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法国电影艺术家鉴赏

发布时间:2022-09-29 10:35:42

A. 关于奥斯卡获奖电影《艺术家》有什么评价

《艺术家》以黑白默片的表现形式拍摄,音乐、字卡交代剧情,音效、双关阐述默片与有声片的艺术形式与角色关系,值得玩味。

片头衬着传统配乐的字幕图案来呈现演职员名单。以一段科幻冒险片引领开场,之后发现这不过是电影院中正在播放的一部“戏中戏”,伊始就已透过为默片配乐的雄壮交响乐来暗示“有声”与“无声”的紧密结合,来营造反讽效果与隐喻意味,颇具巧思。

故事上则采用年代体,最初时间为1927年,正值默片与有声片交替时期。世界第一部有声片《爵士歌手》(The Jazz Singer)便是诞生于这一年。而《艺术家》中的男主角乔治.瓦伦汀是无声片时代的大明星,他在影院外做宣传时与迷恋他的女影迷佩蒂相识。而佩蒂恰好在这个有声片崛起的时期进入影坛。

B. 法国经典电影推荐

法国经典电影推荐

1、天使爱美丽

《芳芳》是最著名的经典法国片之一,这部浪漫爱情电影讲述了即将结婚的见习医生亚历山大邂逅香水专业的学生芳芳后坠入情网,在芳芳与未婚妻间矛盾挣扎,陷入灵与肉的两难境地难以抉择的故事。

法国式的浪漫和苏菲·玛索的美丽在本片中表现得淋漓尽致,该片曾获得戛纳电影节最受欢迎电影,也是当年法国最卖座的影片。

C. 影片赏析之《艺术家》

       众所周知,电影起源于法国巴黎。1895年,卢米埃尔兄弟拍摄的《火车进站》,一分钟的会动的镜头在法国一家地下咖啡馆上映,就此开启了无声电影时代。在2011年,一部致敬好莱坞的怀旧默片《艺术家》上映了,这是一部美式爱情作品,但这爱,讲述的是对电影的爱,确切地说,是对无声电影时代的爱。

       故事背景设置在1927年,这是有声电影冲击无声电影的重要年份。影片用极为细腻的手法展现了对未来毫无知觉的默片时代的艺术家的种种焦虑和不适。故事中乔治·瓦伦丁是原来默片时代风光无限的明星,在镁光灯和粉丝追逐中,他自我陶醉并形成了骄傲自负的性格。性格极好,又肯努力的派茜·米勒当时因为和乔治的合作而有了一点名气,得到了一些机会,一步步努力着,且派茜心中十分钦慕乔治。在有声电影时代来临时,派茜投入有声电影的大潮中,一炮而红,事业如日中天。而乔治却不愿意接受这一新事物,坚守着自己对于无声电影的那份喜欢,拒绝了一切有声电影的邀约。但是渐渐地,随着时代的发展,无声电影渐渐淡出历史舞台,乔治接受不了,决心自己投资拍摄一部无声电影,想借此重新将无声电影带回大众的视野中。但这是一场注定失败的冒险。电影不卖座,与此同时,股市崩盘,乔治破产了,孑然一身的他不得不变卖家产,接受默片已经退出历史舞台的现实,这时候,他的妻子也离开了他。绝望的乔治烧掉了自己之前拍摄的所有的无声电影的录影带,却把和派茜合拍的电影死死抱住。

       在有声电影时代事业如日中天的派茜一直关注,爱慕着乔治。在火灾之后,乔治被派茜接到自己家中休养,却在无意中发现自己被拍卖走的物品,强烈的自尊心和受挫感使乔治企图吞枪自杀,关键时刻派茜赶到,在一番劝说之下,乔治答应和派茜一起拍有声电影。最后,在派茜的积极劝说和情感慰藉之下,乔治顺利过渡到了有声时代,再度展现了自己的表演天赋和艺术才华。

       在柴焰老师的讲解中,有提到为什么《艺术家》会在国际影坛上风靡这么久,并在2012年的奥斯卡颁奖典礼上斩获五项大奖:

1,以“技术”倒退的逆向思维展现纯粹的不加矫饰的电影艺术之美。

2,影片巧妙地利用了观众对好莱坞时代的怀旧心理。

3,现代的拍摄手法(包括影片中男主人公酒吧买醉的那一段,镜头从男主人公转向桌面上的倒影,在慢慢转向男主人公,还有斜镜头等)。

       那现在来谈一谈《艺术家》带给我的一些感受。随着技术在不断革新,科技不断发展,许多我们原有的生活方式,生存方式,运用工具都在发展。有了计算机,再复杂的计算也不过几秒,通晓较为原始的计算工具——算盘的人就寥寥无几了,现在孩子几乎不知道算盘是什么。有了自动化工具,铁雕的部分工艺已不再需要锅炉,直接用轻便的点焊方式去代替。有了互联网,很多时候大家也不必为了看一场演出而露天站立了。互联网时代,技术化时代,我们在享受时代的发展给我们带来的如此大的便利的同时,那些传统的工具,方式,包括,茶艺,书法这等千古流传的传统技艺,或者说是文化,我们对它们的标签已经脱离日常依赖,将之作为艺术了。现代的技艺与工具,给我们带来的是更好的各种体验,但追溯到源头的那些东西,似乎,我们都习惯了用“韵味”一词去概括。而所谓的艺术或者是韵味,在我看来,就是不落实处,不能完完全全表达清楚。因为落实地清楚了,就俗了。

        回到《艺术家》,不适应时代发展的守成是不是死板,我觉得,如果是技术上,是;如果是原则上,方法上,不一定。因为,还有种东西,叫传承。

D. 戈达尔一生有过哪些作品所获得的成就有哪些

戈达尔是一位法国导演,在91岁时去世,他一生拍过很多影视作品,比如《精疲力尽》和《爱情与愤怒》,他曾获得终身成就奖,是一位德艺双馨的好导演。

戈达尔在电影界上的成就是空前绝后的,他打破了法国传统叙述方式的拍摄,是无剧本拍摄的鼻祖。他的电影都非常富有创新性,而且打破国家的界限,能够把全国各地融入在一起,给人一种灵魂的共鸣。他是法国的国宝,也是一位电影天才,他的去世引起了全国的震撼,就连导演王小帅都说,戈达尔的去世让电影历史停下了脚步。

戈达尔是当之无愧的艺术家,他的去世是导演界的损失,而他所留下的经典之作,永远在人们心中定格成永恒。

E. 法国大导演戈达尔为什么会选择安乐死离世,如何评价他的选择

30岁的戈达尔完成了他的第一部长片电影《精疲力尽》,随后获得柏林电影节最佳导演 奖。几乎在同一时期,里维特拍了《巴黎属于我们》,夏布洛尔拿出了《表兄弟》,特吕弗也推出 了《四百击》。 以戈达尔为代表的这批年轻导演强调“作者性”,认为拍电影就是“写作”。电影内容的主题也更 加偏向现实主义,强调生活流,注重展现人的体验和精神过程。这被当时的新闻记者们称之为“新 浪潮”。 

《当代电影》杂志曾写道:“新浪潮运动为法国乃至世界留下了宝贵的电影文化遗产,影响波及许 多国家,如上世纪六十年代的德国新电影、美国新电影、巴西新电影等等,甚至上世纪八十年代后 期中国的第五代电影也是踏着法国新浪潮的余波走向了国际影坛。” 在《戈达尔访谈录》中有这样一段对话。观众认为戈达尔在其作品中融入过多其他元素。

五、他在18岁时回到巴黎,通过参加在巴黎市内拉
丁区的电影放映会开始接触电影。
在电影会,戈达尔认识了一大批后来同他一道成为法国电影新浪
潮的代表人物,包括安德烈·巴赞、克劳德·夏布洛尔、弗朗索瓦·特吕弗等人。安德烈·巴赞创办了如今在电影评论界最负盛名的刊物《电影手册》,戈达尔和埃里克·侯
麦、雅克·里维特转而为其撰稿。但在随后的时光里,这一批影评人都先后转向了电影导演。 

电影世界的成功范式由好莱坞缔造。派拉蒙、福克斯、米高梅等大公司掌控了“什
么是电影”的话语权。能吸引观众的故事、跌宕起伏的叙事、有影响力的明星演员,以及普世价值
观是一部主流好电影的标配。
但戈达尔等人认为电影的本质是写实。他提出“电影就是每秒24格的真实”的口号,认为经典好莱
坞式电影是一种将艺术和生活区隔开的虚假银幕世界。

F. 2012年奥斯卡最佳影片《艺术家》我感觉情节很平淡,但为何能获奥斯卡奖呢

因为是黑白电影默片,形式新颖,再者那种爱情不是很美好吗,个人觉得正是没有其他电影的喧嚣才好看的,其中也阐述了电影发展史和好莱坞的生活吧

G. 戈达尔算是法国最伟大的电影人吗他的电影有什么特点

在法国戈达尔也是比较出名的一个导演,拍摄过很多影视作品,受到了观众的认可,而这些作品都是比较有特点的,戈达尔在拍摄电影的手法上跟其他导演有一些差别,戈达尔会更加喜欢记录真实的一面,拍摄出来大部分的作品都会给人很真实的感觉。戈拉尔拍电影的时候,想法也是比较大胆的敢于创新和挑战。《随心所欲》这个作品在播出之后就获得了特别奖项。《狂人皮埃罗》也获得过金狮奖,《已婚妇人》,《女人就是女人》,《中国姑娘》,《受难记》等电影在上映之后都取得了很不错的成绩,戈达尔也因此也获得了无数奖项。

戈达尔的去世也让很多粉丝都感觉到惋惜,毕竟在电影界的地位也是无法撼动的,在这些作品当中也能够感受到哥达尔的用意,拍摄的电影都以真实为主。在法国戈达尔也是有很多崇拜者的,而且很多导演也都非常想要跟戈达尔学习拍摄技巧,在电影界当中也给电影的形式赋予了新的意义。

H. 《艺术家》是一部什么影片

《艺术家》是一部:

充满诗意而动人的纯音乐剧,尽管没有台词,但它却在无声中讲述了一个永恒的浪漫故事。默片就是无声电影。1895年12月28日,法国的卢米埃尔兄弟在巴黎的一家咖啡馆的地下室里放映了世界上第一部影片。这一天通常被认为是现代电影的诞生日,此时的电影还是无声的。

其实,录音技术在当时已经被发明出来了,不过电影依然哑了很久。早年的电影观众们最多在无声电影现场,听听乐队演奏的、供烘托气氛用的背景音乐。

相关如下

有声电影迟迟不能出现,是因为做不到“音画同步”。同时用留声机、电影机播放声音和画面,只是折中的做法,效率低且无法适应工业量产。人们需要这样一件电影设备,它可以同时记录下声音、画面,并存储在同一载体上。

一位牛人在关键时刻出手了,1910年8月27日爱迪生宣布发明了有声电影。此后,经过大约10多年的改进,有声电影逐渐进入了电影工业。尽管无声电影大师们对此很抵触,但终究挡不住市场的需求。20世纪30年代后期,默片彻底退出了历史舞台。

电影《艺术家》以(几乎)全程无声的形式讲述了在默片衰败之际,一位默片明星经历的种种风波。不 管怎样,作为电影观众来说,这些创造电影艺术的前辈都值得致敬。《艺术家》就是这样带给我们历史的重温,导游迈克尔·哈扎纳维希乌斯用最大胆的手法,重现 了黑白默片时代的辉煌。

I. 什么是法国诗意电影它的声音表达有何特点

30年代的法国诗意现实主义,继承了20年代先锋主义电影运动中的创新精神和实验精神。优秀的法国电影艺术家们,以充沛的精力,接受了电影声音的挑战。他们并没有完全背离视觉的表现力,而是有意地避免默片那种只能在画面上作戏的方式,并富于想象力地去创造着一种新的艺术形式’。他们在影片中,往往以诗意的对话,引人人胜的视觉影象,透彻的社会分析,复杂的虚构结构,丰富多彩的哲理暗示,以及机智与魅力构成了一个复杂的、细腻的混合体,表现出法国电影在思想上的成熟。、诗意现实主义的出现与社会现实有着一定的联系。20年代被称作“疯狂的年代”,人们刚从每一次世界大战中苏醒过来,在生活企表现出一种放纵,在艺术上则是大解放,其中电影是最为明显的:放纵的终点是经济大萧条的出现。而法国比较欧洲的其他国家,经济萧条和危机的时间都要更长一些(1929年一1935年)。人们开始注意到如何活下去,并不得不在日常生活中去寻找一点点乐趣,一点点诗意。但是,法国电影的投资方式既不是国家的,也不是资本家的。因此,他们的现实主义既不是:好莱坞式”的,也不是“夏伯阳式”的。法国的电影艺术家们,在他们的作品中,表现出了作为独立个人的特性(个性),使影片真正成为了艺术品,而同时也具有一定的商业性。因此,他们的影片在这段时期,不仅只是在他们的“电影俱乐部”中为少数艺术家观赏,而且也能够在法国普遍的影院网络中,被更广泛的人们所接受。在当时的法国,一些投资商或制片人,常常认为是具有一定文化修养的人,他们有时为艺术敢于冒风险。同时,由于与国外电影业的竞争,也出现了商业上的竞争。竞争促使了艺术上的成熟,这的确是非常有意思的事情。一些导演由此出了名,而被国外请去拍片子,比如:雷内。克莱尔去了英国、杜维威尔去了美国,等等。

声音的处理。1.语言的运用上的特点:一是,德、法、英、俄的四种语言在影片中的混用,它丰富了电影声音的表现,同时,语言本身的冲突又造成了叙事的戏剧性和复杂性。二是,影片中的语言和对话同时表明着人物的不同身份和阶层,说明着人的隔阂状态。不过,影片中的很多语言也应该说是带有很强的人工雕琢的痕迹的。2.音乐的处理,它几乎起到主导影片动机的作用。《大幻灭》鲜明地谴责了那个造成这场大战,并将被这场大战所消灭的统治阶级的堕落和多余的人物。欧洲的贵族随着第一次世界大战,做了姿态优雅的自杀。把生命变成冷酷无情的谋杀的游戏,并附有一套人造的规则,最终就是把生命变成死亡”,影片《游戏规则》则以一个专门的主题进行了表现,描绘一个死亡社会的死亡的价值——实际上是两个死亡的社会——富有的主人的社会和那个模仿他们主人的假绅士派的寄生的仆人的社会。主人和仆人都是重仪表轻真诚和人情的坦率表露,其必然结果就是死亡。

J. 吕克·贝松的概况 他电影的特点及镜头运用的特点 别复制

吕克·贝松1959年3月18日生于法国巴黎,幼年的理想是做一名潜水运动员和航海家。但是17岁时的一次潜水事故打破了他的童年梦想。贝松很快调整了自己人生的目标。决心做一名电影制片人,于是19岁那年来到美国洛杉矶,学习了3个月的电影制作课程。并开始拍摄一些试验短片。1983年,贝松的电影处女作《最后的战斗》问世,这部多次获奖的黑白、宽银幕的无声科幻片,据说是23岁的他用3法郎六苏拍成的。吕克·贝松似乎向世人证明了,在法国即使没有受过专业的电影教育,找不到投资,依旧可以拍出与众不同的电影。也正因如此,贝松曾经一度被奉为法国年轻导演的开路先锋,不管他乐意不乐意这一称呼。 《地铁》和《碧海蓝天》为吕克·贝松在国内和国际赢得了声誉。虽然当年的法国凯撒奖有点吝啬地仅仅将“最佳录音”和“最佳音乐”奖授予《碧海蓝天》.但是贝松却公开表示这部影片是其导演生涯中最为得意的作品。毕竟,这部作品倾注了贝松少年时的激情和梦想,贝松终于可以用他的摄影机捕捉他童年时代所看到的海洋的光影和生命。影片中的潜水员杰克最后葬身大海,更确切的说,那是他真正的生存,杰克莫不就是贝松理想中的化身?

80年代的法国有所谓BBC年轻导演之说,即专指Beinex、 Besson、 Carax(贝内克斯、贝松、卡拉克斯)这三位新锐导演尽管有很多相同与不同,但其最大的共同点却是对蓝色莫名其妙的偏爱。从贝内克斯1980年拍的《女歌星》开始,蓝色就充满了银慕,卡拉卡斯则拍了《卑贱的血统》;而贝松的《碧海蓝天》更是从片名到内容都蓝色的调子。贝松苦心孤诣营造的对大海的向往和浪漫情怀自然是无人能比,其精彩的水下摄影恐怕令《钢琴课》和《泰但尼克号》的导演也受益匪浅。

《尼基塔》与《杀手莱昂》是吕克·贝松由艺术影片向商业影片的成功过渡。《尼基塔》讲述了一个暴力团女成员是如何被改造为国家职业特工杀手的过程,其特工杀手的身份和她内心深处爱情和人性的萌动构成了这部影片的独到之处,而《杀手莱昂》讲述 了一个渴望从善的杀手和一个渴望复仇从恶的女孩之间的故事。这部带有艺术气质的法国商业片至今仍是世界各国的电影学子们精精乐道的范例,其中的许多细节诸如莱昂身边的那株绿色的植物和“记住永远不要杀妇女和孩子”等精彩对白令人难忘。单凭那株绿色的植物,就不是好莱坞的编剧所能想到的。《杀手莱昂》夺得了当年凯撒奖最佳影片奖,贝松则荣获最佳导演奖。自90年代以来,法国艺术电影的繁荣将法国商业电影推到了一种尴尬的境地,在法国以外的地方,拍艺术电影是雳要很大的勇气的,因为你要面临着严峻的生存问题,在法国则不同,如果一个电影艺术家要去拍迎合大众口味的商业电影,似乎而要更大的勇气。吕克·贝松就是这样一位“不合时宜”的导演。

80年代中期,贝松拍摄了《地铁》,《碧海蓝天》等艺术电影之后,被法国评论界称为前途无限的年轻导演; 90年代贝松在拍摄了《杀手莱昂》、《第五元素》之后,却受到了法国电影理论界的轻视。《第五元素》1997年在全球创下了2亿7千万美元的收益,名列当年世界电影的第三名,不管评论界如何评论这部电影,它向我们展示了一个法国导演眼中的未来世界,在电脑高科技与时空交错的叙事中,带给我们一丝不同于好莱坞大片的历史和人文内涵。

吕克·贝松是当代法国电影影坛最受瞩目而有争议最大的导演。尽管《第五元素》在商业上的成功使得法国最大的电影公司高蒙公司的营业额翻了一翻,但是贝松在国内却常常被说成是向好莱坞电影投降的反面典型。为此,苦闷的贝松常常要飘浮过海去好莱坞寻觅知音。影片《第五元素》集科幻、惊险和打斗于一身,是欧洲有史以来第一部成本高达近一亿美元的英语对白影片,显示了法国电影人复兴本国和欧洲电影业的决心和勇气,影片莱获1997年戛纳国际电影节技术大奖,真故事内容本是吕克·贝松在16岁时就开始构思,当时卢卡斯的《星球大战》刚刚问世,显然贝松的想象和构思与之相比还很不成熟。

事隔20年之后,贝松依旧念念不忘少年时代的构想,经过20年的筹划.该剧本具备了贝松前五部故事片的基本要素。虽然有评论认为《第五元素》似乎更像是一部法国未来主义的滑稽笑剧,认为不过是视觉效果做得好,但是1997年在第50届夏纳电影节开幕式上作为开幕影片放映的时候,这部表现人类未来23世纪的科幻片还是引起了轰动。影片中,布鲁斯·威利斯扮演的主人公驾驶着他的那辆抗地球引力的黄色出租汽车飞越纽约城市上空的镜头,与卢卡斯的星际字宙飞船相比毫不逊色。当年那个看着《星球大战》长大的贝松,20年后终于和卢卡斯站到了一起。

早在《碧海蓝天》中,吕克·贝松就显示出他对大制作和宏大场面的迷恋与追求。从《第五元素》和《圣女贞德》开始,贝松日渐游离他过去所从属的那种电影形态,将目光瞄准了国际市场,不仅在类型方式上玩尽花招,还在制作成本上不断升级,这也许就是贝松在本国遭到非议的主要原因。而此时的好莱坞也开始在世界各国招兵买马,其首选就是吴宇森和吕克·贝松。贝松法国式的浪漫风情以及吴宇森东方味的英雄情结倍受好莱坞的青睬与模仿。贝松最终用《第五元素》和《圣女贞德》证明了娱乐大片不是好莱坞的专利,法国人不仅能制造低成本、小制作的艺术电影,还能生产在全球盈利的商业巨片,一个法国人可以在美国的地盘上“与他们相抗衡。今天的贝松似乎成了成功的榜样,我们可以毫不犹豫地将他看作和斯皮尔伯格同一类型的商业片大导演,但是殊不知贝松能够走到今天。付出了极大的代价。

作为第一部高成本的欧洲影片,《第五元素》1997年夏天在影院公映的时候,开始票房并不令人乐观,看惯了艺术影片的法国观众和受到好莱坞商业大片熏陶的美国观众并不抱有太多的兴趣。影评人的反映也是贬大子褒,影片最为致命之处还在于它高达1亿美元的巨额成本。但是奇迹出现了,《第五元素》居然克服了它的先天不足和不祥预兆,在不到一个月的时间里在几个主要西方国家广泛放映,影片是大赚了一笔,但是评论界对贝松和这部影片的依旧低调处理。

吕克·贝松并不因为这些评价动摇自己的追求和信念,他要拍一部法国人和美国人都叫好的影片。他的《圣女贞德》选取了历史和现实,民族和国际的恰当交融,拍完之后好评人潮。圣女贞德是法国人心目中的女神,她以自己的生命成就了一曲不朽的传说。有关圣女贞德的,视作品不计其数,可是只有三部影片值得在电影史上留下一笔,他们分别是:德莱叶导演的为电影默片时代划上精彩句号的《圣女贞德受难记》;布莱松导演的极度忠实于宗教情节和原审判材料的《圣女贞德受难》:吕克·贝松耗时三年拍摄的史诗性巨片《圣女贞德》。

布莱松的《圣女贞德受骓》仅仅截取了贞德受审和走向火刑架的一段史实,表现了女主人公的宗教信念和历史的真实瞬间。而吕克,贝松的《圣女贞德》则展示了波澜壮阔的英法百年战争和贞德作为一个少女和法兰西战士的浪漫情怀。和布莱松一样,吕克,贝松也是注国影坛一位孤独的探索者,也许这是这两位不同时代的法国导演的唯一相同之处。也许正是这唯一的相同,才使得他们同样偏爱贞德这个历史人物,只不过他们诠释历史人物的方式有所不同。在吕克·贝松的导演手记里我们看到贝松对贞德的评价:、贞德是我们的先祖,在她的信念和纯真之间捕捉到的东西,又在她的时代失去,正像我们在自己的时代所失去的一样,”贝松在这部影片中表达了自己对于这段历史的独到思考:“难道人类的思想必得沿着如此曲折的道路,才能发现隐藏在邪恶背后的善良吗?”

吕克·贝松这位影坛孤独的探索者,即使是在他的商业巨片中,我们也可以感受到他对历史和生命的终极认识,触摸到他作为一名法兰西战士的心路历程。无论是《碧海蓝天》中的杰克,是《杀手莱昂》中的杀手,还是《圣女贞德》中贞德,我们都会感到:这就是吕克·贝松。

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