最早的電影音樂採用什麼形式

㈠ 影視劇音樂的歷史

1.最早在影片上發聲的電影音樂 早期的有聲電影是用放映機和留聲機同時工作來發聲的。放映電影時，工作人員必須手持唱機磁頭、眼望銀幕，在需要配樂時立即把唱機磁頭放在唱片上。中國最早的發聲電影，是1930年天一影片公司拍攝的《歌場春色》。該片由邵醉翁導演，宜景琳主演。1933年，聯華影片公司攝制了《母性之光》，該片由田漢編劇，聶耳作曲。插曲《開礦歌》的曲調清新、剛健。同時二部合唱形式也第一次出現在電影音樂中。
2.世界上最早的電影音樂 電影從無聲到有聲，經歷了一個巨大的轉變過程。20世紀初，人們逐漸領悟到無聲電影需要用音樂來渲染劇情，也可以以此掩蓋放映機的噪音，於是就嘗試在電影中加入音樂。1900年9月13日，澳大利亞墨爾本市政廳放映了世界上最早的配樂紀錄影片《基督教的士兵》。這部紀錄片長50分鍾，由救世軍巴依奧斯克普公司拍攝，為影片配樂作曲的是澳大利亞音樂家R·N·馬卡諾里。1908年11月17日，法國巴黎公開放映的《基斯大公的暗殺》，是世界上最早配樂的故事片。這部影片由卡米尤·桑薩恩斯作曲。
3.最早的立體聲電影音樂 1932年，巴的電影製片人阿貝爾·甘斯和安德雷·戴布利最早在電影中配上立體音響，從而獲得專利。這是根據甘斯的無聲電影巨作《拿破崙》改編的，該片於1935年在巴黎的帕拉馬溫特影劇院首次放映。
1941年，迪斯尼製片廠拍攝的動畫片《幻想曲》，首先使用了美國無線電公司和沃爾特·迪斯尼製片廠合作製成的立體聲音樂。影片的音樂由費城交響樂團演奏，雷奧波爾德·斯托科夫斯基指揮。
4..最早的奧斯卡最佳音樂獎 從1934年開始，奧斯卡最佳音樂獎設最佳作曲、最佳配樂和最佳歌曲三項獎。作曲獎授予為大型故事片創作一系列音樂的作曲家，配樂獎不是單純選配現成的樂曲，而是創造性地使用與主題有關的音樂素材；最佳歌曲獎授予為大型故事片創作主題歌的對象。在1942年第15屆奧斯卡頒獎儀式上，美國著名音樂家歐文·伯林擔任了最佳歌曲獎的授獎人。他打開密封名單後，驚愕了一下，隨即笑逐顏開地說：「我很高興能把這個獎頒給這個我久已熟識的傢伙。」原來獲獎的正是他為影片《假日旅店》所作的歌曲《白色的聖誕節》，歐文·伯林成了第一位給自已頒獎的人。
5.中國第一部配音電影 1929年上海明星影片公司拍攝的《歌女紅牡丹》。該片由洪琛（化名庄正本）編輯，張石川導演，董克毅攝影，胡蝶主演。1931年3月15日在上海「新光大戲院」首次放映時，不僅轟動了全國各大城市，而且名揚東南亞各地，上海遠東公司的代表菲律賓影片商，花了18000元才買下了這部影片的上映權。
6.中國最早的電影主題歌 1929年聯華影業公司攝制的電影《野花閑草》中的《尋兄詞》。在電影里穿插歌曲，或者根據電影的主題思想寫成主題歌，對增加氣氛和闡發影片的主題思想有很大的作用。《尋兄詞》由《野花閑草》的男、女主角金焰和阮玲玉兩人主唱。盡管《尋兄詞》的思想性和藝術性微不足道，但由於它是中國第一首電影主題歌而具有重要的歷史價值。

音樂進入電影以後，成為電影這個綜合藝術的一個有機部分，是一種新的音樂體裁。它在突出影片的感情、加強影片的戲劇性、渲染影片的氣氛方面起著特殊的作用。但另一方面，在溶入電影以後，在它的表現形式上也發生了相應的較大的變化。具體表現在：
1電影音樂的創作和構思必須根據電影的創作要素，即題材、內容、風格樣式、人物性格等因素和條件，使電影音樂的聽覺形象和畫面的視覺形象完美融合，體現導演的總體構思和美學欣賞原則。
2 電影音樂根據影片劇情和畫面長度分段陳述間斷出現，並受電影蒙太奇的制約，曲式概念有了新的發展。
3電影音樂改變了以前音樂必須是用"樂音"構成的傳統觀念，和電影中的話語、音響等結合，形成了新的分段陳述的結構，並和"噪音"一起相結合，有時音樂與語言結合，有時音樂和音響效果結合，有時與兩者都結合去恰如其分地表現抒情性、戲劇性氣氛，成為一種新形式。
4另外，電影音樂的演奏、演唱必須經過錄音、洗印等一系列電影製作工藝，最後通過放映影片才能體現它的藝術功能和效果。同時，隨著錄音技術和器樂、配器技術和發展，已極大地豐富了電影音樂的音色和配器效果。

㈡ 早期影視古典音樂都是用什麼樂器

嘿嘿，你這個問題比較散，簡單的說吧。

八九十年代電視也好，電影也好，還有貧乏得可憐的舞台劇、音樂劇也好，音效和原聲音樂帶的製作分這幾個方面：
1、是買版權，這個很好理解吧，我自己做不出還不能買么？
2、是做電子音樂，設備大部分從日本和德國引進，也就像現在一樣是做MIDI，不過以前是模擬信號，動態比較差，可調性比較差。
3、是實錄，找民樂團、交響樂團實錄，這樣的估計只有當時驚動政府的投資劇才能享受的了，音效也是實錄，你以前應該知道的，用鐵皮模仿打雷的聲音，用什麼木頭碗模仿馬蹄的聲音之類的等等。

最後，最關鍵的問題，就像你說的，「那時候的比較好看動聽」，嗯，非常對，像我上面說了那些，其實放到現在也是換湯不換葯，只不過是人換了一批，設備換更好了，所以關鍵的問題是，音樂、作品本身的這個質量不行了，當然也許很多是相對來說不行了，不過歸根結底還是現在的文化從業者的懶散，沒有認真去做「作品」本身的東西了。當然也不能完全怪他們，這說起來原因很復雜。

好吧，啰嗦這么多，希望能解你點疑惑。

㈢ 電影原聲帶的類型

一般來說，電影原聲帶唱片可以分成三種基本的原型，第一種是以歌曲為主的歌曲原聲帶（Song-Oriented Soundtrack Album），第二種是以配樂（Score）為主的配樂原聲帶（Original Dramatic Scores On Record），第三種電影原聲帶，是為最撲朔迷離的一種，當中所收錄的音樂或歌曲在電影里完全找不到！以下我們就一一介紹這些電影原聲帶的形式。 首先我們來看看以歌曲為主的歌曲原聲帶（Song-Oriented Soundtrack Album）。以商業利益來說，歌曲原聲帶其實是電影原聲帶市的主力，一般來說，一張管弦配樂原聲帶能有五萬張以上的銷售量，就會被視做賣座的原聲帶，但歌曲原聲帶的銷售量往往是配樂原聲帶的數倍有餘，如管弦配樂原聲帶中的賣座紀錄《星球大戰》，當年創下400萬張的唱片銷售量，但同期的歌曲原聲帶《周末狂熱》，其銷售量高達2000萬張，因此我們會發現很多電影再怎麼灌水，也要設法推出一張歌曲原聲帶大撈一筆。
實際上，除了音樂電影以外，通常一部電影里真正為電影而創作的原著歌曲並不多，尤其不會多到可以發行一張電影原聲帶，因此我們很容易發現這類原聲帶中大部份的歌曲，在電影里根本就找不到，這類原聲帶的品質時常良莠不齊，當中有仔細構思編輯的經典專輯，也有濫竽充數，純為撈錢而發行的浮濫商品。一般來說，含有電影原著歌曲的原聲帶較具時代意義，如《第凡內早餐》、《畢業生》、《兩小無猜》、《往日情懷》、《俠盜王子羅賓漢》、甚至是《泰坦尼克號》等（以篇幅來說，《泰坦尼克號》固然是以配樂為主的原聲帶，不過以市性來說，恐怕也有一大半的人買這張原聲帶是為了歌曲而不是配樂）。畢竟，要為電影構思一首好的原著歌曲，其實就和寫一部好的配樂一樣的困難，而一首動人的原著歌曲，也和一部好的配樂一樣的有價值。
不過，電影歌曲的來源一直都很復雜，它們可能是請詞曲作家特別針對電影寫的（如《第凡內早餐》的Moon River、《往日情懷》的The Way We Were、《泰坦尼克號》的My Heart Will Go On），可能是選用切合故事題旨與戲劇需求的既存歌曲（如《麻雀變鳳凰》的Pretty Women，《終極保鏢》的I Will Always Love You，《第六感生死戀》的Unchained Melody），但常常也可能是從唱片公司提供給製片或導演的促銷歌曲中挑出來的。很多時候，選用哪一首作品做為電影歌曲甚至和電影創作無關，反而和商業利益有關，因為歌曲出現在電影中，等於多了一項十分有利的宣傳媒介，唱片公司有利可圖，自然也不會少了電影公司一杯羹，這種情形下誕生的電影歌曲原聲帶，很多時候都是虛有其表，掛羊頭賣狗肉，不過也有一些十分成功的例子，如《捍衛戰士》、《渾身是勁》、《雞尾酒》等著名的歌曲原聲帶，當中的歌曲幾乎都是新曲，但幾乎都不是針對電影寫的，而是製片，導演，音樂總監等，從唱片公司送上門來的數百首新歌中，視電影的需要挑選出來的，這些原聲帶選用的歌曲都很出色，和電影也結合的很成功，不論這些作品最初是否是為電影而做，其實還是可以成就一張很好的電影原聲帶，但以歌曲電影原聲帶龐大而浮濫的發行現況來說，稱得上好的專輯占的比例並不很高。 以配樂為主體的原聲帶（Original Dramatic Scores On Record）
最早發行的電影音樂唱片，幾乎都以歌曲為主，電影配樂（Score）並沒有受到太大的重視，連《亂世佳人》這種當年紅極一時的電影，電影配樂的發行也不受唱片公司看好，時至今日，電影配樂原聲帶所受到的重視已今非昔比，很多電影配樂早已脫離背景音樂的印象，成為新的當代經典，1977年的《星球大戰》被認為是電影配樂原聲帶頹勢逆轉的關鍵，這張專輯賣出了跌破唱片公司眼鏡的成績，證明了純配樂的原聲帶也具有雄厚的商業潛力與廣大的接受度。
電影配樂原聲帶的產生有很多不同的來源，第一種情形，是實實在在來自電影原音軌的Soundtrack，不經任何編輯修改，完全將電影中可以聽到的音樂原音重現，不過真正這樣處理的原聲帶並不多，因為將電影中的配樂原音直接翻錄成唱片，聽起來未必很舒服，有時可能會很零碎或不具音樂上的完整性，通常Promotional Soundtrack Album才會採用這種原汁原味的發行型式，一般商業版電影原聲帶在發行時，還是會將這些原始的Soundtrack去蕪存菁，刪去一些不具音樂欣賞價值的枝節，同時也將音樂重新組合編排，以達到音樂欣賞時的流暢性，獨立性與完整感。當然，這樣的處理有時可能會造成遺珠之撼，因此我們又會看到一些所謂的完整版專輯，來達到補遺的目的，例如於1999年與2000年發行的兩張《星球大戰首部曲》電影原聲帶，音樂內容都取自電影原音的Soundtrack，但編輯方式和收錄的音樂篇幅有不少差異，聽起來的感覺其實並不相同。
而在前文也提到，很多電影配樂原聲帶所收錄的音樂，並非真正取自電影的配樂原音，也就是說，不是取自原始的Original Soundtrack，而是音樂家根據配樂原譜，重新為發行唱片而特別選曲，編輯，演奏，錄制的，如John Williams的《外星人》、《大白鯊》等代表作，當年與電影同步發行的原聲帶，其實並不是取自電影中的原音，而是John Williams根據原譜，為發行唱片而重新改寫編輯，重新表演灌錄的，反而90年代推出的《外星人》、《大白鯊》數位錄音完整版，才是真正取自電影的原始音軌。這種發行原聲帶的方式，常提供給音樂家較大的發揮空間和整理機會，如在原聲帶中安排音樂家改編整理的演奏曲目等，同時在錄音和表演的品質上也較為穩定，不像原音的Soundtrack，礙於電影後製作業的時間壓力，有時品質會有瑕疵，不過在電影音樂製作技術與成本大幅提升的今日，很多原音的Soundtrack本身就已經表現的很完美了。而這樣的電影原聲帶在製作的企圖上，除了反映電影的精神，主題外，也特別著重於音樂本身的表現和獨立價值。
1972年，RCA Records發行由George Korngold製作、Charles Gerhardt指揮The National Philharmonic Orchestra演奏的重錄版電影原聲帶《海鷹》（由Erich Wolfgang Korngold擔任配樂，即George Korngold的父親），首開電影配樂重錄之先河。重錄版的電影原聲帶通常選擇具時代意義與歷史價值的經典配樂，做為重新詮釋整理的對象，讓這些音樂以更精緻的面貌以及更進步的錄音技術重現。RCA Records當年的經典配樂系列是這類原聲帶的代表作，重錄了《大國民》、《海鷹》、《亂世佳人》、《星球大戰》、《第三類接觸》、《北非諜影》等作品，後來許多唱片公司也陸續跟進，如Silva Screen的《阿拉伯的勞倫斯》、《錦綉大地》，Varese Sarabande的《驚魂記》、《迷魂記》、《慾望街車》、《超人》、《大白鯊》、《遠離非洲》等，都是非常出色的重錄版電影原聲帶。這些原聲帶在選曲上常收錄全本樂曲，內容往往比原本的原聲帶更完整，有時在表現和錄制技術上也超越了原先的電影原聲帶。重錄電影原聲帶的出現，可以說是對一部電影配樂，其音樂地位與歷史價值的一種推崇與鞏固，因為這些為電影而寫的音樂，已經不僅只是電影的附屬品，而是可以被獨立表演、獨立欣賞、獨立分析，具有完整音樂價值的作品。
最後，不如舉個例子《大白鯊》，來為大家說明一下上述幾種配樂原聲帶的差異。《大白鯊》的第一張電影原聲帶，也就是1975年的MCA版，其實是一張Studio Re-recording的唱片，當中的音樂和電影中可以聽到的並不完全相同，是John Williams擴充改寫配樂原譜，並重新演奏灌錄的演奏專輯，大家如果注意當年這張原聲帶的標題的話，會發現這張唱片的標題是Music From The Original Soundtrack，並不是Original Soundtrack Record，這是一張很好的唱片，拿下當屆葛萊美音樂獎，但唱片中的音樂並不等於電影中的原配樂，John Williams拿下金像獎最佳電影配樂是因為電影中的音樂，但他拿下葛萊美音樂獎是因為唱片中的音樂，兩者並不完全相等。二十五年後，Decca Record發行了當年電影中真正的Soundtrack原始錄音，在錄音品質和音樂內容上，與MCA的版本有不少差異，而這些音樂，是電影中所有配樂原音重現，也就是名副其實的Original Soundtrack，同年Varese Sarabande發行第三張《大白鯊》電影原聲帶，在音樂內容上，取的也是電影中真正的全本配樂總譜，而不是MCA版中改寫編輯過的表演樂曲，Varese Sarabande以更新的數位錄音技術，由Joel McNeely指揮Royal Scottish National Orchestra重新表演灌錄《大白鯊》的全本原配樂，並且按電影中的次序編排整部配樂，是很精彩的重錄版電影原聲帶。這三張《大白鯊》電影原聲帶的音樂內容與聲音感受各不相同，而且，其實很難說哪一者可以被取代，因為基本上這是三次不同的錄音與不同的詮釋，甚至，也有不同的音樂內容，有興趣的樂迷反而可以從這些不同訴求的版本中，更深入一部配樂作品的精神，當然，通常必須是有特殊歷史與藝術價值的作品，才能受到這樣的重視與矚目，發行這么多種不同的版本。 沒有使用在電影中，但掛名為電影原聲帶的音樂專輯
《厄夜叢林》是一部完全沒有音樂的電影，但它發行了歌曲電影原聲帶，《駭客任務》、《新驚魂記》等歌曲電影原聲帶也都是這種情形，在電影里幾乎都找不到這些原聲帶所收錄的歌曲，這種電影原聲帶有越來越多的趨勢，也就是所謂的Music Inspired by Motion Picture，唱片公司與電影公司在談妥原聲帶發行權後，根據電影的主題和特色，結集一些相關的音樂來發行電影原聲帶，不論這些音樂倒底有沒有用在電影里，這樣的電影原聲帶等於是一張以電影作為靈感，加以聯想附會，結集相關歌曲或音樂，湊合而成的音樂合輯。這種原聲帶大多十分浮濫，而且深受市需求與商業利益左右，很難說有什麼創作價值，但成本低，回收快，難怪唱片公司對這種魚目混珠的產品樂此不疲，美其名是Inspired by Motion Picture，但說穿了是掛電影的名字撈錢的音樂商品。
另外一種情形，是所謂的Rejected Score，音樂家原本被聘請為某一部電影配樂，但因為種種因素走馬換將，結果音樂家已經完成的作品，最後沒有使用在電影中，如果這些音樂本身其實有不錯的品質（只是不合適這部電影，或者更正確的說，是導演、製片人認為不合適這部電影），客觀情況又許可的話（經費、時間、作品的品質與完整程度等達到一定的條件），這些被導演炒魷魚了的作品還是有可能絕處逢生，發行電影原聲帶，如Hans Zimmer的《K2》、Bernard Herrmann的《沖破鐵幕》、Alex North的《2001太空漫遊》等電影原聲帶，其實都是遭到回絕的原配樂，我們無法在電影里聽到這些作品，但音樂家將這些作品當成個人的創作發表，這樣的原聲帶也常使用Music Inspired by Motion Picture這個名詞（畢竟叫Rejected Score聽起來滿泄氣的），但在創作精神和品質上比上述一些名不符實的專輯高得多。

㈣ 世界上最早出現的一部原著性的電影音樂是出自

吉斯公爵被刺記。
吉斯公爵的被刺，在電影藝術史上成為一部劃時代的重要作品，成為電影由雜耍向藝術過渡的重要標志，並給予格里菲斯等後來的電影導演以深刻的影響，這部影片在電影藝術史上的意義在於，第一它在演員的表演方面有很大的變革，首次進行了在銀幕上表現人物的心理嘗試，用人物的性格代替了電影中傳統的手舞足蹈的動作，從這部影片成功以後，就開始了一個用名作家，名導演，高尚題材和富麗場景來拍攝影片的時代，第二它第一次採用了聖·桑作曲的專門的伴奏音樂，包括序曲和為其中五個場面編配的五段音樂，每一段都配合影片情調。

㈤ 什麼是迪斯科音樂，是怎麼發展而來的

迪斯科是70年代初興起的一種流行舞曲，電音曲風之一。音樂比較簡單，具有強勁的節拍和強烈的動感。 60年代中期，迪斯科傳入美國，最初只是在紐約的一些黑人俱樂部里流傳，70年代初逐漸發展成具有全國影響的一種音樂形式，並於70年代中期以後風靡世界。

80年代，自張國榮的一曲《monica》風靡香港，迪斯科舞曲開始在中國流行。從音樂上看，迪斯科一般以4/4拍為主，具有強勁的節拍，並且每一拍都很突出；它的速度大約在每分鍾120拍左右；它的結構短小，歌詞簡單，又很多段落的重復。其實，所有的曲子，只要調整一下速度，改成每一拍都很突出的節拍，都可以變成迪斯科舞曲。

發展史:

Disco標志著以舞曲為基礎的早期流行音樂的開始。繞開20世紀70年代日益繁盛的聲音和瘋克，disco強調節拍，甚至是歌手和歌曲。Disco是在那些不放任何的音樂除了舞曲的夜總會，discotheque(有譯作：的士夠格)後命名的。大部分在紐約的discotheque都是同性戀的俱樂部，DJ們因此專門挑選強烈節奏，重型風格的瘋克唱片來播放。在disco出現後，唱片開始在電台播放，並且有很大的銷量。很快，唱片公司和音樂製作者開始削減除了disco以外一切音樂形式的創作。自然的，這些唱片也有很強的流行因素，所以他們可以如此成功。Disco專輯常常不需什麼改變---他們屈指可數的長的歌曲只是保持節拍在不停的敲打。同樣的，那些單曲被發行為12英寸的唱片形式，有利於延長再混合的時間。DJ們可以混合這些磁軌，只要它們被標記為每分鍾節拍的數量，就可以匹配每首歌的拍子。很快，一直以強烈拍子為標志的disco在流行音樂中佔有了優勢，並且每個樂隊都融合了一些disco的成分，從搖滾明星the Rolling Stones和Rod Stewart到流行明星Bee Gees和新浪潮樂隊如Blondie。一些disco樂隊成為了明星---Donna Summer, Chic, the Village People,和KC & the Sunshine Band---自他們創作這些節奏和譜曲以來，都是製作者的音樂中扮演主要的媒介作用。Disco在20世紀70年代到80年代逐漸失去了動力，但是它並沒有消亡---它變異為了多種的以舞曲為基礎的流派，從業余到專業的廣泛的舞曲流行。

㈥ 電影音樂的歷史 什麼是電影音樂

電影是音畫藝術，眼睛和耳朵兩個器官是在第一時間接收信息的。人們坐在電影院里看電影的一大原因，就是想聽聲音刺激。電影能從無聲發展到有聲，這也正是人們對動效和聲音的需求，期望能有除了攝影美術之外的表達形式。你看那些好萊塢大片，從開始到結束，大量的音樂充實著劇情的不斷發展，甚至於當電影出現某種色調時，音樂都能起到增強作用。
其次，電影具備多種節奏功能，比如主觀節奏、客觀節奏、導演心理節奏和觀眾心理節奏等等。只有音樂這種形式和電影在節奏上是非常統一的，其它藝術形式就略差一些。音樂可以通過不同的音樂節奏和音樂語言，來表達這些節奏，迎合故事不同的風格、不同的場景。從某種程度上說，音樂對電影的作用是任何形式都不能替代的。」王黎光曾對他的研究生們做過一個實驗，為他們放映《加勒比海盜》的同時，將國際聲道的聲音頻道全部關掉，結果不出20分鍾，有人就看不下去了。
為電影而創作的音樂，是電影綜合藝術中的一個重要組成部分。它的演奏通過錄音技術與對白、音響效果合成一條聲帶，隨電影放映而被觀眾所感知。電影音樂是20世紀新出現的音樂體裁，有音樂的一般共性，又有自己的特性，在當代人的文化生活中佔有重要地位。電影音樂的主要特徵視聽統一的綜合性 電影基本上是一種視覺藝術，但聽覺要素也是不可缺少的重要輔助部分。電影音樂與對白、旁白、音響效果等其他聲音因素結合後，如與畫面配合得當，能使觀眾在接受視覺形象時，補充和深化對影片的藝術感受。電影音樂如脫離畫面單獨存在，則失去其視聽統一的綜合功能。但特別完整的片斷，仍可作為獨立的音樂作品予以演奏和欣賞。
電影音樂是在影片中體現影片藝術構思的音樂，是電影綜合藝術的有機組成部分。它在突出影片的抒情性、戲劇性和氣氛方面起著特殊作用。電影音樂已經成為一種新的現代音樂體裁。

性質與特點
編輯
電影成為綜合藝術之後，音樂雖然仍保持著本身所具有的藝術表現的特殊性。如擅長抒情、不擅長敘事、需要聽覺來感受、需要時間的過程展現形像、通過演奏和演唱的再創作才能欣賞，但是，在表現的方式上卻發生了相應的變化：
①音樂構思須根據電影的題材內容、風格樣式、人物性格及導演的藝術總體構思，使音樂的聽覺形像與畫面的視覺形像相融合，體現綜合性的美學原則。除神話片、童話片、科學幻想片以及現代的實驗性的電影以外，電影中的人物造型、表情、動作、語言、環境氣氛等，大都是接近現實生活的自然形態。因而，電影音樂也不象一般供音樂會上演出的純器樂曲和舞台演出的歌劇音樂、舞劇音樂那麼誇張和程式化。
②音樂常常與對話、自然音響效果相結合。在無聲電影時期，有時音樂是唯一的聲音，從頭至尾貫串全片。由於錄音技術的進步，進入有聲電影時期，除音樂之外，還可以錄制語言和自然音響效果，解脫了在無聲電影時期音樂超負荷的現象。導演和作曲家從電影的真正需要出發，只有在表現抒情性、戲劇性氣氛的時候才恰當地、有效地使用音樂。這樣，既符合音樂的藝術規律，又提高了電影綜合藝術的美學功能。這使音樂真正地發展成為電影綜合藝術的重要的有機組成部分，對電影音樂形成分段陳述的結構，也有促進作用。

類型
編輯
現實性與功能性電影音樂，按照在電影中出現的方式，分為兩大類：一類是現實性的音樂，也叫做客觀的音樂，這類音樂在畫面上有聲音的來源；另一類是功能性的音樂，也叫做主觀的音樂，這類音樂在畫面上沒有聲音的來源。
現實性音樂包括在電影生活場景中出現的各種音樂（或歌曲）。例如在音樂會上表演的音樂(或歌曲)、歌劇音樂、舞劇音樂、節日歌舞、街頭小唱、街頭音樂以及通過收音機或錄音機播放的音樂。還包括特別引人注目的劇中主要人物的獨唱與對唱、獨奏與合奏等等。這類音樂（或歌曲）都是由劇作家、導演事先在文學劇本和分鏡頭劇本中安排的。
功能性音樂一般是由作曲家專為電影創作的，著重表現畫面中所沒有或不能表現的劇中主要人物的動作，特別是心理活動。
在電影中，雖然從音樂出現的方式上分為兩種類型，但在實際的運用上常常相互轉化，有時從現實性的音樂轉化為功能性的音樂，也有時從功能性的音樂轉化為現實性的音樂。

㈦ 世界第一首電影歌曲

第一首電影歌曲

阮玲玉、金焰主演的《野草閑花》（1930年攝制）中，有一首《尋兄詞》，被認為是中國第一首電影歌曲。它採用的是蠟盤配音的方法，即將聲音錄在特製的蠟盤上，然後用一種與放映機同步的唱機為影片配音。
尋兄詞：

從軍伍，少小離家鄉；

念雙親，重返空凄涼。

家成灰，親墓生春草，

我的妹，流落他方！

風凄凄，雪花又紛飛；

夜色冷，寒鴉覓巢歸。

歌聲聲，我兄能聽否？

莽天涯，無家可歸！
世界第一，暫時還不太清楚！

㈧ 電影史上第一部交響化的電影配樂是什麼配樂

鯊灘

8.2分加入收藏
主演：布萊克·萊弗利奧斯卡·賈恩那達塞多納·萊格布蕾克·萊弗利
導演：佐米·希爾拉
類型：動作災難恐怖驚悚
時長：82分鍾
年代：2016
地區：美國
簡介

㈨ 音樂結構的電影音樂的結構

電影音樂的結構是建立在電影音樂與電影的總體關系基礎上的。
兩種結構類型：框架型結構和點描型結構。 概念：指電影中，由主題音樂作為全劇音樂的框架，對全劇內容進行關照和概括，並做貫穿和發展的一種結構類型。
適於承載重大的題材與體裁，音樂往往承載著比較豐富的內涵與內含。經常使用主題音調的貫穿、發展和變奏手法。
兩種類型：由主題音樂引申發展和由主題歌引申發展。
1、主題音樂引申發展的框架型結構
是電影音樂發展過程中最先出現的結構類型。也是目前電影中最常見的結構。
一個或者多個主題音樂貫穿全劇。往往代表著電影當中非常重要的人物、地點或者情感線索。
單主題結構、雙主題結構和多主題結構
a、單主題結構
概念：指電影中只有一個作為框架的主題音樂，她做為音樂的核心貫穿全劇。
範例分析：《紅色小提琴》
「安娜主題」：
一、克萊蒙納的神秘凄楚
二、維也納的清新典雅
三、牛津的浪漫狂野
四、上海的壓抑哀傷
五、克萊蒙納的平靜安詳
b、雙主題結構
概念：指電影中具有兩個作為框架的主題音樂。這兩個主題往往代表著不同的含義，在劇中有同等重要的地位。
範例分析1：《卡薩布蘭卡》
一、歌曲「As Time Goes By」，作為影片的愛情線，代表著男女主人公里克和伊爾莎之間難以割捨卻又不得不割捨的愛情；
二、法國國歌《馬塞曲》，作為影片的政治線，代表著來到卡薩布蘭卡的各國居民，特別是地下黨成員，對納粹暴行的反抗和斗爭的決心。
範例分析2：《時光倒流70年》
一、《帕格尼尼主題狂想曲》，代表著麥肯娜與科里爾冥冥之間存在的一種聯系，比較含蓄；
二、時光倒流主題則是二人愛情的明確寫照，顯得更加直白。
c、多主題結構
概念：電影當中有三個或者三個以上的作為框架的主題音樂，它們各自代表著劇中比較重要的角色或者情緒色彩。
多主題結構是框架型音樂結構中最為常見的結構模式
範例分析1：愛德華大夫
（1）序曲和終曲的使用
A、B、C主題的使用向觀眾預示著影片圓滿的結局。
（2）字幕音樂的使用
引入新的音樂元素D，讓人不寒而慄。E主題作為過渡的音樂使用。
（3）場景中的音畫同步
場景音樂直接來源於主題音樂，在音畫同步配置的過程中完成了主題的貫穿和發展。
（4）音樂的持續使用
音樂持續的時間很長，跨越好幾個場景，根據影片的內容按照主題音樂為框架形成各種變化。
（5）高潮中的音樂使用
每一個主題在出現時都有一個明確的情感意義。影片中需要表態特定情感或氣氛的時候，就可以直接拿來用。
《愛德華大夫》的七個主題
Theme A:
輕快活潑
Theme B:
中性
Theme C:
愛情主題
Theme D:
偏執主題
Theme E:
過渡連接
Theme F:
含蓄愛情
Theme G:
兇殺主題
範例分析2：《藍》
由於存在多個主題音樂，因此採用多主題音樂結構的影片往往會具有類似交響樂的音樂布局。主題音樂、場景音樂，甚至影片結束時的音樂都會成為音樂整體結構的重要組成部分。
（1）與人物命運相關的幾個主題音樂
表現朱莉悲劇命運的一個具有象徵意義的主題音調：
朱莉丈夫創作的協奏曲帕蒂斯主題，代表朱莉丈夫的精神存在：
奧利夫創作的主題音樂：
（2）與眾不同的「空鏡音樂」
在影片中，導演經常反常規的用長達數十秒的黑鏡去凸顯音樂，音樂既是被鏡頭托出，實際上又是在延伸著畫面，與情與景都是渾然天成。
（3）概括與發展性結尾音樂
結尾音樂是高度抽象和高度概括的比喻，結構類似採用奏鳴曲式的交響樂的尾聲。
從合唱開始，先後出現了居中人物的畫面組接，似乎在概括影片中發生的故事。
長達2分鍾的帕蒂斯主題和朱莉的頭部特寫不僅是回顧，似乎還暗示著一個永遠無法解開的心結。
女鄰居善良的親情、同情心和對自己職業的特殊解釋是否也是一種人生。
吹笛人與朱莉的人生似乎有著天壤之別，但為什麼屢屢出現在朱莉面前，有什麼必然聯系？
……
另外：
如果影片的主題音樂是具有哲學情懷的主題音樂，或者是具有某種象徵性符號作用的主題音樂，那麼該主題音樂和場景音樂之間的區分就不是非常明顯。這時影片的音樂結構仍然屬於主題音樂發展而成的框架型結構，只是主題音樂是站在一種更高的層次上對影片進行關照而已。
主題歌引申發展的框架型結構
作為電影概括提點劇情的音樂形態，主題歌在旋律上有兩種形態：
一種是主題歌的旋律作為全劇的音樂主線進行貫穿發展，並與具體的場景音樂相結合，這時主題歌的旋律的作用實際上就等同於主題音樂；
另一種形態則是主題歌的旋律與影片當中具體的配樂無關，卻能夠用它所營造的氣氛為影片營造一個整體上的藝術框架，而在故事情節發展的過程中，音樂主要是點描型的場景音樂。
a、主題歌旋律貫穿發展式的框架型結構
採用這種結構的電影，其主題歌旋律的作用與主題音樂一致。或者說，主題歌就是若干主題音樂連接到一起，加上歌詞形成的。
b、主題歌旋律不參與貫穿發展的框架型結構
電視劇中的主題歌在多數情況下不作為主題音調來進行貫穿發展，著重考慮用歌詞的意境來統領全劇。但當每一集在播放的時候都能夠對主題歌進行一次重復，因此主題歌旋律實際上也起到了貫穿全劇的作用。並且往往還會出現一些具有部分貫穿性的、代表特定形象與情感的音樂，這也是對作品音樂形象統一化的一種彌補。 概念：電影的音樂當中沒有一個能夠占據核心地位的主題音樂，劇中所有的音樂幾乎都是為獨立的場景而專門創作的場景音樂或插曲，或者是過渡性的轉場音樂，以此作為點描來為電影添彩增色。
以修飾方法來分，點描型的音樂結構可以分為四種：情節性點描、過渡性點描、色彩性點描和綜合性點描。
情節性點描
概念：電影中的音樂能夠參與到場景當中，從而帶動情節的發展，營造氣氛。
特點：「惜樂如金」，但一旦使用音樂，就要讓它發出異彩。所以往往出現在以情節取勝的電影里。
過渡性點描
概念：電影中的音樂基本不參與到情節當中，只起一個場景過渡的作用。
特點：音樂的比重較小，每段音樂也比較短，只把音樂作為一種轉場的手段來應用。
色彩性點描
概念：是點型結構當中最為常用的一種音樂點描方式。
特點：音樂的類型比較豐富，音樂的使用量也比較大，其作用類似於音響，因此在許多的動作片和科幻片中比較多見。
範例分析：《黑客帝國》
影片的音樂用量很大，達到100分鍾。且構成極為復雜，包括傳統的管弦樂器、電聲樂器、合唱、MIDI合成合成音樂，以及其它特殊樂器。
此影片配樂追求的不是旋律性，而是動態和節奏的變化。
音樂和音響合二為一。
綜合性點描
概念：大部分採用點描型音樂結構的電影作品，都會含有情節性、過渡性和色彩性點描音樂。如果很難區分哪一種點描性在其中占據主導地位，我們就可以將其音樂結構稱為綜合性點描結構。