音樂劇電影的好處

❶ 音樂劇電影 與 動漫電影 中的音樂特點

音樂劇電影經常運用一些不同類型的流行音樂以及流行音樂的樂器編制;在音樂劇裡面可以容許出現沒有音樂伴奏的對白；而音樂劇裡面亦沒有運用歌劇的一些傳統，例如沒有了宣敘調和詠嘆調的區分，歌唱的方法也不一定是美聲唱法。
動漫電影，大量的音樂充實著劇情的不斷發展，甚至於當電影出現某種色調時，音樂都能起到增強作用。其次，電影具備多種節奏功能，比如主觀節奏、客觀節奏、導演心理節奏和觀眾心理節奏等等。通過不同的音樂節奏和音樂語言，來表達這些節奏，迎合故事不同的風格、不同的場景。

❷ 以奧斯卡獲獎電影《芝加哥》為例，探討如何成功使音樂劇電影化

好萊塢歌舞片與百老匯音樂劇一直有著緊密聯系，自20世紀20年代以來，兩者相互借鑒、互相映襯，共同發展。高質量的音樂劇改編為歌舞片搬上大熒幕，是業內常有發生的事情。可以說，美國百老匯音樂劇為好萊塢歌舞片提供了源源不斷的新鮮血液和創作來源。

其中，《芝加哥》作為極具諷刺意味的百老匯經典音樂劇，多年來長盛不衰，更是在2002年被改編為電影，讓更多的人得以領略其韻味和魅力。2003年，電影版《芝加哥》一舉斬獲包括最佳影片在內的奧斯卡六項大獎，並打破了35年來歌舞片無緣奧斯卡最佳影片的局面，成為一部在商業上和口碑上都取得巨大成功的歌舞電影。

影片講述的故事情節很簡單，主要講述了兩名女子殺人以後，不僅沒有得到當地法律的制裁，反而經過律師比利炒作後聲名大噪的故事，諷刺了芝加哥二十世紀二十年代娛樂至死的黑暗荒誕世態。

音樂劇和歌舞片是兩種不同意識形態的藝術作品，兩者相映成輝、各有千秋。在如今市場上越來越多音樂劇改編歌舞劇的情況下，這部18年前的老作品，在豆瓣上依然保持8.8的高分，被認為好於96%的歌舞片。

《芝加哥》憑什麼脫穎而出，成為音樂劇影視化的經典之作？

在我看來，僅從電影的故事情節探討，無法深入回答這個問題。今天本文就以《芝加哥》為案例，從電影敘事手法、鏡頭話敘事語言、聲音藝術創作三個方面，探討這部歌舞電影如何對音樂劇進行影視改編，從而與觀眾情緒產生聯結，帶給觀眾強烈的視聽感染力。

寫在最後：

電影《芝加哥》作為一部成功的歌舞片，無論是商業價值還是影片口碑都取得巨大的成功。影片憑借美妙迷人的歌舞場景、入木三分的人性刻畫以及現實深刻的主題內涵，成就其歌舞片史詩級地位，並成為無數人心中的經典之作。

因此，今天這篇文章詳細分析了電影《芝加哥》故事情節之外的魅力和精彩之處。

在我看來，影片通過對電影語言的熟練運用，成功將舞台作為主導的音樂劇改編為更具大眾文化的影視作品，將局限於舞台的小眾文化傳播給更加廣闊的受眾，這正是影片《芝加哥》長久不衰的魅力和獨到之處。

❸ 音樂劇、歌劇的區別（詳細，重要作用）

音樂劇是歌劇的一個分支

音樂劇演員表現劇情的方法是歌唱和舞蹈；
歌劇演員表現劇情的主要方法是歌唱，演員的舞台表演只不過是走過場，形式一下而已。
歌劇必須用美聲唱法，通過歌聲來講述故事；
音樂劇隨便用什麼發聲方式，通過肢體+歌聲來演繹，有點像電影
歌劇有些「曲高和寡」的意思
音樂劇操作市場化

音樂劇四大名劇
貓(Cat)
歌劇魅影(The Phantom of the Opera)
悲慘世界(Les Miserables)
西貢小姐(Miss Saigon)

❹ 音樂劇的優勢

我眼中的音樂劇
炫麗的燈光，華麗的舞台，美妙的音樂，精緻的唱腔。這一切並不是音樂劇的全部。從傑羅姆•科恩到安得魯•洛伊德•韋伯，從大不列顛到中華大地，從《劇院魅影》到《雪狼湖》，從百老匯的經典劇目到好萊塢的歌舞電影，音樂劇不分國界的用一種音樂與戲劇相結合的方式，將曼妙的音樂巧妙的穿插到或曲折，或平淡；或激情，或感人；或驚險，或溫情的劇情當中去，用音樂這種藝術形式表現出戲劇這另一種藝術形式。用男女主人公的聲音來詮釋他們的內心復雜的情感，從而讓這種情感更加完美，真摯和深刻。
一、音樂劇的創新
音樂劇無疑是古典與流行相結合，藝術與商業相結合的成功的藝術形式。而安得魯•洛伊德•韋伯則無疑是這種結合中的大師級的人物。音樂劇的發展中的轉折點要追溯到上世紀二十年代，二十年代以前的音樂劇在英、美兩國有著不同的歷史背景：在美國，它較多地受爵士樂、踢跳舞、喜劇性話劇和含有歌唱的喜劇的影響，另外美國一直有像"齊格菲"一類的輕歌舞劇（故事不重要，但歌舞製作得非常華麗），還有歌舞廳的小型娛樂性歌舞（多數在高檔餐廳和賓館演出，在現在的拉斯維加斯仍能看到）；在英國，音樂劇則更多地與輕歌劇、話劇，特別是莎士比亞、莫里哀、易卜生的戲劇背景相關，舞蹈方面則更貼近芭蕾舞。二十年代以後,以典型劇目的創新和突破為代表，美國和倫敦西區都有不同程度的長足進展。《俄克拉荷馬》使音樂、舞蹈緊密地與故事進程結合，特別是舞蹈。此劇中，舞蹈設計德米爾創新地使用了民族式芭蕾，而不是簡單地照搬傳統的踢腿舞或踢踏舞。它通過音樂、唱歌和舞蹈三種形式的融合，從而使音樂劇成為一種近乎完美的藝術形式。而聽音樂劇也逐漸變成一種從屬性文化，這把音樂劇中的舞蹈提到一個更高的境界。德米爾把音樂劇舞蹈從簡單的群舞與異國情調的古典芭蕾中解脫出來，創作出獨樹一幟的百老匯風格。而天才的作曲家安得魯•洛伊德•韋伯則把握了這一切，將他的藝術靈感與流行文化相結合，創作出了一系列諸如《劇院魅影》、《貓》等一系列經典劇作。
二、韋伯的成功
韋伯是公認的音樂劇作的天才，《耶穌基督巨星》上世紀七十年代在百老匯首演，該劇由年僅23歲的安德魯•洛依德•韋伯創作，他當時還是一位無名的英國青年。安德魯的《耶穌基督巨星》是一個卓越的音樂典範，而且大部分音樂是搖滾樂，這是一部對經文、人物、人與人之間的關系進行心理探索的劇目，是史詩型與搖滾歌曲的融合。舞蹈是體操與運動式的風格，舞步很少，主要是劇情支撐著舞台的活動，它把一個世人熟知的古代故事用搖滾來表現，著力於民眾與個人責任感之間的沖突與摩擦，這是令人震驚的創新。《劇院魅影》這是韋伯的一部趨於成熟的代表性作品。該劇以精彩的音樂，驚險的劇情、恐怖的氛圍，充滿懸念和緊張感，完美的布景，足成為音樂劇中永恆的佳作。韋伯在劇院魅影中努力將有著黑暗童年的，居住在劇院地下室中的鬼魅般的男主角刻畫成了一個天才的劇作家、音樂家、建築師、設計師，並且是一個有情有義，痴愛著女主角的悲情人物，而霍華德•麥吉倫和莎拉布萊曼的深情演出也給劇中的主人公帶去了靈魂。從一九八八年首次登上百老匯的舞台算起，《劇院魅影》已經在百老匯的舞台上連演了十八個年頭，成就上超過了韋伯的另一部音樂劇《貓》，是百老匯歷史上最長演不衰的劇目。十八年來，該劇已在全球二十多個國家和地區、超過一百二十個城市進行過演出。此外，該劇目前仍在全球七個城市公演，全球看過此劇的人數已達八千萬人，全球票房總收入已達三十二億美元，僅在紐約就有近六億美元的票房。這部經典的音樂劇之所以能夠歷久不衰，還是有不少值得現代音樂劇借鑒之處。首先，除了音樂劇自身靠實力取得成功之外，二零零四年，同名電影的推出以及其後發行的DVD，這些延伸產品對重振《劇院魅影》「舞台旋風」也有推波助瀾之功。許多觀眾正是從與此有關的各種宣傳中知道，《劇院魅影》仍在上演，於是新的「朝聖者」又絡繹於途。 另外，原著本身的故事情節也是引人入勝的法寶之一。
三、音樂劇在中國
對於中國而言，音樂劇是剛剛興起的「舶來品」，我們幾部原創的音樂劇作品不盡如人意，而且像西方現代音樂劇一樣的高成本和大製作也令許多中國藝術家望而生畏。並且由於缺少優秀的劇本和形、音、演兼備的優秀演員，音樂劇作總是與流行和商業化脫節使得國產的音樂劇總是面臨著即不叫好又不叫座的尷尬處境。如今大劇院里上演的基本上都是諸如《悲慘世界》、《西貢小姐》、《劇院魅影》、《貓》之類的外國優秀劇作，而國內的大部分觀眾也願意去花錢去捧這些有著優秀舞台設計、曲折的故事情節、華美的音樂和出色的演員的劇作的場。這些差距和現狀是現實存在的，要想縮小這些差距，只有從大學的教育開始，培養出一批又一批優秀的劇作者和演員，積極探索創新，緊貼流行文化，加大商業推廣，融合民族傳統才能真正創作出為觀眾認可的劇作。從定軍山、馬路天使到卧虎藏龍、英雄，從30年代的上海到二十一世紀的好萊塢，中國的電影人已經探索出了讓中國電影走向世界的道路，中國的音樂劇是否也能在我們的手中發揚光大，讓我們拭目以待。

❺ 你喜歡音樂劇的原因是什麼

音樂劇長時期受到人們的喜愛有其獨特的原因，西方音樂劇在其形成發展中受到了多種藝術形式的影響並不斷的兼容並蓄，海納百川，其與時俱進不斷創新使這種藝術形式充滿了活力，而其成功的運作模式更是使得其獲得了巨大的商業利益，客觀上促進了音樂劇的良性發展。

音樂劇是從musical翻譯而來，從字面上理解，應為「音樂的戲劇」。但在其發展的過程中，音樂劇不斷博採眾長，不斷的吸收借鑒其他藝術的表現手法與形式，並將其巧妙地融合在一起，從而形成了今天這種以戲劇作為支撐，以音樂貫穿整部作品，以舞蹈等其他藝術形式作為重要的表現手法的一種全新的綜合型舞台表演形式。從其發展的宏觀角度看，音樂劇曾受到了古典歌劇、輕喜劇、爵士舞、舞台美術等多種藝術形式的影響。

從戲劇方面看，其表現的主題涉及社會的各個方面，如表現愛情的《窈窕淑女》、《西區故事》，反映社會現實的《悲慘世界》、《霧都孤兒》，人物傳記性質的《艾薇塔》、根據童話故事改編的《灰姑娘》等等。

從音樂方面來說，它既能運用通俗曲調又可運用古典的旋律進行，既能運用傳統的管弦樂隊來伴奏，又可以電聲、爵士以及各類混編樂隊進行編曲。

而舞蹈語匯也是如此，不管是芭蕾舞、踢踏舞還是迪斯科、現代舞，只要對作品表現力有所提高，都可以拿來運用。甚至其他的藝術形式如雜技、魔術等，只要劇情需要就可拿來借鑒。這些不同藝術形式的綜合運用，無形中增加了音樂劇的藝術性、觀賞性、娛樂性。

另外從舞美方面來說，音樂劇更是具有過人之處。無論是劇場的布局、舞台的裝置還是道具的使用，演員的妝容，無不體現了主創者的心思巧妙，匠心獨運。如音樂劇《貓》中整個劇場被布置成一個大垃圾場以及其中各演員形象的裝扮，都給觀眾人留下了畢生難忘的回憶;而《歌劇魅影》中環形舞台的無縫式換景，《西貢小姐》中小型直升機的空降，更是讓人一次次為之驚呼，由衷贊嘆。

❻ 淺析法國音樂劇市場中的優勢 要求：1、以《羅密歐與朱麗葉》為例子 2、2500字 求大神。。。

法國音樂劇(spectacle musicale)的發展史，比起英美來要短得多，然而在上個世紀八九十年代開始迅速發展，成為了倫敦和百老匯之外，另一個引人矚目的舞台。這段時間里，不僅曾誕生了完美的《巴黎聖母院.鍾樓怪人》，還有《十誡》，《羅密歐與朱麗葉》，《小王子》等等經典音樂劇，並保持了平均每年一部全法巡演的成功作品，前年有《陽光下的孩子》，去年有至今仍在巡演的《太陽王》。

這些音樂劇的成功，很大程度來源於法國和魁北克優秀的流行音樂土壤，許多有經驗的音樂製作人，戲劇及喜劇導演，法語流行樂歌手，現代舞蹈家都樂於參與這種文化形式的表演。大多由名著改編的劇本具有廣泛的觀眾基礎，法語的拉丁語系發音又適合於演唱大型曲目；沒有傳統舞台劇的表演束縛，法國人一開始就能接受現代的舞台造型和表現方式，耳麥，投影，甚至街舞被大量的使用，以及現場錄像和CD的同時發行，促成了法國音樂劇的迅速崛起。

由於法國音樂劇的情節或是耳熟能詳的名著（如《巴黎聖母院》和《羅密歐與朱麗葉》），或是簡單隨意（如《小王子》），在角色塑造和敘事方面省去的挖掘，製作人把精力更多的放在唱段的詞曲創作，布景的搭制，和舞蹈的選配上。在音樂方面，法國的創作不像英美，有固定系統的模式，而是直接運用流行音樂的元素，幕間的轉換和背景的投影也使用了不少電影手法（這里還有一個Specatale Musicale'音樂劇'與 Comedie Musicale『音樂喜劇』 的細微差別）。.

共同點1：鮮明的「演唱會」風格 抽象的布景

這兩部作品，在演唱形式上，都使用了放置在嘴邊的、非常明顯的耳掛式麥克風，同主流音樂劇求真實場景、求演員入境的風格形成了非常鮮明的對比。這雖然只是一個細節，但是，我認為反映了主創人員的藝術理念，也就是把流行音樂元素放到了一個更突出的位置上來。這表現在不只是大量的應用流行音樂的旋律風格、節奏、和聲效果，大膽使用各種電聲樂器的聲音，選用流行歌星，而是將整個舞台風格流行化。試想，如果所有《貓》，或者《歌劇魅影》的主唱們全都帶上巨大的麥克風，會是什麼效果。貓將不貓，魅影「穿越」時空。因為這兩部代表世界音樂劇主流的作品，他們雖然是以流行元素為基礎創作的（《歌劇魅影》我更願意說是借鑒了唱法，而音樂還是以傳統的歌劇模式為基礎的），但是在舞台上追求的都是戲劇化、逼真化、大場面的藝術理念。當然，這也是音樂劇這個詞本身想落腳的地方。不論是音樂劇，或者歌劇，詞根都在「劇」，所以舞台風格呈現標準的戲劇模式，是一個自然的結果。

正是在與主流不同的創作理念的指導下，我們看到，這兩部作品的舞台風格在很大程度上褪去了戲劇的風格。從布景到道具，無論是《巴黎聖母院》還是《羅密歐與朱麗葉》都相當的抽象化、意象化。《巴》劇中，一面磚牆，牆前兩個石柱，就可以意會成聖母院；《羅》劇中兩層的背景建築更是被多個場景、環境以不同的形式運用。這樣，主唱們從傳統的戲劇環節中解脫出來，從而能夠將更多的經歷放在音樂的表現和人物的表演當中。同時，舞台更加空曠，無論是從主唱們的獨唱、合唱的表現，還是在群體劇情中方便了眾多的群舞，都凸顯了演唱會風格。

共同點2：歌者不跳舞，舞者不唱歌

這是這兩部音樂劇區別於主流音樂劇的又一大鮮明特色。我們暫且不討論這個處理到底是優是劣，來分析一下這樣的目的是什麼。首先，將主唱從繁雜的舞蹈中解脫出來，能夠節省主唱的體力，使得他們的氣息更容易控制，從而能夠駕馭更難的旋律，從而增強音樂的表現力。這顯然是建立在上面已經分析過的「演唱會」模式的基礎上的。唱被放到了絕對的主角地位，以至於需要從舞蹈形式中脫離出來。這與以舞蹈為重點的《西區故事》、《貓》等音樂劇有著非常明顯的區別。僅以《貓》舉例，我們記住的不只是莎拉布萊曼飾演的那隻流浪貓，眾多貓的形象都給我們留下了深刻的印象：火車員、魔術貓、廚師貓、小偷貓……這靠的都是精湛的舞蹈技藝。《西區故事》開頭更是大秀芭蕾（表示不喜歡這種風格）。而這兩部音樂劇中，所有的舞蹈都是為音樂服務的，推動音樂的發展，音樂氣氛的渲染，屬於附屬品，音樂才是最重要的。在很多重要的演唱橋段，甚至都沒有舞蹈出現，這非常能說明主創非常看重此刻的旋律。在《巴》劇中，開場時游吟詩人的《大教堂時代》、游吟詩人和主教的合唱《佛羅倫薩》，卡西莫多和艾絲美拉達的部分獨唱，背景都是異常空曠的舞台。《羅》劇中部分男女主人公對唱傾訴愛慕的情節也是這樣。這一方面反映了曲作者對自己音樂旋律的充分信任，另一方面也放映了音樂被放在了一個無可替代的地位。

共同點3：靠獨唱撐檯面 主旋律線索消失

主流音樂劇，在演唱形式上和旋律創作上借鑒了很多歌劇創作的形式。表現為獨唱與合唱並重，全局音樂有貫穿始終的音樂線索。這兩點在這兩部法國音樂劇中都看不到。

先說演唱形式。兩部音樂劇的故事情節經常依靠一段獨唱接著一段獨唱的方式進展下去，即便是合唱，也是本來就不多的幾位主唱之間，而且篇幅不長，在全劇中並不佔據主要影響。合唱團的和聲基本都是事先錄制好的，沒有現場專門的伴唱出現。究其原因，我認為跟後面要說的一點是密切相關的。

作曲家一改以往音樂劇中交響樂式的系統創作模式，即精心設計好一個主題旋律，並不斷的變化或者重現，貫穿整個音樂劇。舉《歌劇魅影》的例子。這部音樂劇中，魅影的主題旋律幾乎每次魅影出現都要以不同的方式重現，而且在魅影的演唱中變化出現，或延續音樂形象的進一步發展，或者重復之前已經充分描繪的音樂形象。

而在這兩部作品中則完全不是這樣的。各段音樂相對獨立，沒有明顯的連帶關系，從而有兩方面的作用：一方面，就是上面說的，可以有很多獨唱，因為本來音樂就是相對獨立的，主唱一個換另一個。另一方面，從總體上，也非常契合「演唱會」的流行風格。流行音樂本來就是以一首一首動聽、有感染力的歌曲取勝的，自然創作起來要打破傳統創作方式。《巴》劇的開頭，從游吟詩人到艾絲美拉達的哥哥，到艾絲美拉達……這樣的好處是故事情節可以迅速展開，另一方面是給了主唱充分發揮的空間。

其實這也是曲作者給自己出的一道難題。他必須要對每首音樂的旋律都有充分的信心，每段音樂都要精心雕琢。從《巴》劇中，我認為作曲家取得了非常大的勝利。而《羅》劇除了「主打歌曲」，表現欠佳。

因為主旋律影子的消失，所以這兩部作品都是憑借精心雕琢的代表歌曲作為自己制勝的法寶。只需要看看他們返場的時候唱的安可曲，就能夠判斷出哪首作品是作曲家的得意之作。《巴》劇中無疑是一開場就讓所有聽者都低頭跪拜的《大教堂時代》；《羅》劇則是《愛》和《世界之王》。有意思的是，這些招牌曲目都出現在音樂劇的上半場的前半部分，抓住觀眾之意異常明顯。這三首都是欣賞這兩部音樂劇非聽不可的經典唱段。

寫到這里，明顯能看出，這又是流行音樂的運作形式了。歌星們不是都通過專輯中的主打曲目作為宣傳手段，開拓市場么？

共同點4：鮮明法國色彩的旋律、舞蹈、服裝

我認為這兩部作品都是法國藝術原汁原味的精彩展現。先說旋律，我非常的喜歡《巴》劇中的音樂。浪漫、悠揚，乍一聽好像是作曲家隨性的閑來之筆，再聽一遍，卻的確是感情飽滿，非常有特色，讓人過耳不忘，還要回去找來再聽。

舞蹈風格，這個我就不太懂了，但是跟國標隊跳的很多東西很像啊，具體叫什麼我就不敢說了，但是100%沒有了古典的痕跡，僵硬做作的芭蕾動作都消失了（開心）。

再說服飾，《巴》劇的服飾我認為非常符合劇情需要，既復古，又帥氣。相反《羅》劇的服裝我認為幾位家族長老的衣著過於華麗了，而且主唱的服裝，尤其是羅密歐等三位男主唱的服飾，反光的上衣面料，緊身的窄褲子，讓我怎麼看怎麼覺得特別現代，有穿越的感覺。而主教的服飾又太簡陋了……看著特別窮酸……

❼ 音樂劇與音樂電影的相同點與不同點

音樂劇是20世紀出現的一門新興的綜合舞台藝術，集歌、舞、劇為一體，廣泛地採用了高科技的舞美技術，不斷追求視覺效果和聽覺效果的完美結合。

音樂劇（英語：Musical theater，簡稱 Musicals），又稱為歌舞劇，是音樂、歌曲、舞蹈和對白結合的一種戲劇表演，劇中的幽默、諷刺、感傷、愛情、憤怒作為動人的組成部分，與劇情本身通過演員的語言，音樂和動作以及固定的演繹傳達給觀眾。一些著名的音樂劇包括：奧克拉荷馬、音樂之聲、西區故事、悲慘世界、貓以及歌劇魅影等。

音樂電影是一種由普通電影（特別是歌舞片和以音樂為主要背景的其他電影）和Music Video糅合而成的新的藝術表現形式。一般以一個單線故事為軸，創作指定主題音樂和其他輔助音樂片段，按照電影拍攝的一般邏輯，並將音樂作為主要敘事工具，製作而成的短片。

優秀作品：
《特務J：跨國超級任務》三部曲（主演：蔡依林）
《歌舞青春》一，二，三部
《搖滾青春》（搖滾夏令營）
《放牛班的春天》
《勁歌飛揚》
《平民天後》
《音樂之聲》（美國）
《邁克爾·傑克遜：就是這樣》
《海上鋼琴師》
《once》

❽ 你怎麼看待音樂電影《音樂之聲》

首先我個人很喜歡音樂電影《音樂之聲》，音樂與歌聲是情感的一種宣洩，人們歡樂的時候唱歌，痛苦的時候也唱歌。《音樂之聲》是部音樂劇，瑪利亞在不停的唱歌，那是她對自由的一種嚮往，對，是自由，雖然起初她自己並未意識到這一點。

《音樂之聲》是一部出色的電影音樂，無論從哪個標准來評價，它都是美國音樂片的經典之作。它獲得了最佳影片、景佳導演、最佳音響、最佳剪輯獎，所以我很喜歡音樂電影《音樂之聲》，這部電影很出色。

❾ 音樂劇與音樂電影的相同點與不同點

相同點：以音樂為線索和表達方式，用音樂來抒發情感和主題。
不同點：音樂劇就是舞台上的那種，大多場景較單一，唱歌部分挺多的，就像看京劇那樣。音樂電影則偏向於電影，不過音樂很多。像很好看的「八月迷情」、「黑暗中的舞者」類的。其實就是電影。

❿ 電影版音樂劇和劇場版音樂劇的優劣勢

音樂劇藝術具有如下幾個基本特點：
第一，舞台性。音樂劇演出都是藉助於舞台完成的，舞台有各種樣式，目的有二：一利演員表演劇情，一利觀眾從各個角度欣賞，這是在影視中所無法比擬的。

第二，直觀性。音樂劇首先是以演員的歌唱，舞蹈姿態、動作、對話、獨白等表演，直接作用於觀眾的視覺和聽覺；並用化妝、服飾等手段進行人物造型，使觀眾能直接觀賞到劇中人物形象的外貌特徵。

第三，綜合性。音樂劇是一種綜合性的藝術，其特點是與在舞台塑造具體藝術形象、向觀眾直接展現社會生活情景的需要和適應的。

第四，對話性。音樂劇區別於其他劇種的特點是通過大量的舞台對話戰線劇情、塑造人物和表達主題的。其中有人物獨白，有觀眾對話，在特定的時、空內完成戲劇內容。

第五，互動性。音樂劇的現場表演經常會有與觀眾的直接互動

第六，感染力。現場的現場表演，不論是演員的歌唱還是舞蹈，都會給你極大的震撼與沖擊，這是在電影里感受不到的。

第七，觀演關系。面對熒幕，你只能感覺到單一的觀演關系，而面對劇場你會有更多的觀演選擇，可以根據鏡框式舞台或者伸出式舞台的特殊性進行觀演。

以上觀點屬於個人觀點，歡迎指正補充