英語老電影特點

Ⅰ 推薦幾部適合學英語的電影

以下是幾部適合學英語的電影推薦：

1. 《超能陸戰隊》：

   • 類型：迪士尼經典動畫電影。
   • 特點：影片講述了天才少年小宏與治療型機器人大白之間的感人故事，情節緊湊，畫面精美。
   • 學習價值：影片中的英文台詞豐富，如「Hello，I am Baymax, your personal healthcare companion」等，有助於增加英文短語積累。

2. 《冰雪奇緣》：

   • 類型：迪士尼動畫電影。
   • 特點：影片顛覆了傳統王子和公主的愛情故事，著重強調姐妹之情，主題曲優美動聽，畫面令人陶醉。
   • 學習價值：影片中的英文台詞如「Love is putting someone else’s needs before yours」等，能夠提升對英語情感表達的理解。

3. 《賽車總動員》：

   • 類型：皮克斯經典電影。
   • 特點：影片通過賽車「閃電」麥昆的成長歷程，展現了友情和團隊合作的重要性。
   • 學習價值：電影中的對話貼近日常生活，有助於學習地道的英語表達和了解美國文化。

這些電影不僅具有娛樂性，還能在觀看過程中提升英語水平，特別是英文台詞的積累和理解。建議結合英文字幕觀看，以達到更好的學習效果。

Ⅱ 十部最好練英語的電影 關於英語電影的介紹

1、Love Actually《真愛至上》聖誕節必備佳片，一部充滿了驚喜時刻的感人電影。由十個發生在聖誕節前夕的獨立小故事串聯而成，講述了「愛無處不在」。而且故事的情節簡單，對話內容生活化，適合英語小白入門學習。

2、Dead Poets Society《死亡詩社》一個不同尋常的老師基汀帶學生們在校史樓內聆聽死亡的聲音，反思生的意義 ；讓男生們在綠茵場上宣讀自己的理想；鼓勵學生站在課桌上，用新的視角俯瞰世界。老師自由發散式的哲學思維讓學生內心產生強烈的共鳴，他們漸漸學會自己思考與求索，勇敢的追問人生的路途，甚至違反門禁，成立死亡詩社，在歲汪山洞裡擊節而歌！

3、Room《房間》非常非常棒的一部電影，女主也憑借這部電影奪得奧斯卡最佳女主。電影講述的是女主被當做性奴，被囚禁了7年，帆茄這期間生下了兒子小傑克，而傑克從未離開過這個鐵皮房間，對整個世界的認知就是這個房間。最後母子被解救之後， 在重新融入社會中時，小傑克承擔起了安撫媽媽的角色，幫助媽媽走出陰影。電影最感人的片段，就是最後傑克再一次回到這個鐵皮小屋，看到自己「兒時的夥伴」——馬桶，盆栽，洗手盆.... 小傑克一一和小夥伴告別的時候，真的眼淚止不住往下掉，因為這個大人們所恐懼的房間，卻是傑克的整個童年，電影對白也非常簡單易學，畢竟男主只是個5歲小孩啊，單詞量也不多，哈哈。

4、The Big Short《大空頭》這部電影講述的是2008年華爾街金融危機時，在大家都在虧錢的時候，有一群人卻提前看到了危機，賺得盆滿缽滿。這部電影也入圍了奧斯卡，高曉松在曉松奇談里也力薦這部電影。也非常推崇有一定英語基礎的同學學這部電影，畢竟，現在金融和我們每個人息息相關。沒有金融背景的同學不用怕，這部電影可以把金融知識用各種花哨的方式，給你講明白，還是挺難得的。

5、Alice in Wonderland《愛麗絲夢遊仙境》這是一部大家都很熟悉的童話故事改編的電影，對白很簡單，單詞也不難，電影中所說的是英式英語，很好聽。大家可以兩部一起學習，可以更好的掌握裡面的單詞和句子。《愛麗絲夢遊仙境》是一部很經典的童話故事，改編的這部電影也很適合小白學英語，建議大家看完電影可以再去讀一讀英文原版書，對自己的英語也會有很大的提高。

6、Little Miss Sunshine《陽光小美女》7歲的奧利芙，戴眼鏡，小肚腩，卻堅信自己有朝一日能當選美國小姐；熱衷推銷成功學的爸爸，一事無成還瀕臨破產；立志要當飛行員的哥哥，為表決心9個月不開口說話；舅舅是一個失戀兼失業，自殺又未遂的同性戀；爺爺，被養老院趕出來的老流氓，沉迷毒品和黃色雜志；媽媽，似乎是這個瘋狂家庭唯一還正常的人。為了支持奧利芙參加「陽光小美女」選美比賽，大家決定開車900英里去加州。於是，這一家人踏上了集體尋夢的旅程，跌跌撞撞，滑稽惹笑地開著那輛破舊不堪的巴士駛向未知的前方……

7、Big Fish《大魚》愛德華生性熱愛自由，成年之後，他選擇離開家鄉，踏上了環游世界的旅程。一路上，愛德華遇見了各種各樣稀奇古怪的角色，經歷了無數精彩絕倫的的冒險，而他日後最大的興趣，就是向他人喋喋不休的重復講述他的這一段奇幻旅程。威爾是愛德華的兒子，他並不相信父親所講述的那些光怪陸離的故事，甚至對此感到無比厭煩。婚後，他同父親中斷了聯系，一晃眼就是數年過去。當再次得到愛德華的消息之時，威爾才知道父親即將不久於人世，他決定去見愛德華最後一面。然而，這一次，威爾終於發現了隱藏在這些故事背後的奧秘和真相。

8、Wonder《奇跡男孩》奧吉是一個10歲的男孩，除了頭戴一個巨大的太空頭盔外，他和其他的同年齡孩子別無二致。頭盔下隱藏了奧吉因為各種手術而傷痕累累的臉龐，它不僅完美的隱藏起了奧吉脆弱自卑的內心，也成功的防止了奧吉的模樣嚇到別的孩子。?奧吉沒乎轎仔有上過學，他的所有文化知識都是母親伊莎貝爾在家教授給他的。然而，伊莎貝爾漸漸感覺到，家庭課堂無法滿足奧吉的成長需要，除了學習知識，奧吉還必須學會的，是如何同除了家人以外的人交流。在憂慮重重之中，伊莎貝爾將奧吉送入了一間公立學校里，在那裡，奧吉面臨的是他人生中必須要戰勝的挑戰。

9、Pride & Prejudice《傲慢與偏見》是由簡奧斯丁著名小說改編的影片，不得不說導演的選角真的很厲害，女主完全演出了故事裡的樣子，從一開始見面的互相看不順眼，到達西先生的雨中告白，故事更加告訴女生不要因為別人的喜好和眼光放棄做真正的自己。該片也非常適合練習英語聽力，除了部分因角色需要語速比較快，大部分角色語速適中。而且大部分是非常標準的英式發音，比較推薦。

10、The Intern?《實習生》影片中不乏對職場生態和規則的展現：朱爾斯的秘書每天工作14小時也沒能得到上司的重任，在本面前崩潰流淚；朱爾斯將全部業餘生活獻給了事業，卻面臨董事會對其能力的質疑，和丈夫的背叛……本用自己的人生智慧開導著身邊的人，我們也總能透過他的視角在影片中發現共鳴。是一部非常值得看的電影，也會對大家的職場有所啟發。

Ⅲ 試分析美國電影各發展階段的特點

一、起源

有記錄的第二張捕捉並再現運動的照片記錄為埃德沃德·邁布里奇在加利福尼亞的帕羅奧多拍攝的一組奔馬照片。在拍攝時，他將一組靜止的照相機擺於一排。他的成就促使各地的發明家開始嘗試製作類似功能的裝置，以捕捉此類運動。

在美國，托馬斯·阿爾瓦·愛迪生就是最早開始製作這類裝置的人之一，他製成了活動電影放映機，但由於該裝置的專利實施很嚴格，致使早期的電影製作人只能尋找替代品。

在美國，最初只是在輕歌劇的間歇為許多觀眾放映電影。企業家的各種電影展示活動，促使了戲劇性電影製作的首次世界范圍性的嘗試。

在美國電影業發展的早期，紐約是電影製作的中心。位於皇後區的考夫曼·阿斯托里亞製片廠（Kaufman Astoria Studios）創建於無聲電影時期，那時馬克思兄弟和費爾茲（W. C. Fields）在那裡工作。

此外，曼哈頓的切爾西也是電影製片的主要場所。奧斯卡最佳女主角瑪麗·畢克馥的很多早期電影也是在這個地區拍攝的。但是，因一年四季的宜人氣候，好萊塢成為電影拍攝的更佳選擇。

二、好萊塢的崛起

在1910年初，美國電影放映機與傳記公司（American Mutoscope and Biograph Company）派導演大衛·格里菲斯帶著他的演員團隊到西海岸去拍攝電影，演員包括巴蘭徹·斯威特（Blanche Sweet）、呂倫居殊、瑪麗·碧克馥、萊昂納爾·巴里摩爾等。

他們在洛杉磯市中心喬治亞街附近的一個空曠外景地開始了拍攝。當時，公司又決定開發新地區。於是他們又向北前進了幾英里，到達好萊塢。當時還是小村莊的好萊塢，非常願意讓電影公司在那裡拍電影。

之後，格里菲斯完成了在好萊塢拍攝的第一部電影。這部電影叫做《在古老的加利福尼亞》（In Old California），是一部傳記式情節劇，描述18世紀初的加利福尼亞，當時還隸屬於墨西哥。美國電影放映機與傳記公司的人員在好萊塢呆了數月，又繼續拍攝了幾部電影，才返回紐約。

當時是1913年，在聽說了該公司在好萊塢取得的成功後，很多電影製作公司也紛紛向西挺進，以避免托馬斯·愛迪生的電影製作工藝的專利費。在加利福尼亞的洛杉磯，電影公司和好萊塢同步發展起來。第一次世界大戰前，電影僅能在幾個美國的城市完成。

但隨著電影業的發展，電影製作公司被吸引到加利福尼亞南部，因為那裡氣候溫和、陽光明媚，一年四季都可在戶外拍攝，那裡還有各種各樣的布景。雖然電影（特別是美國電影）的起始點眾說紛紜，但是格里菲斯於1915年拍攝的史詩電影《一個國家的誕生》，成為全世界第一個電影詞彙，至今仍在膠片史上占據重要地位。

在20世紀早期，當媒體還是新事物的時候，很多猶太移民在美國電影業中找到了工作，並留下了自己的足跡：在臨街的五分錢劇院（Nickelodeon）中放映電影短片（劇院取此名是因為當時的門票價格為五分錢）。

一些年後，其中有抱負的電影人，如塞繆爾·戈爾德溫、威廉·福克斯、卡爾·拉姆勒、阿道夫·朱克爾（Adolph Zukor）、路易斯·B·邁爾（Louis B. Mayer）和華納兄弟（即哈利、亞伯特和傑克）紛紛轉到電影製作上，很快就成為了新型企業，即電影公司的巨頭。

（當時還有一位身兼女導演、也是製作人和電影公司巨頭的人物愛麗絲·蓋·布蘭琪（Alice Guy-Blaché））他們為電影業的國際化奠定基礎；不過美國電影業常被指責為以美國為中心的偏狹觀念。

一戰後，一些歐洲導演恩斯特·劉別謙、阿爾弗雷德·希區柯克、弗里茨·朗、讓·雷諾阿，以及演員魯道夫·范倫鐵諾、瑪蓮娜·迪特里茜、羅納德·考爾曼和查爾斯·鮑育（Charles Boyer）等電影人紛紛來到美國。

他們加入了一個演員的自我發掘時代——在有聲電影誕生後，紐約城劇院的演員紛紛加盟了這個20世紀最受矚目的發展行業。20世紀40年代中期，電影行業達到高峰期——美國影院每年上映約400部電影，每周有近9000萬美國民眾前去影院觀看。

「威廉·海斯拯救美國電影業」，出自美國漫畫家賽勒斯·亨格福德（Cy Hungerford），1922年

20世紀20年代後期，有聲電影在好萊塢逐漸升起。1927年，首部有聲電影《爵士歌手》使用維他風唱片機，同年5月，西方電氣公司旗下分部電器研究產品有限責任公司（簡稱ERPI）在電影配音方面獲得壟斷權。

有聲電影一方面的影響就是許多無聲電影演員接不到工作，因為他們多數人的嗓音糟糕或是記不住台詞。1922年，美國政客威廉·哈里森·海斯（Will H. Hays）離開政壇，組建了前身為電影製作室組織的美國電影製片發行商協會（MPDAA），該協會在其退休後改為美國電影協會。

有聲電影的發展早期，美國的電影製片廠發現他們的有聲作品不為非英語國家的電影市場所接受，甚至在其他的英語國家中也遭到冷遇，原因是那時的同步配音技術仍相當不成熟。解決辦法之一是製作與之對應的外文版好萊塢電影。

1930年左右，美國公司在法國橋連城建立了一家電影製片廠。多個不同的電影攝制組在那裡分時工作，他們使用相同場地，穿著相同服裝，甚至絕大部分的場景也是相同的。國外的失業演員、劇作家、選秀比賽中的優勝者經過篩選後被派往好萊塢去拍攝好萊塢英語電影對應的非英語版電影。

這些版本的電影的拍攝預算不高，由二流的只會講英語的美國導演執導，通常在晚上拍攝。西班牙語攝制組中包括了路易斯·布努埃爾，恩里克·嘉蒂耳·彭塞拉（Enrique Jardiel Poncela），莎維爾·庫加（Xavier Cugat）和埃德加·內維列（Edgar Neville）等人。

一些外文版的好萊塢電影絕對可以和它們的原聲版相媲美，西班牙文版的《驚情四百年》就是其中一。到了20世紀30年代中期，同步配音技術已經發展得相當成熟了，外文配音就變得很尋常了。

三、好萊塢的黃金時代

所謂好萊塢「黃金時代」，是指從1920年代末，即無聲電影時代末期，至1950年代末這段時間。成千上萬部電影在此期間產生。其開始標志是1927年出品《爵士歌手》，其中音效的使用不僅結束了無聲電影時代，同時也增加票房收入。

不管是西部片、鬧劇、音樂劇、動畫片還是傳記片，好萊塢影片幾乎都遵循一個模式——每個電影公司出品的電影，都有自己特定製片團隊。

例如，塞德里克·吉本斯（Cedric Gibbons）和赫伯特·史托哈特（Herbert Stothart）效力於米高梅電影公司，艾佛瑞·紐曼在二十世紀福克斯電影公司工作了20年，賽西爾·德米爾的電影大多由派拉蒙電影公司製作，而導演亨利·金（Henry King）的電影則大多由福克斯出品。

同時，人們根據影片中的演員陣容就可以大致猜出該部電影的出品公司，米高梅聲稱「旗下的電影明星比天堂里的還要多」。每個電影公司的電影題材和獨特風格也使得人們猜到每部電影的出品公司——這一現象在今已不復存在。但是每部電影都與其他電影有著些許區別。

不像汽車製造者，拍攝電影的人都是一些藝術家。譬如，1944年的電影《逃亡》（To Have and Have Not）之所以出名，並不僅僅是因為男一號的扮演者亨弗萊·鮑嘉和勞倫·巴爾考，而且是因為這部電影的劇本出自兩位諾貝爾文學獎作家：電影原著小說作者海明威和該劇本改編者威廉·福克納。

在整個1930年代以及黃金時代的大部分時間里，米高梅主宰著電影市場，並擁有大量好萊塢超級明星。同時，米高梅也因創造了好萊塢明星制而備受好評。

米高梅的明星包括「好萊塢之王」克拉克·蓋博、萊昂內爾·巴里莫爾、珍·哈露、諾瑪·舒利亞、葛麗泰·嘉寶、珍妮特·麥克唐納（Jeanette MacDonald）及其丈夫金·雷蒙德（Gene Raymond）、斯賓塞·屈賽、朱迪·加蘭以及金·凱利。

在這一時期美國電影業取得的另一個偉大成就是華特迪士尼公司。1937年，迪士尼製作了當時最成功的電影，《白雪公主與七個小矮人》。1939年，米高梅創作了歷史上最成功的電影——《亂世佳人》，盡管在大蕭條時期，這部電影仍然是史上票房最高的。

很多電影歷史學家對這一電影高產時期創作出的許多偉大電影作品都做出了評價。其中一個原因可能是：製作了這么多部電影，並不是每一部都必須成為熱門。

電影廠可以在一部有著優秀劇本與相對不是那麼出名的演員的中等預算故事片身上冒險：而由奧森·威爾斯導演的《公民凱恩》符合以上描述，它也被視為史上最偉大的電影。另一些情況下，像霍華·霍克斯、希區柯克及法蘭克·卡普拉等堅定的導演們為了達到他們的藝術理念，而與片廠進行「斗爭」。

1939年是片廠制度的鼎盛時期，有很多經典電影在這一年發行，如：《綠野仙蹤》、《亂世佳人》、《驛馬車》、《史密斯先生上美京》、《呼嘯山莊》、《天使之翼》、《異國鴛鴦》與《午夜》等。

黃金時代以來的電影中，現在被譽為經典的有：《卡薩布蘭卡》、《風雲人物》、《一夜風流》、原版《金剛》、《叛艦喋血案》（Mutiny on the Bounty）、《城市之光》、《紅河》與《大禮帽》等。

四、片廠制度的沒落

「小三」(環球影城，美國藝術家和哥倫比亞影業)沒有自己的劇院，拒絕分享同意裁判書。許多獨立製片人也對折衷和形成一個眾所周知的獨立運作電影製片人的體系，控告派拉蒙壟斷底特律劇院不滿意-因為派拉蒙通過控制演員，像鮑勃霍普，波萊特戈達德，維朗妮卡湖，貝蒂赫頓；

經紀人透露賓克羅斯比，艾倫拉德和長期為加里庫珀工作室工作的長期演員-自1942年開始。在二戰期間，五大電影公司沒有達到同意裁判書的要求，沒有發生重大後果。但是二戰結束後，在好萊塢反壟斷案中，他們作為被告加入了派拉蒙。

最高法院最終裁決主要製片廠電影院的所有權和影片發行是違反謝爾曼反托拉斯法。結果，工作室開始釋放演員和技術人員通過與他們的合同。好萊塢主要的工作室改變了電影的模式，因為每個工作室都挺有一個完全不同的演員陣容和創新團隊。

這導致了逐漸失去特色，米高梅電影製片公司、派拉蒙公司、宇宙公司，哥倫比亞公司，RKO公司和福克斯電影公司很快認識到這一點。

但是某些電影人，例如塞西爾B德米爾公司同演員的合同也是到他們職業生涯的最後或者電影使用相同的創意團隊，以至於德米勒電影無論是1932年製造還是1956年製造看起來仍然像是一個模式。並且每年電影製作的數量隨著平均預算猛增而下降，在行業策略上標志一個重大變化。

現在工作室目的在於生產娛樂，而這種娛樂是電視無法提供的： 壯觀的，有英雄色彩的影片。工作室還開始出售部分電影膠片庫給其他公司去銷售電視。到1949年，所有大型電影製片廠放棄了他們劇院的所有權。

電視也有助於好萊塢黃金時代的下降，因為它打破了電影業在美國娛樂界的霸權地位。盡管電影業在19世紀50年代隨著長期政府檢查制度淡化，在未來電影中能夠獲得一些影響力。在派拉蒙反壟斷案結束後，好萊塢電影製片廠不再擁有電影院，因此致使美國影片能夠在美國電影院不需要審查制度。

這補充了1952年奇跡在斯泰因公司同約瑟夫威爾遜事件的決定。 美國最高法院改變了其早期的立場。從1915年的相互電影公司同俄亥俄州案工業委員會的案件中，陳述了電影是藝術的形式，有權保護第一修正案；美國法律不再審查電影。

到1968年，美國電影協會（MPAA）代替了海斯法典-在政府威脅檢查後，其現在極大侵犯了美國電影協會，證明准則的起源已經同電影分級制度一起結束了。

五、新好萊塢和後經典電影

後經典電影這詞用來形容新好萊塢變化的故事敘述方式。人們認為新的劇本與塑造人物的新方式利用觀眾在經典時期培養起的期望：打亂的年份，以結局出人意料為特色的故事情節，主角與反派間模糊的台詞。

後經典故事敘述的本質展現在黑色電影中，如1955年《無因的反抗》，以及希區柯克情節支離破碎的《驚魂記》。

「新好萊塢」一詞用來描述新一代電影學院培養的導演的崛起。他們掌握了六十年代歐洲發展起來的技巧。1967年電影《邦尼和克萊德》標志著美國電影重振的開端，也意味著此後新一代電影，在票房上能夠取得成功。

好萊塢一直堅守製片人中心制的原則，新好萊塢獨立製片的出現，開創了導演和製片人融合的趨勢，形成導演資本制。

同時擔任電影製片人和導演的法蘭西斯·福特·柯波拉、佐治·盧卡斯、布萊恩·德·帕爾瑪、馬田·史高西斯、威廉·弗萊德金、史蒂芬·斯皮爾伯格開始拍攝向電影歷史致敬的影片，並發展了現有的電影體裁與技巧。七十年代早期，他們的電影不僅受到好評，還取得票房成功。

早期的新好萊塢電影，例如邦尼與克萊德，逍遙騎士是成本較低的影片，沒有道德上的英雄而是增加了性和暴力，然而，哥普拉，斯皮爾伯格與盧卡斯各自憑借《教父》，《大白鯊》以及《星際大戰》取得了巨大成功，這有助於現代大片的產生，也吸引製片廠更加關注製作更多大片。

這些年輕導演的更多投入並沒有帶來好處。通常，他們把時間表排的太滿，預算超支，因此導致自己或攝影棚破產。最有名的兩個例子是科波拉的《舊愛新歡》，最典型的是邁克爾·西米諾的《天堂之門》，單是這部影片就使美國聯藝電影公司破產。

Sir Alfred Hitchcock，（1899年8月13日－1980年4月29日）原籍英國，是一位聞名世界的電影導演，尤其擅長於拍攝驚悚懸疑片。

這位世界所公認的恐怖大師，事實上也是由他發明了「驚悚文藝類影片」（the thriller genre）這一電影類型。阿佛萊德·希區柯克同時也是個優秀的技師，熟練的把性感、懸疑、幽默都融合在一部電影里。

(3)英語老電影特點擴展閱讀：

今日好萊塢

一、運作特色

好萊塢電影常會有透過片廠（電影發行商）與製作人簽約合作的方式，分別讓片商負責販售的通路，而製作人則專注於電影本身，出產行銷全球的大型製作影片。

二、敘事美學

在好萊塢影片的劇情鋪陳，少有文化或語言的障礙，其主題多是可跨文化傳播的高概念電影，這樣的作品因為主題符合主流市場，故全球都容易推銷。因此現在好萊塢也成為世界許多地方電影的代名詞。

雖然此類電影票房好、跨文化，但也有文化評論者批判若獨尊高概念電影，會造成電影敘事風格如出一轍，了無新意，「是一種商業化和專斷化，最終將導致多樣化的消失。面對這樣的全球霸權，負責任的電影人和批評家應該讓眼光超越好萊塢，建設多元的電影模式」。

三、產業規模

美國因為電影相關的文化產業，造就了許多的工作機會與龐大的商機。據美國電影協會報告指出，2011年美國電影業造就的就業總數超過220萬人，其中約有70萬名為直接的電影行業從業人員，另外150萬名為間接受雇支援電影製作工作的各種人員，2012年美國電影業收入為107億美元。

Ⅳ 05版《傲慢與偏見》電影，英語影評，400字左右，不要轉載、粘貼，要原創，謝謝

2005版《傲慢與偏見》這是一部根據簡•奧斯汀的同名小說改編，由Joe Wright導演的影片,影片主要講述了美麗的伊麗莎白因為達西先生傲慢的態度而對他產生了偏見。經過種種波折，終於冰釋前嫌，走到一起的故事。影片是圍繞貝內特一家人展開的，展示了在當時那個以金錢為婚姻的主要參考的社會下，女主人公獨到的愛情觀。同時，在影片中，還有伊麗莎白姐妹以及朋友的婚姻，作為陪襯，更加突出了影片主旨。「唯有愛情才能讓我走進婚姻的殿堂」這是影片中伊麗莎白的一句至理名言。
達西和伊麗莎白山窮水復的愛情故事，作為英國文化中一個經典的浪漫符號，卻永遠純潔的不染塵埃。我極喜歡伊麗莎白佇立湖畔的身影伶俐，有所思而又無所待，「我已亭亭，無憂亦無懼」的那種對待愛情的勇氣，一旦明白了自己的心意，再無所畏懼，在達西的姨媽的蠻橫無禮對比下，更加突出了的伊麗莎白的堅持，她讓我感動。
[取景]
個人認為這部戲的取景導演可謂煞費苦心，影片在英國郊外取景，山色青翠，風光旖旎，可以說湖光山色美不勝收，配合浪漫的愛情故事，和優雅的古典衣裙，那真是唯美浪漫的極致。影片的開頭，未見畫面耳邊就響起鳥兒歡快的啾啾聲，然後是一幅太陽初升時候山林村莊靜謐美好的畫面，然後畫面開始明亮，左上角橙色如蛋黃般的太陽緩緩升起，片刻間，小山村就被籠罩在一片溫和的金色之中——無需過多的言語，也沒有瑣碎的鏡頭剪接，短短幾秒就讓屏幕前的觀眾心情平靜下來，妨若身臨其境。接著我們的女主人公出現，美麗的姑娘手捧著書邊看邊走在這清晨的小路上，金色的太陽襯在她身後，金色的柔光打在她身上——又是短短幾秒鍾，就把她的清新美麗、優雅知性體現了出來。跟著她的步伐，鏡頭里出現了結隊而過的豬、嘎嘎的大白鵝和雞鴨、晾曬於庭院的白色衣物、彈奏鋼琴的少女……這是一組很自然的長鏡頭畫面，成功地塑造了這個地方的生趣和鄉下輕快的生活形態，充滿了生活的情趣。喜歡這部影片，就是從喜歡這個開頭開始的。可能是城市生活太久，擁擠的人群和雜亂的交通已經讓我們不堪其擾，看到成群結伴的鴨鵝，高聳入雲的樹木，波光粼粼的湖面和矮矮短短的小木橋，青青翠翠的草，我們能夠從內心感到寧靜。從貝奈特家到賓利家到達西家，從最普通的英式農家小院到上層社會豪華貴族般的庄園，處處體現著19世紀英格蘭紳士般的優雅和從容。

[服裝]
小談了取景就不得不提服裝，敝人認為古典的英國淑女裝非常能夠體現女性的優雅和柔美，寬大的領口突出了女性頸部線條，而且更起了揚長避短的功效，不論你頸部是長是短，這樣的領口設計都會讓你看起來頸部纖細迷人，還有這種長裙的腰身設計也能突出女性腰細腿長的身材，加上及踝的長裙，讓女性走路都體現了貴族般的高貴。我特別喜歡伊麗莎白穿的墨綠色的長裙，優雅迷人。男士的長靴配馬褲和白色襯衫長外套把紳士派頭發揮到了極點，這特現在最後達西先生由遠及近走來的長鏡頭中最為瀟灑更是風度翩翩。

[表演]女主角的飾演者凱拉•奈特利(Keira Knightley)在《傲慢與偏見》中的表現非常優秀，具有靈氣，活潑可愛又把伊麗莎白的堅韌自我表現得恰到好處。。
馬修•麥克法登（Matthew Macfadyen），據說這位以舞台劇起家的演員很有特點很有才華，我也能夠體會。他的那雙眼睛，湛藍的眼睛，看著伊麗莎白時總是含情脈脈，清澈又復雜，總是給人一種默默的沉靜，開始有些淡淡的自負，後來在對伊麗莎白表白被拒的不解和傷感，再到靜靜凝視伊麗莎白時的憂郁，到最後伊麗莎白接受他時的喜悅，他的眼神很美很乾凈很復雜。

[書與影片]
把一部小說改編成電視劇是件難事，再濃縮成2個小時的電影就更要取其精華還要讓故事情節流暢，05版《傲》看來故事發展還是有些迅速，有些地方銜接得有些生硬，有些人物的交待還是不夠明朗，不過，這些都不是問題，這些都不可避免，整體來說還是非常流暢節奏緊湊速度適中的，在改變的幾個場景上我覺得還有過之而無不及。比如達西先生第一次向伊麗莎白求婚，小說是在房間里，而電影改到了一個戶外的雨天，一來電影為了情節發展不得不作調整，二來調整後的場景更具表現力，更符合現代人的口味。求婚這種浪漫的事，在一個死板板的客廳總不如在雨天里古樸的建築下來的動人吧。大概也是導演了解到現代都市生活已經讓我們對灰濛蒙的摩天高樓，黑壓壓的人潮攢動失去了興趣，於是更加突出了英國郊外恬靜的山水風光，很多浪漫的場景都發生在一片湖光山色中，而英國常見的雨也起了很大的作用，觀眾能從雨後的鏡頭中感受到清新和自然的芬芳。最後的場景達西先生又一片雲霧中走來，天一點一點的變亮，影影綽綽的達西先生也逐漸變得清晰，一切有種夢幻般的感覺，這都是導演在鏡頭運用上塑造的美感，而沒領略過這類景緻單純讀書的讀者們就無法體會這種詩一般的美麗了。
這部影片讓人感觸良多，無論是關於愛情的思考，還是影片本身帶給我們的愉悅，抑或是引發我們對於享受閑暇舒適的生活美麗清新的大自然的嚮往。無論貧窮與富貴，每個人在精神上都是平等的，真正的愛戀應該建立在同樣高貴的靈魂的基礎上，而非相當的家世。