過長達六年多的無數次拍攝實驗終於成功，接著他又在幻燈上放映成功。即在銀幕上看到了駿馬的奔跑，受此啟發，1882年，法國生理學家馬萊改進了連續攝影方法，試製成功了「攝影槍」，並在另一位發明家強森製造的 「轉動攝影器」的基礎上，又創造了「活動底片連續攝影機」，1888年9月，他把利用軟盤膠片拍下的活動照片獻給了法國科學院。
在1888-1895年期間，法、美、英、德、比利時、瑞典等國都有拍攝影像和放映的試驗。1888年，法國人雷諾試制了 「光學影戲機」，用此機拍攝了世界上第一部動畫片《一杯可口的啤酒》。1889年，美國發明大王愛迪生在發明了電影留影機後，又經過5年的實驗後，發明了電影視鏡。他將攝制的膠片影像在紐約公映，轟動了美國。但他的電影視鏡每次僅能供一人觀賞，一次放幾十英尺的膠片，內容是跑馬、舞蹈表演等。他的電影視鏡是利用膠片的連續轉動，造成活動的幻覺，可以說最原始的電影發明應該是屬愛迪生的。他的電影視鏡傳到我國後被稱之為 「西洋鏡」。
1895年，法國的奧古斯特盧米埃爾和路易盧米埃爾兄弟，在愛迪生的 「電影視鏡」和他們自己研製的 「連續攝影機」的基礎上，研製成功了「活動電影機」。「活動電影機」有攝影、放映和洗印等三種主要功能。它以每秒16畫格的速度拍攝和放映影片，圖像清晰穩定。1895年3月22日，他們在巴黎法國科技大會上首放影片《盧米埃爾工廠的大門》獲得成功。同年12月28日，他們在巴黎的卡普辛路14號大咖啡館里，正式向社會公映了他們自己攝制的一批紀實短片，有《火車到站》、《水澆園丁》、《嬰兒的午餐》、《工廠的大門》等12部影片。盧米埃爾兄弟是第一個利用銀幕進行投射式放映電影的人。史學家們認為，盧米埃爾兄弟所拍攝和放映已經脫離了實驗階段，因此，他們把1895年12月28日世界電影首次公映之日即定為電影誕生之時，盧米埃爾兄弟自然當之無愧地成為 「電影之父」。
（二）1896-1912年，電影從幼年期迅速成為一種藝術
早期的電影，還沒有脫離剛剛誕生的痕跡，它以雜耍和魔幻術的姿態，使人們感到新奇。從《火車到站》、《膝行的人》到《水龍出動》、《水龍救火》、《撲滅大火》、《拯救遭難者》等影片，盧米埃爾創造了最早的新聞片、旅遊片、紀錄片、喜劇片等影片樣式。盧米埃爾電影最突出的特點是紀實性，它直接拍攝真實的生活，給人以身臨其境之感，成為寫實自然主義電影風格的開路先鋒，形成了電影的紀實性傳統。盧米埃爾的生活紀實短片在持續放映了一年半時間以後，人們的興趣就在明顯的減弱，以至最後再也無人問津了，這不能不說是時代的局限和自然主義的局限造成的。但剛起步的困境，並沒有影響電影的大勢所趨，另一位法國電影先驅喬治梅里愛應時而出，他使電影從一種紀實性的「活動照相」(亦稱運動畫面)導向了藝術電影，為電影的發展作出了許多創造性的貢獻。
作為機械師，梅里愛製造了一整套機關、機器和舞台道具；作為畫家，他製造了無數個布景和服裝；作為魔術師，梅里愛運用了豐富的想像力，創造了許多新的特技；作為作家，他不斷創造出新的劇本；作為演員，他是他節目中的重要角色；作為導演，他懂得怎樣設計和調動一個小劇團。喬治薩杜爾在《世界電影史》中說：「梅里愛天才的特徵，在於有系統地將絕大多數戲劇上的方法如劇本、演員、服裝、化妝、布景、機關裝置以場景的化分等等，應用電影上來。」他在這方面所取得的經驗，直到今天還以各種形式保留在電影中。
梅里愛以照相的特技代替了舞台上的機械裝置，同樣，由於無聲電影的需要，梅里愛也特為演員們發明了一種新的演技。這種演技雖和啞劇的演技有所不同，但著重誇張，突出手勢，因為它非常注意動作，而對面部表情極不重視。影片《灰姑娘》是梅里愛戲劇電影的代表作，這部取材於歐洲著名童話故事的影片，巧妙地運用了諸種特技手法，把南瓜變成車子；把老鼠變成了馬車夫，對於特技攝影的開創性運用，是梅里愛對於電影的又一個貢獻。
1902年，梅里愛根據儒勒凡爾納和HG威爾斯的兩部有名科幻小說編導了著名的科學幻片《月球旅行記》。這是他的高峰作，在電影史上產生了深遠影響。影片描述了一群身著星相家服裝的天文學家到月球上去旅行的奇幻故事。他們來到一座奇怪的機器製造廠，一些漂亮的女海員搬來一個大炮彈狀的飛行器，當天文學家坐進去後，他們被反射到了月球。天文學家們從飛行器里出來，欣賞了月球火山口附近平原的奇妙風光；他們還受到了由美女扮演的星神們的歡迎。天黑以後，他們從夢中被凍醒，就鑽進了一個大洞窟里，在裡面看到了月亮神、巨型蘑菇和各種稀奇古怪的東西。幾經危險周折，他們又乘炮彈飛行器飛回地球，經過海底奇異的旅行，在一座雕像的揭幕典禮中結束。梅里愛對電影藝術的貢獻，使電影在成為一門獨立的影像視聽藝術的道路上向前邁進了一大步。
在這一時期，不能不提到的是拍攝了《火車大劫案》的鮑特。鮑特在《火車大劫案》中第一次用14個場景來構成一部電影，而在此之前的梅里愛的影片都是從頭到尾一個鏡頭。《火車大劫案》第一次使用多場景來構成電影(嚴格說來它還不算真正的電影，因為那時候沒有鏡頭變化)。鮑特的影片里有了特寫，電影史上很有名的鏡頭就是讓手槍對著觀眾，在影片里已經初步嘗試，但是，對這種鏡頭的美學功能，它的作用還根本沒有任何有意識的認識，所以這只是一種自發的開始走向電影藝術的一個階段。
在無聲電影階段，對電影發展做出了巨大貢獻的是美國的格里菲斯、卓別林和蘇聯的愛森斯坦。
1908年，大衛格里菲斯加入了愛迪生公司，一開始時當演員，後來當導演。從1908年到1912年間，他共導演了大約四百部影片。在《孤獨的別墅》中，他創造了「平行蒙太奇」，標志著電影已完全擺脫了舞台劇的束縛，電影的時空得到了極大的擴展。
這時期美國出現的布賴頓學派對電影藝術的發展也起到重要的作用。布賴頓學派的代表威廉保羅在《彼卡德里馬戲團的摩托車表演》中成功運用了移動攝影。威廉遜還在《中國教會被焚化》首次成功使用了追逐和救援的戲劇式場面，以劃分兩頭的交切手法造成劇情的漸次緊張，給其後的驚險片特別是美國的 「西部片」開了先河。布賴頓學派的另一位代表人物GA史密士在《祖母的放大鏡》和《望遠鏡中的景象》中，同一場景交替使用了最初的真正的蒙太奇形式，特寫和遠景相結合手法的交替使用對電影語言的開拓與應用作出了貢獻。此外，布賴頓學派的柯林斯和哈橋梁爾分別拍攝了《礦工的生活》與《煤礦爆炸慘案》、《囚犯的越獄》等真正描寫現實生活的影片。這一時期，被稱為世界上第一座電影城的法國萬森市，被譽為「世界電影首都」，擁有「百代」「高蒙」兩大電影製片公司。1903至 1909年也因而被稱為世界電影史的「百代時期」。
1908年，世界上第二座影城——好萊塢也在拍攝《基度山伯爵》時初具雛形。其時，只不過是攝影師湯馬斯伯森斯和導演弗蘭西斯鮑格斯共同搭建的一個小小的攝影棚，直到1913年才形成規模。
（三）1913-1926年，無聲電影走向成熟
梅里愛在完成他第430部影片之後，於1913年退出影壇，最後慘死在街頭。一代巨匠在為電影藝術的發展做出巨大的貢獻之後，就這樣靠別了世界。梅里愛的衰落和好萊塢的興起，標志著電影已告別了它的幼年時期，而進入了成熟期階段。
格里菲斯在1915年以藝術家的勇氣拍攝出了世界電影史上的經典無聲片《一個國家的誕生》，在1916年又拍攝了《黨同伐異》。這兩部被譽為電影藝術的典基之作，標志著電影成為藝術的起始，是美國電影史上的里程碑，是當時電影水平的最高境界，也是世界電影史上的兩部經典之作。
格里菲斯的不朽功績是突破了梅里愛時期戲劇電影若干陳舊的陋習。作為第一人，在拍片時，他讓攝影機移動起來，極大地豐富了電影語言，開創性地使用了「特寫」、「圈入」和「切」的手法，又使蒙太奇成為電影藝術的重要組接手段。在梅里愛的特技攝影和英國布賴頓學派對蒙太奇的早期發現的基礎上，格里菲斯創造了平行蒙太奇的交替蒙太奇。在《一個國家的誕生》里，他充分運用了他發展的特技和蒙太奇語言，影片集中體現了當時歐美電影藝術探索的成果。這部影片在廣闊宏偉的歷史場景中，較好地發揮了電影藝術時空的跳躍自如的特性，同時體現了蒙太奇多線對比、交替的作用。全片由一千多個鏡頭組接而成，不同景別的轉換使用，靈活多變的攝影技巧，是格里菲斯在電影史上的大膽創造。在影片中，近景及特寫等不同景別的組合運用，和諧、變換，各得其所。如大遠景，他用來表現兩軍對峙交火的戰爭場面；特寫，他用來表現人物的細部動作。在拍攝三K黨信馬飛馳的場面時，格里菲斯將攝影機安裝在卡車上，追逐奔馬進行跟拍，取得了緊張、逼真、生動別致的畫面效果。一年後的《黨同伐異》也是標志格里菲斯畢生成就的影片，沖破了古典戲劇的「三一律」限制，創造了開拓銀幕時間、空間的「多元律」。影片將不同時代的事件加以排比和集中，極大地豐富了電影語言，又豐富並發展了平行蒙太奇語言。這部精典巨作，以其疏密相間的節奏，溢彩流光的畫面，移動攝影的美感，宏偉開闊的大膽構思，在電影史上佔有重要地位，促進了電影藝術的發展。
這一時期，電影成為藝術已有公論；另一方面，這一時期，電影已經成為一種企業，電影到此時才有了真正的藝術作品。美國喜劇電影大師查爾斯卓別林，也是無聲電影時期傑出的電影藝術家。1914年，編導了第一部影片《二十分鍾的愛情》。接著，《陣雨之間》又問世，在這部影片中，第一次出現了流浪的夏爾洛的形象。1917年的《安樂街》里，夏爾洛形象顯示了逼人的光輝。《夏爾洛從軍記》一片標志著卓別林表演藝術的成熟。1919年，他自己集資建廠，成了好萊塢第一個真正獨立製片的藝術家。20年代，他拍攝了一批以《淘金記》為代表的著名影片。卓別林一生有80部喜劇電影作品，其中《王子尋仙記》、《大獨裁者》、《凡爾杜先生》、《摩登時代》和《淘金記》等代表作具有永久魅力。卓別林電影的最大特色是：具有鮮明的現實感和尖銳的諷刺性及雅俗共賞的大眾化特色。薩杜爾先生對其作品作了如下評論：「卓別林的影片是唯一能為貧苦階級和最幼稚的群眾所欣賞。同時又能為水準最高的觀眾和學識淵博的知識分子所欣賞的影片」。
蘇聯的著名電影大師謝蓋愛森斯坦是無聲電影時期為蒙太奇理論的建立與發展作出舉世矚目的重要貢獻的傑出代表。 1924年，他導演了第一部影片《罷工》，創造性地使用了雜耍蒙太奇，把沙俄軍警屠殺工人鏡頭和屠殺牲畜的鏡頭組接在一起，使之交替出現，造成了怵目驚心的隱喻。1905年，他導演了世界電影史上最傑出的史詩式的無聲片《戰艦波將金號》，成功地在影片里表現了俄國1905年革命。該片曾多次在國際電影評選中獲獎。影片中著名的敖德薩階梯的場面、段落，已成為影響幾代電影藝術家的經典性範例。1927年，他還導演了《十月》。 愛森斯坦的貢獻在於對蒙太奇理論地闡述和藝術實踐，使之成為一個完整的美學體系。愛森斯坦的藝術特點在於將格里菲斯創造的平行蒙太奇技巧向前推進了一大步；善於運用特寫表現事物的內涵；利用鏡頭的交切形成蒙太奇節奏，揭示人物的內在情緒；充分發揮了蒙太奇的隱喻功能 ，形成「詩電影」的傳統。
（四）1927-1945年，電影作為一種藝術走向成熟
1927年是電影史上具有劃時代意義的一年。《爵士歌王》影片的誕生標志著有聲電影時代的來臨，同時也是電影走向成熟期的標志。聲音使電影由單純的視覺藝術，發展成視聽結合的銀幕藝術，實現了電影史上的一次革命，極大發展了電影的本性，為電影藝術開拓了新的天地。有聲電影從問世到推廣，大約用了五、六年的時間，原因有認識上的、經濟上的和技術上的。特別是一批有名的電影藝術家，留戀無聲電影時期的美學原則，過多挑剔了剛問世的有聲電影的一些弱點。但是，隨著電影藝術家對聲音控制運用能力的增強，以及錄音設備、技術條件的改善，有聲電影才得以正常的發展。
聲音進入電影之後，蒙太奇不僅是畫面組合，同時也擴展至聲畫的對位或對立，因而豐富了蒙太奇的內涵手段。有聲電影取代無聲電影，是符合電影發展的客觀規律的，也是有其客觀必然性的，因為有聲電影的誕生標志著電影走向藝術真正發達的時期。1933年以後，由於技術的進步，電影製作中同期錄音得以改為後期錄音，電影攝影又變得靈活而富有生氣了。同時，蒙太奇理論和手法都有了較大的發展。蘇聯電影大師普多夫金在拍攝《逃兵》一片時，就曾用聲畫對位和對立的配音方法來加強影片效果，使觀眾耳目一新。
1935年，馬摩里安攝制了世界上第一部彩色故事片《浮華世界》。彩色膠片的發明，使得電影藝術又進入了一個新的發展階段。聲音和色彩促使電影更趨近於自然。有的電影創作家，在一部影片中交替使用彩色片和黑白片，因而收到了特殊的藝術效果。
彩色電影的問世，標志著電影從誕生發展達到了完善成熟的發展時期，從此電影藝術進入了新的發展階段。
（五）1946-1959年，電影藝術進入了重要的發展時期
這一時期，世界電影呈現多頭並進的曲折發展時期。美國電影在戰後一段時間里，在世界各地受到了冷遇；戰後的蘇聯及其東歐國家形成四足一方，大體沿著社會主義現實主義的傳統軌道緩慢發展。藝術創作受教條主義和庸俗社會學的影響，少有突破和進展。這一時期，蘇聯的一些電影工作者拍攝出了一批有感情沖擊力的戰爭片和有一定形象感染力的人物傳記片。如《青年近衛軍》、《攻克柏林》、《易北河會師》、《米丘林》、《茹科夫斯基》、《海軍上將烏沙科夫》。在斯大林逝世後，蘇聯電影在"解凍文學"的思潮影響下，開始走出僵化的模式。繼1957年卡拉托卓夫《雁南飛》以後，蘇聯電影便出現了再度大發展的局面。西歐的電影大國，如英、法、德、意，構成當時四足並立的另一極。戰爭留下的陰影和經濟困難的制約，西方電影進入特殊的時期，在困難和對手挑戰下，不僅沒有委縮，反而刺激了西歐現實主義電影的繁榮發展。在東方，主要是日本、中國、印度的電影出現了長足的新發展，並先後進入了世界大國之列。日本電影在東方起步較早，二戰期間日本電影步入歧途，而戰後不久便獲得新生。尤其在1950年黑澤明的《羅生門》以後，日本電影引起了世界的關注。印度電影在三十年代開始也有了較好的狹窄的發展。進入本時期後，印度電影因受義大利、法國和蘇聯電影的影響，逐漸從追求豪華的音樂歌舞片而轉向現實。1953年，拉基卡普爾導演的《流浪者》和比麥爾洛埃的《兩畝地》等影片標志著印度電影的新面貌。在1955年，印度影片產量達285部，僅次於日本成為世界第二位。現在，印度電影每年產量多達700部左右，成為世界電影產量第一大國。
這一時期世界電影史上有著重要影響的是義大利的新現實主義電影。新現實主義電影中心代表人物是義大利《電影》雜志反法西斯影評家巴巴羅桑蒂斯和柴蒂尼等。出身於新聞記者和作家的年青導演是他們的響應者，主要包括：德西卡、羅西里尼、維斯康蒂、利薩尼、莫切里尼等。他們要求建立一種現實主義的、大眾的和民族的義大利電影。他們的口號是：「還我普通人」；「把攝影機扛到大街上去」。他們十分重視作品的真實，盡可能使場景和細節具有照相性的逼真誠，基本上利用外景和實景拍攝；不大注重講究文法，不強調蒙太奇剪輯；主張啟用非職業演員，演員在表演中可以即興對話。其代表作品主要有：《羅馬11時》、《偷自行車的人》、《游擊隊》、《警察與小偷》、《大地在波動》、《橄欖樹下無和平》、《米蘭的奇跡》等。新現實主義電影的特點是取材大都是義大利的真實生活的紀實性寫照。新現實主義電影在五十年代中期衰落，但對推動電影藝術的發展，是起到極其重大的作用的。
（六）1960年至今，世界電影從突破創新中走向多樣化發展
繼義大利「新現實主義」電影之後，世界電影史上又出現了規模巨大的第三次革新運動。這次電影運動始於法國，自1959年新浪潮興起，法國電影出現了一條全新的、有效的打破商業電影壟斷製片的道路。新浪潮的口號就是不要大明星，打破明星制度，不要花大價錢拍豪華影片，影片要接近生活等等。這股浪潮蔓延到了全世界，許多國家都出現了新浪潮。「新浪潮」電影運動是一個留下較多實績，在世界電影發展過程中產生深遠影響的電影運動。這次電影運動以反傳統為旗幟，以非理性為基本特徵，是對戲劇化電影更大的一次沖擊。這次電影運動以夏布羅導演的《漂亮的塞爾傑》和《表兄弟》公映起始，特呂弗《四百下》，阿侖雷乃《廣島之戀》在戛納電影節引起轟動為開端。其電影藝術特徵是：影片呈現全新風格、意識流和閃回鏡頭為一些創作人員常運用的表現手段，情節鬆散，眾多生活事件無邏輯地以無技巧手法編輯在一起，表現人物的潛意識活動，缺乏結構上的完整性。
新浪潮後期影片，現實主義完全被拋棄，影片陷入到狂亂、神秘和頹廢的泥坑。其非理性、非情節化的傾向愈演愈烈，導致不久就衰落了，但由於聲勢浩大，且敢於突破創新，所以，在電影史上的影響是巨大的。它既確立和強化了導演的中心地位，又進一步發掘了電影的特性，豐富了電影的語匯，推動了這一時期電影的全球性的大發展，真正形成了電影題材的多樣化、電影樣式的豐富化和電影思潮與流派的多樣個性化。
這一時期全世界的電影事業出現較大的發展。就連拉丁美洲、遠東、阿拉伯世界和黑非洲電影都有了可觀的發展，而過去巴西、阿根廷、墨西哥在世界電影史已佔有一席之地，在這段時期，又有了新的發展，智利、古巴、玻利維亞等國電影也有了新的發展。這一時期，香港電影發展到充斥著整個中南亞電影市場，並影響著整個大陸的局面。所以，本時期世界電影已由過去的四足分立並進變成了全球性大發展。
世界電影發展中有兩個名詞必須要談，一是好萊塢，一是奧斯卡。
上文談到1913年好萊塢電影城初具規模，實際上當1908年攝影師湯馬斯伯森斯和導演弗蘭西斯鮑格斯來到這兒拍攝《基度山伯爵》時，這里還只是美國西海岸洛杉磯郊外的一個小村，這個小村風光秀麗，景色宜人，之所以被稱為好萊塢，意即常青的橡樹林。
自1913年建立以來，這里聚集著派拉蒙、米高梅、福斯、環球、華納等大製片公司，支配著影片的生產以及全世界影片的上映和發行，同時，也吸引著世界各地的導演和演員去那裡拍片和表演，成為美國繁華的電影城市。
好萊塢是美國電影出品的主要基地，據有人統計，生產的影片可以分為75種類型，其中我們較熟悉的有偵破片、西部片、歌舞片、喜劇片、驚險片、科幻片、抒情片，這些製片公司在電影方面大量投資，使電影事業在美國成為一種大規模的工業，取得了世界電影的霸主地位。
好萊塢攝制的影片完全是以票房價值收入為指導原則，製片人關心的是如何多賺錢，要求「把光打在有錢的地方」，「把鏡頭對准觀眾崇拜的面孔」。因此，好萊塢的影片一般都能在商業上獲得巨大成功。這些影片十分講究戲劇性，編織各種人在各種生活中的各種遭遇，結構緊湊、曲折，人物性格復雜、獨特，情節常有誤會、巧合；富有傳奇、浪漫色彩，具有極大的刺激性和觀賞性，能夠滿足要求娛樂的感官體驗和心理需求。
第一部在好萊塢拍攝的電影史根據大仲馬的原著改編的無聲影片《基督山伯爵》，那是1908年在好萊塢的荒野上搭建的一個簡陋的棚子里拍成的。有些人把1913年影城好萊塢的奠基年，這年由派拉蒙公司在好萊塢建立了一個初具規模的攝影棚，並有當時美國東部大導演西帛.地迷爾來此拍攝《通婚著》一片，攝影棚也由此再次擴建，所以人們將這作為好萊塢的誕辰載入史冊。
三四十年代是好萊塢的黃金時代，其間推出了不少傳世佳作，如《亂世佳人》、《蝴蝶夢》、《魂斷藍橋》以及喜劇大師卓別林的傑作《摩登時代》、《大獨裁者》等，這些影片不僅被奉為好萊塢的經典之作，而且也為世界電影史冊增添了輝煌的一頁；世界觀眾並由此熟悉了那些在銀幕上塑造了一個個性格鮮明的人物形象的明星：卓別林、鮑嘉、蓋博、泰勒、勞倫斯、瓊.芳登、英格麗.褒曼等。
隨著資本主義經濟的畸形發展，好萊塢也受過種種危機，通貨膨脹，製片成本大幅度提高，以及電視業的競爭，觀眾審美觀的改變，一度使好萊塢走向低谷。有的公司因此虧損，有些公司乾脆搞多種經營，變攝影棚為旅遊、展覽區。直到70年代，製片商們採用了歐洲的製片人制度，才使好萊塢走出低谷。同時，製片商還引進新的科學技術，創造了立體聲、寬銀幕等電影形式；有的廠家與電視化敵為友，使好萊塢也躋身於電視界，並由此使影視事業走向繁榮。
至於奧斯卡，眾所周知，每年的三四月間，太平洋之濱的美國名稱洛杉磯音樂中心影星薈萃，他們在這里參加由美國電影藝術與科學學院舉辦的奧斯卡金像獎的頒獎典禮。這一年一度的頒獎盛典，不僅是美國電影界的一件大事，也是世界影壇上的一件令人矚目的事情。
在美國，最為著名的電影藝術獎由兩種，一是外國記者頒發的金球獎，另一種是奧斯卡金像獎。比較而言，金像獎更為人們所津津樂道，因為它是美國電影界的最高榮譽，一旦獨占鰲頭，便馬上身價百倍，因此，此項大獎的競爭頗為激烈。
為什麼金像獎命名為「奧斯卡」呢？這還得從金像的設計說起：金像的造型本由米高梅公司的美工師塞德里克.吉木斯構思而成，後由青年雕塑家喬治.斯坦利於1928年完成塑像的製作。這尊金像的主體是一個男人站在一盤電影膠片上，手中緊握戰士的長劍，身長34.5厘米，重3.45公斤，由銅為主的合金鑄成。因塑像呈金色，故稱之為金像獎。得名奧斯卡是在1931年，頒發金像獎之時，說來也純屬偶然：當年頒獎前夕，評審委員會的成員在一起評論金像，當時的藝術與科學院的圖書管理員瑪格麗特.赫里奇仔細地端詳了金像後，情不自禁地叫到：「呀！他看上去真象我的叔叔奧斯卡。」於是，藝術與科學院的工作人員便稱金像為奧斯卡，這個名稱也從此聞名全球了。