『壹』 仿照游戲改編的第一視角的FPS類（槍戰類）的電影、有知道的說下。感激不盡
樓主，這是根據射擊游戲改編的電影《毀滅戰士》，英文名《Doom》
『貳』 《入殮師》的影評，從影視的賞析角度，誰看過求影評
實話實說，如果不是《入殮師》獲得了奧斯卡最佳外語片，打死我也不會去看日本電影的。對於日本電影還停留在很早以前在佳片有約上看的《命》，那也是一個讓我感動的稀里嘩啦的日本電影。其實和我一樣抱有相同看法的人確實很多，在3月19日之前，網上根本找不到這片子的完整片源，也就是最近幾天，才在電驢和BT上出現DVDrip格式的下載，隨之我家附近的小店裡也能買到該片D5的碟片了。
人們對死亡一直是諱莫極深的，尤其是中國人對待死亡的態度一直是很消極的，當然像入殮師這樣一個為死人服務的職業也一直是被人們所唾棄的。我想起一個初中同學，曾經他就是在火葬場工作的，當時很多同學家長都以他作為反面教材來教育自己的孩子。
在接觸影片之前，我先接觸到了這片子的原聲CD，剛開始我不得不借著片子的原聲在腦子里構思情節，這種感覺是很奇妙的。當影片畫面和配樂結合在一起的時候，我才發現久石讓的配樂是那麼的好！這也就是吸引我看這片子的另一個誘因，不得不承認久石讓作為現在少見的New-Age配樂大師，配得電影音樂毫不遜色於歐美大牌配樂大師，甚至可以說久石讓的配樂讓《入殮師》這部影片獲得了奧斯卡最佳外語片。因此我將以久石讓的配樂作為主線，以音樂作為切入點，淺析日本作曲家久石讓在電影《入殮師》中的配樂藝術。
簡單質朴的情節，旋律如歌的音樂構成了電影《入殮師》的整體基調，因此久石讓對於電影中配樂的把握也是很有分寸的。主人公小林大悟原本是大提琴師，因此久石讓就以大提琴作為主奏樂器，並通過簡單的弦樂五重奏的方式演繹了電影《入殮師》中的主題段落。
久石讓的配樂和歐美的一些配樂大師是不同的，歐美的配樂大師一般比較偏愛音畫同步似的「對位」關系，他們追求的是音樂「似有似無」，將音樂置於「背景」上的位置，著力讓音樂來渲染環境，音樂甚至和音效等同。而久石讓的配樂是不同的，他配的音樂多數是與畫面平行關系的，看不出明顯的音畫同步的感覺，但事實上此時的音樂卻在著力刻畫著主人公的心理狀態，這就是為什麼日本電影看上去節奏緩慢，但是卻很引人入勝的關鍵所在——音樂成為了片子里的另一個主角！將音樂參與敘事，這是久石讓配樂的高明之處，從《菊次郎的夏天》再到為奧斯卡獲獎的動畫長片《千與千尋》所作的配樂，無不滲透著這樣的思想。而這一點讓我想起了很多歐美的「另類」配樂大師，比如John Barry和Ennio Morricone，他們的配樂就很少音畫同步，而更多的是用音樂參與敘事，用音樂刻畫人物的心理，感染觀眾的聽覺，用聽覺喚醒觀眾內心的共鳴。
《入殮師》中有一個讓大家記憶很深的段落，小林第一次參與入殮儀式以後，夜不能寐，他想到了很多，想到了自己早逝的母親，想到了拋棄家庭和情婦私奔的父親……此時，隨著小林的獨白，鏡頭以第一視角垂直掃過了母親的遺像和一些家什，並最終落在了小林拿出的大提琴盒上。隨後我們聽到了由男主角的扮演著本木雅弘親自演奏的入殮師的主題，此時鏡頭的處理非常巧妙，以一個平行移位的方式由現在聯想到了小林小時候，與此同時配樂在大提琴干澀的音響上，加入了鋼琴和其他弦樂，凸顯了溫暖的愛的氣息。這段配樂在影片原聲CD里叫《On the record》，在其後的情節中，我們從小林的妻子的口中知道這支曲子是父親最愛聽的。其實我個人認為導演將這支曲子作為影片的主題是很明智的，雖然我們聽到小林獨白中對父親拋棄家庭與情婦私奔這件事耿耿於懷，但是音樂卻在溫暖的旋律基調上演化著，這是否也就為片子最後小林原諒父親埋下伏筆了呢？這首曲子最完整的出現則是在影片的最後，在原聲CD里的名字改為了《Memory》（關於此段配樂，後面詳說）。
影片的配樂有一個很容易讓人忽略的主題，在原聲配樂里出現兩次，名字是《Beautiful Dead》，小林參與的前幾次入殮儀式都有這首配樂的加入。配樂兩次出現，第一次出現是佐佐木扮演的老入殮師為一個年輕母親做入殮儀式的情節中，當失去愛人的大男人突然撲在死去的妻子的棺材上失聲痛哭的那一瞬間這首配樂達到高潮。配樂以大提琴和其他弦樂組成的五重奏組開始配樂的主題，凄婉而哀傷，深入細致的描繪著死者家屬觀看小林做入殮儀式時的復雜心境，讓觀眾感同身受，配樂里的高潮段落使用小提琴升入主旋律，從小二度上的主題逐步提升，以大跨度而舒緩的配樂描繪著那個大男人最終被小林和佐佐木扮演的老師傅的入殮師所感染，並失聲痛哭在妻子棺材前的那種五味雜陳。音樂此時早已概括化了！這段配樂第二次出現則是小林為澡堂老闆娘做入殮儀式中出現，主奏樂器從大提琴變為了單簧管。鋼琴上的一個富於試探性的動機引入了小林給澡堂老闆娘做入殮儀式時的心理感受，隨後弦樂和單簧管進入，豎琴華麗的撥奏似乎描繪了澡堂老闆娘平凡而偉大的一生，這次出現少了幾分悲涼，卻多了幾分憧憬和希望，音樂終結在小林的妻子終於原諒丈夫時的那淺淺的一笑……
影片中另一個閃爍著熠熠光輝的配樂段落，就在所有人都津津樂道的「田壟拉琴」那場戲中。這個配樂段落其實是從聖誕夜小林在NK公司吃雞腿拉琴開始的，小林首先拉奏的是古諾和聖桑的《聖母頌》隨著畫面的調轉，我們看到了大量剪輯的小林為死者做入殮儀式，看到了小林忙碌的身影，而音樂也從《聖母頌》自然而流暢的變為了入殮師的主題，這段配樂在原聲CD里的名字是《Ave Maria-Okuribito》。在這里其實導演也通過音樂傳達出了隨著小林工作的深入，他也漸減在內心更加了解自己，更加了解了生命的真諦。這段配樂是完整而一氣呵成的，這也就是為什麼我覺得這段配樂非常好，配樂開始於一部偉大的古典作品，可以說入殮師的主題從某種意義上暗合了《聖母頌》的某些音樂元素，久石讓簡單而順暢的處理這段配樂，不是生硬的將兩個主題拼接在一起，當聖母頌的音樂和入殮師的主題平滑的過渡到一起的時候，音樂由C大調流暢的過渡為了G大調的入殮師的主題，音樂一下變得明朗而開闊起來，此時弦樂適時的加入。由弦樂齊奏開始的入殮師的主題透著一股生命的氣息，活潑而富於希望，尤其是畫面中美麗的白天鵝和春天的那一抹新綠。雖然片子描繪的是入殮的情節，可是卻沒有了一點悲傷的氣氛，此時影片的敘事完全由音樂做主。當這段配樂中的小提琴和中提琴加入時，我們看到了小林賣力的工作，不得不一邊開車一邊吃壽司，這段配樂最終結尾在小林忙完一天的工作出現在家門口發現妻子已經回來的時候……
影片中最讓人潸然淚下的情節無疑是出現在影片最後，小林為父親做入殮儀式的場景中。隨著父親手中小石子的突然掉落，片子最感人的主題《Memory》悄然響起……這段場景沒有一句台詞，一切全都靠音樂來描述，此時導演將小林對父親的回憶與此時小林為父親做入殮儀式的情節，交織在一起，我們看到了那張失焦的父親的臉逐漸清晰起來明朗起來。這段配樂和入殮師的主題是完全一樣，可是卻充滿了脈脈溫情，父子親情在一種剪不斷理還亂的思緒中蔓延著。當我看到這段情節時早已淚眼婆娑，不僅感動於父親始終未泯的對家庭的歉疚，更感動於影片中音樂主題的呼應。這段相似的配樂主題在片子里的幾次出現其實都在暗示著小林最終一定要為父親做入殮儀式的，很多人說結尾沒有新意，其實這才是最大的心意！這正是奧斯卡評委最最最看重的一點：人性的回歸！這一點無論是亞洲電影還是歐美電影都會有涉及，尤其是今年奧斯卡的幾部獲獎影片都是以人性的回歸作為主題的，從根本上說是因為人性的回歸恰恰是這個社會最需要的！
回到配樂，這段配樂簡單質朴，旋律如歌，大提琴和鋼琴對話似乎是替代了小林和父親的對話，雖然沒有台詞，卻通過送石子這個情節含蓄地表達了出來。是否可以這樣說，大提琴這里其實象徵著父親，而鋼琴則象徵著小林？這段音樂代替主人公之口，或者說超越了主人公當時的心境，這里我們似乎看到了小林多麼想與父親見最後一面，多麼想和父親說說話啊，可是現實，可是隔膜最終讓他只能看到父親僵硬的身體，只能通過撫摸去表達了。此時音樂似乎是虛擬了父子對話，抑或是看到了父子之間本應有的正常關系。此時音樂將主人公的心境描摹的如此深入而透徹，細致而精雕細刻，糾結而毫不做作。這樣的配樂我只在《1900》里聽到過那首著名的《Playing Love》，現在可以說我也愛上了這首配樂，它是那樣的沁人心脾，以至於我不得不聽了一遍又一遍……
其實久石讓為《入殮師》所作的配樂是非常有特色的。比如小林澡堂里洗澡的情節里戲謔的配樂，比如小林參與入殮模特的情節中詼諧幽默的音樂，比如小林第一次到NK公司報到時的情節中，有些試探又有些興奮的主題，所有的音樂都非常有特色的渲染著氣氛，烘托著主人公的情感。尤其是片尾字幕的時候，導演為我們展示了一次完整的入殮儀式過程，此時的音樂跳躍而快樂，絲毫沒有一點死亡帶給人的黑暗和悲涼，似乎暗示小林最終在事業上取得的成功，同時在家庭上喜得貴子等等，而這一切都在這段旋律輕快的《Ending》里……
《入殮師》的情節和構架也許是簡單的，傳遞的主題也許是淺顯的，配樂也許是樸素的；可是影片的鏡頭設計卻是獨到的，剪輯和構思卻是精巧的，久石讓的配樂卻是細膩而精深的，影片所探討的人生哲理卻是深沉而樂觀向上。可以說，我喜歡這部片子不僅僅是因為久石讓的配樂，更多的是探討了生命的意義，人生的價值，生與死的哲理！
『叄』 十三棵泡桐樹 影評
本片根據何大草創作的小說《刀子和刀子》改編而成，該小說是何大草所著的「殘酷青春系列」作品中最被年輕讀者推崇的一部。故事描寫小鎮女孩何鳳與幾個男孩子之間難以言述的情感，和發生在她18歲夏天的一段青春故事。
何鳳是中學里一個遭人白眼的「問題學生」：她留著「板寸」頭，穿著皮衣和陸戰靴，吉祥物是兩把冷冰冰的刀子。刀子和刀子，把青春染成了深色。她所在的高二·一班表面的平靜，隨著轉學學生包京生和金貴的到來而被破壞。富家子弟阿利成了被爭奪的羔羊，就像群雄逐鹿，充滿了緊張和對抗。何鳳和身邊的夥伴，嬌媚而神秘的朱朱，混血而天才的伊娃，還有強悍而陰沉的陶陶，魁梧而粗野的包京生，以及像印地安人一樣樸拙的金貴，都在那個汗膩膩的夏天，歡樂著、疼痛著。
【一句話評論】
中學生的故事，幾個小演員都十六七歲，都第一次演戲，都演得好，這是近期最好看的電影！—— 徐靜蕾
25萬字的小說被改編成為100分鍾的電影，刪減是一定的，但影片與小說的精神脈絡是一致的。—— 何大草
【幕後製作】
關於導演
本片導演呂樂攝影師出身，曾和侯詠合作擔任影片《獵場札撒》的攝影。拍完《獵場札撒》後，呂樂有幸被荷蘭藉世界著名紀錄片大師伊文思選中，擔任《風(紀錄片)》的其中一組攝影工作。1985年以後，呂樂先後擔任《凈土》、《天菩薩》等影片的攝影，並擔任紀錄片《怒江，一條丟失的峽谷》的導演和攝影，該片曾獲巴黎人類學電影節大獎。
1992年，呂樂擔任影片《畫魂》的攝影，該片在造型用光方面都有新的追求和突破。1993年與1995年，呂樂分別擔任張藝謀的兩部影片《活著》和《搖啊搖，搖到外婆橋》的攝影。在戛納國際電影節上獲得最佳技術獎，並闖入好萊塢，獲得奧斯卡金像獎最佳攝影獎提名。
1996年呂樂三度和張藝謀合作擔任影片《有話好好說》的攝影，在該片中呂樂延續了自己一貫的鏡頭跟著故事走的攝影風格，鏡頭的變換使用可以說已達到極致，在社會上引起強烈爭議。在拍攝他第一部真正意義上的「地上電影」《美人草》之前，呂樂曾獨立執導過影片《趙先生》，這部影片雖然無緣與國內觀眾見面，但為呂樂的導演道路打下了堅實的基礎。
泡桐物語
《十三棵泡桐》改編於小說家何大草的小說《刀子和刀子》。該小說被評論界譽為「中國版的《麥田裡的守望者》」。
故事講述的是上個世紀80年代出生的一群中學生的生活狀態和精神世界。
電影以女主角「風子」的第一視角，展開對「80後」一代的感性自述。整部影片都是通過一個中學生的眼光展開，「我」是一個18歲的女孩子，不是一個好學生，刀子是「我」的生日禮物，也是「我」的吉祥物。「我」看沙漠英雄麥麥德的連環畫長大。「我」的父親不夠強大所以母親跟別人跑了，單親家庭的自卑使「我」變本加厲地扮酷……
導演呂樂表示，由劉欣扮演的女主角「風子」是個特立獨行的高中女生，她從穿著到言行，都和一個女孩子的形象格格不入，另類十足，在今天的中學校園中不乏現實比照。然而她的內心非常乾凈。對阿拉伯勇士麥麥德的嚮往，使她為自己的內心永遠保留了一個乾凈、明亮的地方。
呂樂在他的導演闡述中這樣寫道，當我們在揮手之間朗誦出「青春」這個字眼時，它可能真是一個很陽光很美麗的字眼。但與強烈的陽光同時到來的，正是最深色的陰影。好好回想我們有過的青春，青春的近義詞其實是迷惘和叛逆。甚至清楚地記得在某一個冬天起風的下午，獨自走過校園時的苦悶和無助……
原著作者何大草稱贊主創人員
原小說作者何大草並未參與《十三棵泡桐》的編劇，但他並不介意：「我的原著是以一個女孩的第一人稱來寫的，但我是一個男性作家，是從男性角度寫女性視角。呂樂請上海戲劇學院畢業的編劇劉穎操刀。劉穎作為一個女性來進行電影劇本的改編，這是一種互補。」何大草感慨說，一部25萬字的小說被改編成一部100分鍾的電影，有改動、刪減、增加，是非常正常的，雖然電影比原著改動很多，但我看片時感覺小說的精神、氣質、脈絡都保留了。看的時候，我有很多感動和很多復雜的心緒，記憶中2002年那個炎熱的夏天又回來了。呂樂是個非常優秀的導演，他很內斂很低調，但一旦有所動作就會非常有力量，他對演員很自然的啟發也起到決定性的作用。」
談及此次東京電影節獲獎，何大草認為除了歸功於導演呂樂，還有片中那群非職業演員，尤其是女主角何鳳的飾演者、湖南女孩劉欣。何大草十分欣賞劉欣：「她不像人們印象中80後女孩那樣天真浪漫，她是一個聰明、有故事、有天份的女孩，將給觀眾帶來驚喜。」
花絮
·該片在第19屆東京電影節獲得評委會特別獎。導演呂樂獲獎後說，孩子們的世界和成年人的世界密不可分卻又彼此隔離，這就是他們成長的秘密。本屆電影節評委會成員對這部來自中國的反映當代青春生活的影片給予了高度的評價。
·原著作者何大草透露，當初該片以《刀子和刀子》的名字送審，但未通過審查，因片中主人公都是在泡桐樹下約會，所以改名為《十三棵泡桐》。
·呂樂：電影院看到的版本和最初的剪輯版相比，一共調整了16個地方。我覺得後來做出的調整也不是往差了調整，而是讓影片更適合大眾觀看。調整的包括：家庭暴力的部分。七八十年代家庭暴力都很直白的，家長扇孩子嘴巴，審查時認為打得太厲害了要刪改；另一個就是學校裡面師生之間的性傾向和性關系，調整的最多。其實很多女生在學校里都碰到過來自男老師的暗示，強烈的或者隱諱的，拉拉手，摟摟腰，或者更親昵的，這些都被拿掉了；還有一個就是表現社會暴力的內容。
上課睡覺、傳紙條、給老師搗亂、放學不想回家卻在馬路上閑逛，和男同學勾勾搭搭，痛恨考試……如果你的青春歲月里沒有這些，那麼我得說現在的你一定有人格缺陷。每個人關於青春的記憶都與學校有著密不可分的聯系，甚至還有人背著從學校帶出來的一道道傷疤，呂樂的《十三棵泡桐》正是講述這樣一個故事。電影以一種非常樸素和單純的語言，向觀眾展開了一個花季少女的某段青春記憶。影片開頭的敘事風格與王全安的《圖雅的婚事》差不多，都是先拋出一個持有懸疑的矛盾沖突作為鋪墊，之後再來詳述劇情的發展，可惜，這種格局的電影如果出現太多，那麼對我這樣比較挑剔的觀眾來說，就沒什麼新鮮感了。
圈裡人都愛叫呂樂為「呂叔叔」，因為他是出了名的老好人。記得上次雜志采訪呂樂的時候，我們坐在北京女人街的一間咖啡館里，那天下午的陽光特別暖，坐在我對面的他剛好直面太陽。依舊是那件穿了許多年的橙黃色羽絨服，開著一輛最普通的北京吉普，圈裡的人都傳說呂樂拍了這么多年電影依舊不屬於富裕階層，我想從上述的兩處細節，那些傳言應該沒有落到虛處。呂樂一坐下就開始跟我們侃體制問題，你跟他說話的時候，他會像個孩子一樣特別認真的豎起耳朵聽你講話，然後會遲疑四、五秒才對你的問題做出反應。整個采訪過程，我們聊得特別High，你能時不時地聽到我和兩個編輯的爆笑聲，臨了，呂樂一定要替我們買單……關於他，我聽到更多的是：這是中國內地技術最棒的攝影師之一，也是圈裡最善良、易打交道的人之一，而同時，他也是在個人感情方面遭受挫折最多的電影導演之一。
對《十三棵泡桐》的期待值一直很高，但是比較遺憾，我應該在觀影之前先看看何大草的小說原著《刀子與刀子》。看到有人寫的評論說，在原著里，阿拉伯勇士麥麥德的形象在何風的心目中代表著完美，並一直捍衛和引導著她的成長，這個抽象的人物在文字中表現得相當自然。然而在電影里，在充滿寫實風格的青春故事裡，一個乘著駱駝的阿拉伯人突然闖入，會帶來生硬和荒誕的感覺。在文字里麥麥德是英勇的戰士，是美好的化身，但當它在影像里得到具化時，一切都變了味道。同樣給人這種感覺的還有爸爸為何風買裙子的戲，那種荒誕似乎也破壞了影片的整體。
我一直覺得中國當代的文藝作品缺少一種高雅的幽默，所謂高雅的幽默，在我看來就是像馬爾克斯在《百年孤獨》里發揮到極至的魔幻現實主義。余華一直崇拜馬老，他的小說里也不時冒出李光頭跑到廁所看女人屁股，結果寫著寫著就走了樣兒，成了他自己自娛自樂的一堆垃圾。我猜想，《十三棵泡桐》如果能夠處理好小女孩何風對阿拉伯勇士的幻想，一定可以衍生出另一部中國版的《潘神的迷宮》，之所以覺得生硬，或許和電檢制度，和影片的投資成本都有關系吧，這不能全怪導演。
《十三棵泡桐》會讓你又一次站在同情者的角度，去觀望現在正經受著青春歷練的孩子們，影片通過種種現實的描繪，勾起了我們這些過來人的共鳴：老師和同學、學校和社會……一切如舊，對孩子的壓迫更是沒有絲毫地改變。那些老師仍是一副道貌岸然的欠抽相，動輒就用人生轉折來形容高考的重要性，而學校也依舊是揮舞著屠刀，憑借「開除」、「留校查看」等等處罰肆意掠殺著他們心底對社會的信賴和安全感。一個喜歡的男孩子的眼神，老師的一句評價，同桌好友的一次小報告……都有可能對你構成傷害，那個叫黃真真的女生說的很對，她說青春就像方糖——甜蜜，易碎，有稜角。
我不知道在這里拿《陽光燦爛的日子》與《十三棵泡桐》做對比是否會顯得不太厚道。但是坦白說，我個人還是比較喜歡姜文的電影語言，直白而且鏗鏘有力，《陽燦》所體現的青春是光明的，在他和王朔這代人的記憶里，青春充滿各種可能，哪怕是身處一個最黑暗的年代，現實是能夠通過希望與幻想來融化掉的。
如果青春都是這樣，那該多好。。。。。。
『肆』 誰能幫忙寫一篇電影《鋼琴師》的觀後感或者是影評（注意：不是電視《海上鋼琴師》），急用，萬謝！！
]《鋼琴師》是在我記憶中留下比較深刻印象的一部電影，它給了我一種心靈上的洗禮和一種美的享受。在這部電影中許多美的形式都表現的近乎完美。
首先，《鋼琴師》這部作品是電影。電影是一種藝術創造，藝術美就在這部電影中很好的展現。因為藝術美是藝術家對現實生活進行審美反映和審美創造的產物。藝術美是存在於各類藝術作品的審美意象之中。雖然《鋼琴家》的劇本來自波蘭猶太鋼琴家伍拉迪斯羅·斯皮爾曼的回憶錄，該書的力量在於在華沙猶太人區中求生的痛苦與內心的掙扎，正如波蘭斯基所說"該片以令人吃驚的客觀筆觸描述了那段時期的真實情況，客觀到了近乎冷酷和精確的地步。書中波蘭人有好有壞，猶太人有好有壞，德國人也有好有壞……"而電影《鋼琴師》卻是一部電影，他是由羅曼·波蘭斯基導演所拍的，他是經過再加工的，其中多多少少的情節、景象和當時經歷的人有所出入。這就符合了美學中所說的藝術美的本質：藝術美存在於藝術作品中的美，藝術作品是藝術家審美反映和審美創造的物態化形式，因此，藝術美也就是藝術家對客觀世界審美反映和審美創造凝聚並顯現於特定物質符號形態中的美。還有他選了這個自傳作立足點，把鏡頭帶進了二戰的屠猶浩劫中，這段可怕的歷史里，有他躲閃著的童年影子——他母親死在集中營里，他父親倖存下來。所以藝術創造是審美反映和審美創造交融並舉的實踐—精神活動。這種審美反映活動本身具有的心靈激盪，又推涌審美創造的同步展開。這種審美的反映和創造活動，包含對現實美和自然美的真切關照和加工美化。
其次，藝術美的主觀性是強烈的、又往往是隱蔽的。一般地說，藝術家的強烈感情都不是在作品中赤裸裸地表現出來的。這是因為藝術家的任務不是直接出面說服欣賞者，而是通過藝術本身的力量感動欣賞者。因此，藝術家總是把客觀性融入具有客觀性的物態化形式之中。在電影中，鏡頭和場景的細節就成了藝術家展現個人情感的工具。在《鋼琴師》這部作品，鏡頭語言多數都是第三視角轉切第一視角，用主角的眼睛去看待戰爭的殘酷，羅曼·波蘭斯基在表現屠殺和局部戰爭的絲毫沒有含蓄的成分，德軍連續近乎荒誕的屠殺的場景被直白地表現出來。他採用了圍牆分割的對比鏡頭，使人感覺到圍牆兩邊就是天堂與地獄。表現了猶太民族被納粹毫無人性的虐待。羅曼·波蘭斯基他還用審視的鏡頭表現了極端環境里人性的殘酷悲歌，當然猶太人也是有好有壞，從隨即在街頭死去的流民，為了搶奪食物無奈的錘打和哭泣。猶太酒吧里，肖邦的音樂和自私地驗證金幣的商人。這就表現了他比較客觀的視角。細節刻畫中從主角在極端困頓情況下依舊顫動的手指，在腦海里響起的旋律，在飢餓和恐懼中揉搓泥灰的雙手，鋼琴上端放的德國軍服，依舊憂傷、動情的旋律；甚至連德軍軍官辦公桌上的全家合影都一一鏡頭留意了，德軍軍官最後的話也具有深刻的意味。就表現了導演對人性的探討和他對和平的渴望。前後有三個長靜景對比鏡頭，一是嬉戲的華沙廣場，指引遠方的銅像；二是德軍浩盪地行進的廣場，依舊指引遠方的銅像；最後就是依舊指引遠方殘破的銅像，逐漸出現大規模殘垣斷壁的遠景。這種滿目蒼痍給人以強烈的視覺沖擊，更是奠定了全篇的基調。最後也在《降A 大調波蘭舞曲》里結束這段文字，有太多值得反思的，有太多悲哀的，但沒有仇恨和報復；有太多哀傷，有太多期望，卻依舊是謳歌人性的善良和美好！
再次，我覺得在這部電影中塑造了一個很好的藝術形象，甚至創造了一個典型的猶太人的形象。這部電影其實說的是個倖存者的故事。剛開始我認為那個人可以是任何人,鋼琴家,電影導演,或是街邊小販,家庭婦女。 為了生存,每個人都使盡看家本領。這個故事裡的人碰巧是個音樂家,他靠音樂支持精神,靠音樂打動敵人,無他,只因音樂是他最擅長的東西。而慢慢地開始我懂得了劇本中為什麼主人公的職業是特定的，並且片名叫《鋼琴師》。因為導演要強調藝術是為了人的生存而存在的。藝術不是奢侈品,它的根基是為了讓我們更好地生活,在絕境中讓我們更堅韌.戰爭中倖存下來的人成千上萬,每個人遭遇不同。這個鋼琴師,他有音樂傍身,比別人可能要堅強一點,柔韌一點,淡薄一點,所以他活下來的機會比較多。就這樣這種故事就具有獨創性，他也不僅體現在藝術家對自己所表現的對象的特質的把握上，而且更體現在他對這一特定對象的獨有感悟和發現上，體現在他嶄新的藝術形式的創造上。作者就這樣創造了個典型的人物，他是具有普遍而又深刻的思想意義的、鮮明而又獨特的人物形象，他是栩栩如生和獨一無二的。
最後,我想說一下印象最深刻的一段情節,就是當主人公去找東西吃的時候,被一個德國納粹軍官遇見。當時主人公已經經歷了許多悲歡離合，當看見德國軍官的時候，他的眼神已經很絕望了，但是也有一種知道總有那麼一天的心情，他其實等待的是命運的安排。可是那個德國納粹卻動了憐憫之心，他叫主人公彈了一首肖邦的第一敘事曲，令我吃驚的是德國軍官居然叫他彈的是蕭邦的，波蘭人彈蕭邦固然是自然,而一個德國人要彈波蘭人的曲子，可是看到後來才想到這是自然，美的事物是不分國界的。一個德國人喜歡波蘭人的曲子又有什麼可以奇怪的呢？現在想來當時認為德國人喜歡這種曲子是一種不可思議的想法，我到覺得當時我的那種想法是不可思議的，我怎麼有那麼多民族主義的想法呢？其實一部真正好的藝術作品是可以引起全人類的共鳴的。肖邦的第一敘事曲就把主人公和德國軍官帶回到和平的年代，其實哪個人沒有家庭和親人，也許那個德國軍官以前也做過許多滅絕人性的事，但是他在聽主人公彈奏的時候，好像心靈得到了凈化，他就恢復了人性，放過了主人公。而後，當德國戰敗時，德國軍官在戰俘營看見了一個和主人公一樣的藝術家，他哀求的求著那人，講出了他曾救過主人公一命，他那種眼神我是一輩子都不會忘記的，他是多麼渴望活下來。那種悲切的眼神是一種人類求生的慾望，甚至是一種生物的本能，讓人看了哪有人不能動容，我留下了眼淚。我想要是我曾經做過一些錯事，那我也一定想得到原諒，我也相信人是寬容，而那個猶太人主人公也是這樣。當他得知那個德國軍官在哪裡時，他也就立即去，可是為時已晚，戰俘已經轉移了。其實他這樣的行動也表示了猶太民族的寬容和知恩圖報。戰爭中，很多人死去，也有很多人活了下來，軍官一絲人性的閃光，就救下了鋼琴家的一條命，而其他千千萬萬死去的人呢？片尾的鋼琴曲又一次響起，有生以來頭一次，我覺得鋼琴曲是那麼的憂傷。我也就真切的覺得戰爭是多麼的可怕。這也就體現了欣賞藝術美的一種特殊作用。我們以為藝術美的特殊價值，可以從欣賞者個人和社會兩個方面來加以分析：藝術美在提高人們的審美能力方面，具有特殊的價值。藝術所能發揮的作用，和藝術欣賞者的感受能力是成正比的；藝術美在推動社會生活前進方面，具有特殊的價值。所以在我看的時候相信許多人包括現在的德國人、日本人一定也不想有當時二戰時候的景象，而那些現在的新軍國主義一定不敢去看這部影片，因為他們一定怕看見戰爭的結果。藝術美能夠征服人心，鼓舞人心，在人們心頭燃起為現實理想的生活而斗爭的火焰，以達到推動社會生活前進的最後目的。
死亡是一種可怕的事，但主人公一次次逃過了死亡，每一次經歷著死亡，他都感覺到絕望，當時他並沒有倒下，他是為了他的家人活著，也許是為了一切的一切。他一個個逃脫死亡的同時，雕刻著死亡，給我們一種生需要的希望，給我們勇氣面對我們自己所遇到的一些挫折，其實我們遇到的和主人公所遇到的挫折簡直是差的太多了。這部電影也給我們令一種啟示：
『伍』 有沒有以第一視角拍攝的電影
全球首款第一視角動作電影《Hardcore》
《硬仗》
《硬核大戰》
還挺多的……我的公眾號里有關於這類影片的集合
『陸』 急需一篇《鋼琴師》的影評
http://..com/question/1849159.html?si=1
二戰，納粹，德國，波蘭，猶太人……沉重而血腥的一頁歷史，殘酷得讓我們不敢打開，不敢面對，不敢相信，只有拚命的逃避，看完這部電影，你無法直面那份真實的歷史，你更無法瞪大眼睛直視每一個鏡頭，除非——生死與人性在你的眼裡毫無意義。
這讓我想起《辛德勒的名單》，一條條生命瞬間毀滅，血淋淋的場面讓你從恐懼到麻木到無動於衷，沉重的黑白攝影手法告訴你，那是只是一段歷史。三個多小時的電影一氣看完後，我在那個影評里寫了下如下的話——「也許辛德勒的願望很簡單——生命不息，戰火不燃。」他是一個好人，用一份名單沖淡了電影里的血腥，在他的手下，八百多人得以活命。
很遺憾，《鋼琴師》里沒這樣的好人，華沙在短短數月里，50萬人就只有6萬存在。一切都得靠你自己，在生命面前，乞丐和鋼琴師沒區別，所以他一路卑微的掙扎，只是為了多活一天，而鋼琴——鋼琴在這里又算得了什麼？
一個女人，只是問了一句：「你要帶我們去哪裡？」「呯￣」的一聲，她倒在地上，死了；一個坐輪騎的老頭無法在衛兵面前站起來，兩個衛兵抬著從五樓扔下，發出很沉悶的一聲，死了；同樣的一排人站在那裡，根本不知道為什麼便被拉出來面對著牆，後面一排槍聲響起，死了；一些人被迫跪下來，趴在地上，只是因為有些老邁，有些虛弱吧，一個衛兵拿著槍一個挨一個的從頭上射擊，叭￣叭￣叭￣，全死了；一家人，正坐在家裡享受晚餐，突然沖進一排衛兵，一陣亂掃，死了……
一個還有生氣的婦女，抱著一個已經哭不出聲音的嬰兒對路人低聲哀求：「求求你們，給我一點水吧？」沒有人理她，找不到水，也不願意給；一個人走著走著，突然倒下去，衛兵並沒有開槍，他也死了，餓死的；一個老婦人，捧著一缸粥，突然跑來一個白發老頭，拚命的搶那個盛著粥的盒子，老婦人死不鬆手，哐￣盒子打翻了，粥全傾在馬路上，這個白發老頭竟然趴下去像狗一樣舔著……
沒什麼奇怪的，因為他們是猶大人，因為是1939年到1945年的波蘭，因為那裡嗜血成性的納粹份子。
沒人救你，你便自救吧。《鋼琴師》在國際影評和藝術成就上肯定比不上《辛德勒的名單》，因為後者是救世主般的英雄主義片，前者只是一個在殘酷環境下自求多福的悲劇片，其實，自救遠比救人要可貴，自己都救不了，如何救別人？
電影里，剛被趕到集中營的猶太人在德國兵的皮鞭下奏起歡快的樂曲，兩眼含淚，跳著歡快的舞步；生離死別之際，一家人用所有的錢買一塊糖，切成了六塊；新年夜，皮鞭下猶太苦力們高昂地唱起新年頌歌，雖是被迫，卻不見悲涼，依然有希望；在藏身之地，鋼琴師得到了一架鋼琴，不能出聲，他將手指懸在鍵盤上盡情演奏，沉入一個純粹而美好的世界……
他們的心還沒有死，所以最後總會有人活下來。
電影不是記實這么簡單，它還需要溫情的著手點與人性的閃光點。一個納粹軍官，可以殺掉很多猶太人，可是，這些人跟他有何相干？也許，他是不是願意這么做的。所以電影里，那個軍官遇上鋼琴師時，聽完一曲洗滌心靈的彈奏後，並沒有殺掉他，反而送來食物及水，助他活過最艱苦的那些日子。我不明白這樣拍的用意何在，是音樂拯救了德國軍官的人性，還是一咱憐憫讓他沒法下手？導演說——我要用一個波蘭人來感動一個德國人，然後用這個德國人的感動來拯救一個波蘭人；用音樂來拯救一個鋼琴師；用音樂來抹去國家和種族的界線，來超越偏見和仇恨。
我不相信這狗屁理論，這部電影遠遠不會輕浮到用音樂來決定生命，主角只是湊巧會彈鋼琴，其實他也可以是一個賣麵包的，因為這部電影里，麵包出現的場景比鋼琴還要多。在我看來，納粹軍官會放他一命，是因為軍官懂得藝術而欣賞他，同樣的，軍官是一個正常人，殺他，反掌那麼容易，救他，也是反掌般容易，一善一惡，只是一念間，既然下不了手，索性做個好人吧。如果當時鋼琴師餓得沒力氣彈琴或者彈得不好聽時，這個軍官說不定早一槍送他上天堂了……
又或者，之所以這么多人救他，完全是因為他曾經是一個地位顯赫的鋼琴家，所以讓他在這部中完美的演繹自救與被救的結合而已。唉，一部電影當時好看過後能讓你思索就行了，一味的猜測導演意圖，猜不中會郁悶，猜中了也得意不起來，難道你會拍一個與他同樣好看的電影嗎？庸人自擾啦。
『柒』 沐風於野讀後感
格日勒其木格·黑鶴著的《沐風於野》是一部半 自傳體小說，作者黑鶴以第一視角，述說在20世紀80 年代「我」與蒙古族游牧少年那日蘇的故事。孩童時 期的那日蘇跟隨爺爺扎布在營地放牧的日子；「我」 與那日蘇在草原與鄉村的結合部相遇、相交的時光； 少年那日蘇重返營地、回歸古老的游牧生活中……深 沉而蘊含力量的文筆彰顯對生命的尊重，對草原的敬 畏。作者藉此紀念童年的草原，那些音信全無的夥伴 ，還有與故去的老人一起消逝的偉大的傳統和古老的 生活方式
『捌』 電影中第一視角什麼意思
就是，以『我『這個字開頭的人物角色。第三視角是，他。
『玖』 生死停留這部電影是亨利應該是主人公，可是為什麼他的夢境是以薩姆醫生為第一視角
整部影片就是男主臨死前的一場幻想，以醫生為第一視角是急切的希望有個人這個時候能夠救他