拉格泰姆舞曲電影結局

Ⅰ 1920年左右典型爵士樂！英語課要做了不起的蓋茨比的人物分析 尋找背景音樂！

1.Ragtime 拉格泰姆爵士樂 1910''''-1920''''

2.New Orleans Jazz 新奧爾良爵士樂 1910''''-1930''''

3.Standards 主流爵士樂 1915-1960''''

4.Classic Jazz 古典爵士樂 1920''''-1930''''

5.Dixieland 迪克西蘭爵士樂 1920''''-1930''''

6.Cool 冷爵士樂(或西海岸爵士樂) 1920''''-1940''''

7.Big Band 大樂隊爵士 1930''''-1940''''

8.Swing 搖擺爵士 1940''''-1960''''

9.Bop 波普爵士樂 1940''''

10.Latin Jazz 拉丁爵士樂 1940''''-

11.Brazilian Jazz 巴西爵士樂 1940''''-

12.Avant-Garde 前衛派爵士樂 1950''''

13.Post-Bop or Mainstream Jazz（後波普爵士或現代主流爵士） 1950''''-

14.Third Stream 第三流派爵士 1950''''-

15.Hard Bop 硬波普爵士樂 1950''''-1960''''

16.Free Jazz 自由派爵士樂 1960''''-

17.Fusion 融合派爵士樂 1960''''-

18.Crossover Jazz（交叉風格爵士） 1970''''-

19.Vocal Jazz 人聲爵士 All Jazz Golden Years

盡管現代的唱片界有時將爵士樂劃分為傳統爵士樂和現代爵士樂兩類，其中傳統爵士樂是指採用了4/4拍的行進性的管樂隊演出相關工作的爵士樂，而現代爵士樂是指採用了貝斯演奏跳舞音樂的爵士樂。這種劃分有時會顯得毫無疑義，如果那這種標准來衡量，人們幾乎無法判斷肯尼·金是否比比賽希爾·泰勒的音樂更應屬於現代爵士樂。其實傳統和現代這兩個相關的概念予以劃分爵士樂的種類並不確切，這造成了一些既具現代風格又包含了傳統風格的優秀作品無法分類的問題，因為爵士樂將近一百年的發展歷程是連續不斷的。各種風格流派也有其相互的聯系，大體來說可以劃分為以下十九種風格：

Ragtime 拉格泰姆爵士樂 1910''''-1920''''
盡管從嚴格的意義上說，這種風格還不是真正的爵士樂。在這風格中還沒有即興演奏和布魯斯音樂的感受，這種風格對於早期的爵士樂的形式產生了巨大的影響。這種風格的鼎盛時期是1899年至1915年，其中最為知名的要算是鋼琴音樂。這種風格大多是由管弦樂隊演奏的，其對位法和節奏融合了古典音樂和行進樂隊音樂的特點，在後來的爵士樂風格中都有所體現。拉格泰姆爵士樂的許多旋律後來都被迪克西蘭爵士樂音樂家風格採用，其中《楓葉拉格泰姆舞曲》是最著名的作品。

代表人物
Dick Baker
Burt Bales
Carlos Barbosa-Lima

New Orleans Jazz 新奧爾良爵士樂 1910''''-1930''''
這是爵士樂最早的音樂風格。大致是從1895年當巴迪·博爾登在新奧爾良組建自己的第一支樂隊時開始這種音樂就在新奧爾良演奏，直到1917年斯托瑞維爾俱樂部不幸關閉為止，這些音樂未能留下錄音原名。然而，由於後來的原創迪克酉蘭爵士樂隊在1917年的成功以及二十年代許多成功演出的原名的保存使我們有機會感受到這種音樂的風格。由於新奧爾良爵士樂強調合奏，因此每一件樂器在樂隊中的角色都受到了嚴格的限制，通常，小號和短號是樂隊中的重要角色，常常演奏旋律部分，而長號則是和昔的主要來源，副部則通常由短號演奏。節奏部相對穩定，通常包括了鋼琴，圓號，貝司和鼓，這種音樂同早期的行進樂隊有直接的淵源。由於這種音樂相對來說，和音較為基本，合奏通常表現歡樂的主題，因此他一直是爵士樂中最為歡快和員容易接受的風格。

代表人物
Louis Armstrong
Big Bill Bissonnette
Henry Red Allen

Standards 主流爵士樂 1915-1960''''
主流這個術語實際上是爵士樂的一位評論家斯坦利·丹斯創造的，他在描述五十年代的小號演奏家巴克·克萊頓和他同期音樂家的演奏時首次使用了這個詞。這些音樂家大多都是搖擺樂時代的資深音樂家，他們並不是使他們的風格現代化，並不演奏波普爵士樂，或是加入五十年代重新興起的迪克西蘭樂隊，從前的大樂隊時代的明星們以小樂隊的形式演奏昔日的標准曲，並獲得巨大的成功。其中的代表人物是Coleman Hawkins，Lester Young，哈里·埃迪森和羅伊·埃爾德里奇。主流爵士樂在五十年代時留下了大量精彩的錄音，但是一直因其它風格爵土樂的成功而未受到重視。在六十年代其主要人物相繼故去，然而在七十年代，隨著次中音薩克斯管演奏家斯克特·漢密爾頓和沃倫·瓦奇的崛起，以及以主流爵士樂為其主要特色的協和唱片公司的出現，主流爵士樂重新受到了人們的關注，並一直延續到今天。

代表人物
Bing Crosby
Dee Dee Bridgewater
Nina Simone

Classic Jazz 古典爵士樂 1920''''-1930''''
並不是所有的二十年代的爵士樂都可以被歸入新奧爾良爵士樂或是迪克西蘭爵士樂之中。二十年代是爵士樂的時代，爵士樂風格的舞廳樂隊為爵士樂的流行起了重要的作用。以獨奏為主的即興演奏也隨爵士樂本身的發展而受到越來越多的重視，日益增多的演奏銅管樂器的獨奏者以及在編曲方面的探索預示了搖擺樂時代的到來。在這個時代的大多數的爵士樂都可以被冠以古典爵士樂的名稱，許多現代的古典爵士樂的復興者從Fletcher Henderson，克拉倫斯·威廉斯和 Bix Beiderbecke的音樂中獲取靈感，他們可以被視為這種開放性的音樂風格的繼承者。

代表人物
Coleman Hawkins
Fats Waller
Louis Armstrong

Dixieland 迪克西蘭爵士樂 1920''''-1930''''
在五十年代，迪克西蘭爵士樂的復興或者迪克西蘭爵士樂的時髦，最終由於大量的業余愛好者的參與，使這種音樂風格泛濫成災。迪克西蘭爵士樂成為了一種多愁善感的裝飾性音樂，和當時流行的草帽和吊帶褲一起成為了老一套的東西。當時的許多演奏這種風格的專業人土，也因此放棄了這種風格，轉而演奏傳統爵士樂和古典爵土樂。然而責怪風格或者其特殊的音樂語言，顯然失之公允，因為當時的音樂家都以自己的獨特的方法表現自己的個人的情感，造成了水平的參差不齊。事實上這種風格由於音樂家自身的原因造成了風格本身的混亂和不統一。其實，演奏這種風格的音樂家往往也參與其它風格爵士樂的演奏，因此這種爵士樂重要的風格，並沒有明顯的界定。
或許將演奏迪克西蘭爵士樂的專業人士與他們的拙劣的模仿者的演奏分離開來，更為公正。迪克西蘭爵士樂同新奧爾良爵士樂和古典爵士樂幾乎同時出現，這種爵士樂風格也被稱為芝加哥爵士樂，原因是這種音樂在二十年代時在芝加哥得到了發展和完善。最典型的迪克西蘭爵士樂演奏通常是在第一主題(或者是在同一首樂曲中有多個主題時，在多個主題演奏完之後)演奏完之後，就是集體的即興演奏。通常在獨奏之後，其它的管樂隊演出相關工作吹奏出反復的段落，結束性的段落總是以合奏的形式，盡管，幾乎每一首爵士樂的經典曲目都能在迪克西蘭爵士樂中找到其出處。總共有大約四十首左右的作品可以被認為是迪克西蘭爵士樂的保留曲目，這些作品多年來久演不衰。在九十年代，迪克西蘭爵士樂和新奧爾良爵士樂以及古典爵士樂一起都以地下樂隊的形式繼續存在。

代表人物
Eddie Condon
Bob Crosby
Charlie Teagarden

Cool 冷爵士樂(或西海岸爵士樂) 1920''''-1940''''
冷爵士樂是在四十年代後期和五十年代，從波晉爵士樂直接演化而成的，這種音樂風格基本上是波普爵士樂和搖擺樂某些被忽視和拋棄的特點結合的產物。不和諧的聲音變得流暢自然，曲調更為柔和，編曲重新受到重視，節奏部樂器的演奏也更為和諧，因為這種風格的音樂家主要都是以西海岸的洛杉礬為中心，因此這種風格也被人們稱為西海岸爵士樂。一些冷爵士樂作品反映出古典爵土樂的影響，因此具有很強的實驗性，而大多數冷爵士樂作品的音樂會都是精心設計的，非常迎合大眾的口味。盡管大多數冷爵士樂風格的音樂家都有很長的音樂生涯，但是隨著五十年代後期硬爵士樂從美國的東海岸興起，最終超越了冷爵士樂的影響。

代表人物
Dave Brubeck
Lester Young
Stan Getz

Big Band 大樂隊爵士 1930''''-1940''''
Big band 是指一組十個或以上的音樂家組成的爵士樂團，其成員結構通常為：至少三個小號手；兩個或更多的長號手；四個以上的薩克斯手和一個負責節奏部分，並結合鋼琴、貝斯和鼓幾種樂器進行伴奏的樂手。盡管在1930年代和1940年代，在搖擺樂時代之前，有過大量的主要音樂風格的舞蹈樂隊並且在搖擺樂時代之後又有著大量的主要音樂風格的現場樂隊。但對於大多數樂迷而言，Big band音樂仍然代表著搖擺音樂，

盡管在搖擺樂誕生後繁衍出那麼多以相似的手法演奏的風格迥異並且美如天籟般的和聲與絕妙節奏的年輕樂手和歌手，當唱片店將大量的爵士樂手的作品擱置在一起，就好象它們都是同一種風格似的的時候，出現了分類的問題。商人們在將所有的大型爵士樂團的音樂進行大融合的同時，他們卻忽略了演奏不同風格爵士樂的大型樂團的次第登場：搖擺樂（艾靈頓公爵與貝西公爵）；比波普（迪茲.吉勒斯皮埃）；酷爵士（蓋瑞。姆里根，庶迪。羅傑斯，吉爾。艾文斯）硬波普（傑拉德。威爾遜）自由爵士（Sun Ra 1950年代後的部分作品）爵士搖滾（Don Ellis'''' 和 Maynard Ferguson''''的樂團 1970年代作品） 。他們並不都是搖擺樂隊。

許多的聽眾認為big band 代表著一種風格，而不僅僅是一種作曲方法。對他們而言，其旋律的編寫和獨奏的插入都是根源於1930年代所有大爵士樂團大融合時期的，其獨特的節奏和和聲手法均有別於同時代的其他爵士曲風，例如比波普，又比如另一時代的爵士搖滾

另外一個很重要的方面就是由於1930年代和1940年代的媒體和爵士樂迷們對於爵士樂隊的等級劃分，而導致出現了許多復雜的節奏和頻繁的即興獨奏表演，同時也導致了搖擺樂元素和即興演奏成分的減少。以前叫swing bands 或 hot bands （如，艾靈頓公爵與貝西公爵），後來叫 sweet bands （如，Glenn Miller''''s, Wayne King''''s, Freddy Martin''''s, and Guy Lombardo''''s）。盡管big band 時代於1946年結束，但是它卻開創了在爵士樂中使用大型管弦樂的先河，即使樂手們事實上並沒有專業基礎（The Count Basie Ghost Band除外）。樂隊幾乎全都是由籌劃者領導~ Mark Gridley

代表人物
Frank Sinatra
Benny Goodman
Duke Ellington

Swing 搖擺爵士 1940''''-1960''''
當新奧爾良爵士樂已經創造了即興演奏的合奏之時，爵士樂在二十年代在美國社會逐漸流行起來，同時對於爵士樂的需要要求增加更多的舞蹈樂隊。因此出現了對樂隊的新要求，即在樂隊擁有三支乃至四支號的時候，合奏的地位要降低。1924年，當Louis Armstrong加入了 Fletcher Henderson的大樂隊時，就可以算作是搖擺大樂隊最早的出現。樂隊中的唐·雷德曼的編曲大大輝映了短號手的鬆弛的演奏風格。真正搖擺樂在流行樂壇的確立則要算是1935年Benny Goodman大樂隊的成功，直至1946年大樂隊時代的結束為止，搖擺樂一直是美國流行音樂的一支重要的力量。搖擺樂不同於先前的新奧爾良爵士樂和迪克西蘭爵士樂，通常樂隊中的合奏更為簡化，同時是作為更為成熟的獨奏之間的反復演奏的連復段。而個人的即興演奏也是主要是密切的建立在旋律的基礎之上，其原因主要是由於音樂技法的進步。同以前的演奏相比，獨奏的演繹更具有冒險性。在大樂隊時代結束之後，搖擺樂風格的音樂家仍然堅持這種風格演出，他們的演奏堪稱是一種主流的爵士樂。

代表人物
Count Basie
Louis Armstrong
Ella Fitzgerald

Bop 波普爵士樂 1940''''
波普爵士樂，又稱比波普爵士樂，是一種激進的新的音樂風格。波普爵士樂從四十年代初期開始逐步發展，在1945年左右迅速發展成熟。波普爵士樂和搖擺樂最主要的區別是，波普爵土樂的獨奏者參與和弦即興演奏，經常在第一個主題演奏之後，就拋棄旋律。在波普爵士樂的演奏中，和弦的即興演奏的使用和獨奏一樣普遍。合奏多以齊奏為主，大多數波普爵士樂的樂隊都不超過七件樂器。獨奏者的演奏往往比較自由，演奏富於冒險性，只要他的演奏在總體上適合和弦結構即可。由於演奏者對於獨奏的過分強調，使
得旋律經常不被重視，導致有些歌迷會提出這樣的問題：「旋律呢?」
演奏者大多是行家裡手，因此他們的演奏速度非常快。由於波普爵士樂的激進性，使得這種音樂風格在出現不久之後就脫離了爵士樂的廣大的聽眾和眾多的喜愛舞曲音樂的樂述。正是這種追求大大提高了爵士樂的藝術性，同時極大地削弱了爵士樂的商業價值。波普爵士樂為其後的各種爵士樂的改革和創新奠定了基礎。

代表人物
Charles Mingus
Oscar Peterson
Sonny Rollins

Latin Jazz 拉丁爵士樂 1940''''-
在搖擺樂時代之後出現的各種爵士樂風格中，拉丁爵土樂是最為流行，持續時間最久的一種風格。原因顯而易見，這種風格強調了打擊樂器的演奏和古巴音樂的節奏，因此非常適於跳舞，非常容易被人接受。從根本上講，這種風格是波普爵士樂和拉丁美洲的打擊樂隊演出相關工作演奏的結合。

在四十年代將這兩種風格結合在一起的先驅者是Dizzy Gillespie的大樂隊和馬奇托。這種音樂直到九十年代仍是爵士樂界的一支重要力量，其中最為知名的樂隊是蒂托·普思特和龐楚·桑切斯的樂隊。在過去的四十年裡，這種風格一種保持穩定一致的發展。

代表人物
Tito Puente
Ray Barretto
Thelonious Monk

Brazilian Jazz 巴西爵士樂 1940''''-
在六十年代初的一段時間里，幾乎每一位爵士樂音樂家都在演奏所謂的巴西爵士樂。簡單的說，巴西爵士樂的音樂不同於一般音樂的節奏，在兩個小節中，有十六拍，其中的一，四，七，十一和十四拍是強拍。這種風格興起於南美洲的巴西，甚至可以說是巴西版本的冷爵士樂。斯坦·蓋茨的次中音薩克斯管演奏和阿斯特魯德·吉爾伯托的演唱是這種風格的代表，安東尼奧·卡洛斯·約比姆的作曲與流行節奏的配合天衣無縫。雖然這種音樂的流行只是曇花一現，但這種音樂風格卻保留下來。雖然很少有爵士
樂音樂家一直演奏這種音樂，但是許多人都會偶然演奏一曲這種非常受歡迎的風格的音樂。

代表人物
Lisa Ono
Azymuth
Luiz Bonf

Avant-Garde 前衛派爵士樂 1950''''
前衛爵士樂與幾乎同時出現的自由派爵士樂有很大的不同。前衛爵士樂的音樂雖然比傳統意義上的爵士樂更為強調即興演奏，這種風格的合奏卻有比較成型的結構，完全不同於自由派爵士樂的音樂的游戲。很明顯，幾乎同時出現的前衛爵士樂和自由派爵士樂有許多相互重疊的地方，因此很多音樂家同時演奏這兩種風格的爵士樂。在最出色的前衛爵士樂作品中，人們很難聽得出作曲部分在什麼時候結束，即興演奏部分從什麼時候開始。前衛爵士樂的一個重要的目標就是使即興演奏自然地成為編曲部分的延伸和發展。在六十年代，前衛爵士樂和自由派爵士樂逐漸成熟之時，受到達兩種風格影響的主流爵士樂深深感受到這些非正統的爵士樂的危險。前衛爵士樂和自由派爵士樂一樣，成為了正統爵土樂批評的對象。

代表人物
Cecil Taylor
Charlie Haden
Max Roach

Post-Bop or Mainstream Jazz（後波普爵士或現代主流爵士） 1950''''-
對於現代爵士樂的分類正變得越來越困難。一些音樂家的音樂很難恰當地規入歷史上的各種爵士樂的流派，很難別人深受搖該樂影響的融合派爵士樂，也很難劃人自由演奏為主的前衛派爵士樂。從1979年當溫頓·馬薩里斯崛起之後，一代年輕的音樂家開始演奏一些硬波普...

代表人物
Elvin Jones
George Benson
Gil Evans

Third Stream 第三流派爵士 1950''''-1
第三流派爵士樂這個說法是1957年由作曲家岡瑟·舒勒最先提出的。這種稱呼的意義主要是指這種風格的爵士樂是爵士樂和古典音樂的混合體，是這兩種重要的音樂形式之外的一種音樂。這種風格的最大的特點是將爵士樂和古典音樂成功地融合在一起，在演奏中大量地採用弦樂並減低了獨奏在爵士樂中的重要地位。這並非是岡瑟·舒勒的獨創，早在二十年代，著名的音樂指揮和作曲家保羅·惠特曼就曾嘗試在古典爵士樂的獨奏和管弦樂隊的弦樂部分之間找到結合點。正像他所說，他想在「爵士樂中製造出二位貴婦人」。在四十年代時，弦樂的使用已經出現在爵士樂隊的演奏中，如阿蒂·肖和斯坦·肯頓都曾進行過這類嘗試。但是在所有的這些嘗試中，弦樂似乎總是處於一個被動的地位，音樂家總是依照自己面前的樂譜演奏或是充當伴奏的角色。

從1949年起， Charlie Parker在自己的錄音中加入了弦樂部的演奏。大約是在五十年代的中後期，更為嚴肅的實踐才大量出現，舒勒，約翰·劉易斯和比爾·羅素是主要的作曲家，他們試圖在古典音樂和爵士樂之間尋求溝通。在五十年代中期，大部分音樂預言家們都相信爵士樂的下一個發展階段必然是一種與古典音樂的融合的形式。但是由於前衛派爵士樂的興起，第三流派爵士樂運動宣告結束。最終這種風格只是在學院派預音樂家圈子裡才能找到一些痕跡。

代表人物
John Lewis
Teo Macero
Gunther Schuller

Hard Bop 硬波普爵士樂 1950''''-1960''''
盡管一些有關爵士樂歷史的書宣稱，硬波普的產生是照應了相對來說較為柔和的冷爵士樂的發展，但事實上硬波普的出現並未受到西海岸的爵士樂太多的影響。其實，硬波普的發展是波普爵士樂發展的必然，是波普爵士樂的一種延伸的形式。兩者的主要不同是，硬波普的節奏相對更為簡化，更體現靈歌的風格，節奏部樂器的演奏，主要是貝司的演奏相對鬆散的多，不像波普爵士樂的演奏那樣相對嚴格遵循四拍一小節的固定節奏。福音音樂對於硬波普爵士樂的影響更為明顯，鋼琴和薩克斯的演奏很像早期的節奏布魯斯音樂的風格。盡管硬波普爵士樂鼎盛時期相對波普爵士樂來說更長(從1955年到1970年)，兩者的區別很大程度上反映出兩者的邏輯演變過程，硬波普爵士樂可以看作是波普爵士樂在五、六十年代的形式。到了六十年代的後期，在一些硬波普爵士樂音樂家的演奏中可以感覺到前衛爵士樂的影響。
一些更富於探索意識的音樂家，如傑基·麥克林和李·摩根都曾試圖在兩種風格的爵士樂之間找到一種新的形式。在六十年代後期，隨著融合爵士樂的興起以及藍點唱片公司(這是錄制硬波普爵士樂唱片最著名的公司)銷售情況的下降，硬波普爵士樂音樂家遇到了前所未有的麻煩。盡管他們曾經嘗試重新恢復從前的風格，但是一切努力證明都是徒勞。在八十年代初，一些硬波普爵士樂的延伸形式重新復興。在八十年代後期，一些被評論家稱為「年輕的獅子」的音樂家演奏這種風格的爵士樂，他們的演奏被稱為現代主流爵士樂。雖然一些六十年代初的硬波普爵士樂風格的樂隊，如哈伯兄弟樂隊和T．S．蒙克七重奏都一直堅持演奏，但這種風格的影響顯然已經不比從前。

代表人物
Art Blakey
Elvin Jones
Thelonious Monk

Free Jazz 自由派爵士樂 1960''''-
迪克西蘭爵士樂和搖擺樂是以旋律為基礎展開即興演奏，而波普爵士樂，冷爵士樂和硬波普爵土樂則是以和弦結構為基礎即興演奏。自由派爵士樂與這些傳統形式的爵士樂都不同，它是一種極端激進的風格。在迅速地演奏完主題之後，自由派爵士樂音樂家不是依據旋律，也不是依據和弦結構展開即興演奏，他們的自由發揮往往出入意表。當奧耐特·科爾曼將自由派爵土樂引人了紐約的爵士樂壇時，Cecil Taylor就預言這種風格不會遍贏得觀眾。更多的評論家，爵士樂音樂家和樂迷都展開了激烈的爭論，到底這種音

樂風格是否有資格作為音樂形式存在。爵士樂的發展總是出乎人們的意料，在不到十五年的時間里，自由派爵士樂就成為了一種保守的音樂。自由派爵士樂與具有更出色的編曲和更為嚴謹的結構的前衛爵士樂幾乎同時出現，但是關於這種風格一直存在種種爭論。自由派爵士樂長期以一種非正統的形式存在，雖然影響了現代的主流爵士樂卻長期為人忽視。自由派爵士樂對於傳統的音樂理論不屑一顧，甚至對於音準也不作強調。然而這種風格對於節奏的展開卻非常注意，這也是自由派爵土樂的一個重要特點。在判斷自由派爵土樂音樂家的水平方面，標准與傳統的觀點也不盡相同。自由派爵士樂音樂家的想像力和個人的音樂素養是自由派爵士樂音樂家成功與否的重要標志。無論說這種音樂是否具有強烈的個人色彩，或者說這種音樂的發展是否符合規律，這種音樂本身都是對爵士樂舞台的一種豐富。自由派爵士樂更像是爵士樂發展中的一個偶然。

代表人物
Chick Corea
John Coltrane
Orneete Coleman

Ⅱ 阿爾帕西諾為什麼拒絕演美國往事

《美國往事》上映30周年 阿爾·帕西諾曾拒絕參演

為了《美國往事》，拒絕了《教父》
關於這部電影的誕生記有一則為人熟知的小插曲。1971年，派拉蒙邀請賽爾喬·萊昂內執導《教父》，後者因忙於籌備《美國往事》而婉拒，但當萊翁萬事俱備時，《教父》已成大熱，製片方因此對類型相仿的《美國往事》沒了信心，這股陰錯陽差的東風，一等就是11年。這期間，每年戛納電影節上都會有一個穿戴整齊的義大利老哥坐在會場，手捧一摞長達400頁的劇本等待投資商。直到1983年，製片人阿諾恩·米爾坎認出了萊昂內，並花了3個小時聽他將這段美國往事娓娓道來，最終，這部經典得到了登上銀幕的機會。
歷時13年的收官之作
生於義大利的賽爾喬·萊昂內並不是個高產型導演，但他一生中拍出了兩個劃時代的三部曲，即「鏢客」三部曲與「往事」三部曲，其中《美國往事》為萊翁收官集大成之作。本片根據黑道中人哈利·格雷的自傳體小說《流氓》改編而成，從籌備到拍竣歷時13年，耗資4000萬美元。

詹妮弗·康納利的裸戲被刪
在片中飾演少年黛布拉的是詹妮弗·康納利。現在的她已經是美國家喻戶曉的大明星，曾在《夢之安魂曲》、《美麗心靈》中奉獻過很多精彩演出，後者還為她帶來了一次奧斯卡最佳女配角大獎。在出演《美國往事》的時候，詹妮弗剛剛13歲，這是她的大銀幕處女秀。
在導演最初的拍攝中，有一幕戲是少年時期的「面條」偷窺到了裸身的黛布拉，據說當時詹妮弗·康納利已經自己上陣拍了這場戲，但是片方還是給她找了一個名叫Margherita Pace 的「裸替」。大費一番周章之後，製片方在上映時卻把這場戲給刪了。
在羅馬復制一個紐約
若論偷師亂燉，萊昂內可以算得上昆汀·塔倫蒂諾的祖師爺，《荒野大鏢客》便是西取約翰·福特東挪黑澤明的意式雜燴，卻徹底革新了西部片這一經典類型。而《美國往事》是一個義大利導演拍一部講述美國猶太人的黑幫電影：幾乎從一開始就飽含了迷人的「錯亂感」。
為拍攝本片，萊昂內在羅馬復制了紐約市，他還在蒙特利爾找到許多建築，比當時紐約所殘存的更像紐約。電影中的紐約長島酒店其實坐落於威尼斯，片中的「紐約中央車站」其實是攝於巴黎，而片中人物「莫胖」的餐廳則是按照萊昂內和原著作者討論小說時的義大利餐廳搭建的。
德尼羅自掏腰包給Max洗牙
1984年，《美國往事》拍攝期間，師承方法派演技的羅伯特·德尼羅曾私下建議詹姆斯·伍茲(片中飾演Max)應該去做一次潔牙，因為完美無瑕的牙齒更能展示出晚年Max的財富與虛榮。對此建議，伍茲深表贊同，但無奈的是，製片方以經費有限為由，果斷拒絕了哥倆這則「無關緊要」的提議。於是，德尼羅二話不說，自掏腰包為伍茲買單去了。
阿爾·帕西諾曾拒絕參演
羅伯特·德尼羅是第一個去給「面條」試鏡的演員。在他拍攝《教父2》的時候就已經在談這次合作了。在定下來德尼羅主演之後，他幾乎成了半個「選角導演」，接下來的演員選擇大部分也都參考了他的意見。阿爾·帕西諾和傑克·尼科爾森當年也都接到過邀約，但是他們都拒絕了這個角色。
德尼羅想約見真正黑幫大佬被拒
為了准確演繹出黑幫大佬的感覺，德尼羅曾經聯系過美國著名犯罪集團大佬Meyer Lansky，想要跟他私下會面取經，不過被人家無情拒絕了。
德尼羅為了這部電影花了許多心思，這些日後也被萊昂內嘖嘖稱贊。他曾說，德尼羅才是真正的演員，伊斯特伍德之流都是扯淡。老爺子這番話倒也沒讓伊斯特伍德太往心裡去，兩個人之後不久就冰釋前嫌，萊昂內去世之前還跟他一起談過合作。
從黛布拉到「唐頓庄園」的女主人
飾演成年黛布拉的女星是伊麗莎白·麥戈文，拍片的時候她只有22歲，令很多人「驚為天人」。遺憾的是，《美國往事》之後她再沒有太多有影響力的大銀幕作品。直到英劇《唐頓庄園》火爆起來，人們才又發現了她的身影，但她已經是個「老婦人」了。
很多人以為她是曇花一現的花瓶，但其實她在20歲的時候就憑借《拉格泰姆舞曲》拿到過奧斯卡最佳女配角提名了。她是刻意在成名之後與好萊塢保持距離。「那段時間有些被沖昏頭腦，我拒絕了好多好多片約。要知道，在好萊塢就是如此，一旦你是熱門明星，不管你做得好壞都會拿到大把機會，可我不想這樣。我沒有聽從任何人的建議，就那麼一意孤行。不管是對是錯，反正我就那麼做了。」伊麗莎白在2010年的一次采訪中說。《美國往事》之後，伊麗莎白把主要精力都投入了舞台劇的創作，很少接演電影。

Ⅲ 拉格泰姆的基本節拍和速度

拉格泰姆比較簡單，通常是較慢的2/4拍節奏，切分音符是它的顯著特徵。通常，鋼琴彈奏者右手彈奏出變化無常的切分旋律，同時左手以沉穩的低音伴奏。它的基本節拍和速度與當時的進行曲、四人舞和波爾卡等舞蹈音樂相近。曲式多半採用小步舞曲和諧謔曲的擬迴旋曲式。旋律經常利用流行歌曲為依據來發揮。拉格泰姆的作曲家中最出名的是黑人樂師S.喬普林，他有拉格泰姆之王之稱。他被稱為拉格泰姆的宗師。《楓葉拉格泰姆》是他的代表作。斯特拉文斯基於1918年創作了十一件樂器的《拉格泰姆》（Musical analysis on Stravinsky: Ragtime for 11 players），1920年創作了《鋼琴拉格泰姆》（Piano Rag Time）

Ⅳ 傑克·尼柯爾森

這里應該能滿足你吧！！這是他的一些檔案http://www.mdbchina.cn/persons/66829/others/?#movieIntro

具體的！！
美國演員，1958年演出第一部電影，因表現優異而得到導演羅傑·科爾曼的重視，隨即重用他在B級電影里擔任要角。以《浪盪子》一片引起矚目，不但得到奧斯卡提名，同時也開始獨當一面。先後以《飛越瘋人院》和《貓屎先生》獲奧斯卡最佳男主角，以《親密關系》獲男配角獎。他演出帶邪氣的紳士角色無人能出其右。

簡介傑克-尼克爾遜是美國影壇上最富有個性的演員，他飾演的角色總顯得那麼疲倦、邪惡，甚至叛逆不羈；但又是那麼凝重、豐滿和耐人尋味。在他1980年拍攝的恐怖片《閃靈》('The
Shining')中，他飾演的鬼魂纏身的作家傑克-多倫斯那張陰森恐怖的臉是如此傳神，以至於讓人覺得那股森森的鬼氣是他與生俱來的；而在1997年的影片《盡善盡美》('As
Good
As
It
Gets')中，他又惟妙惟肖地飾演了一位從性格孤僻、乖張到仁慈善良的老頭。尼克爾遜這個實力派巨星憑著其
老辣的演技，在好萊塢引領風騷近三十年。自1969年因影片《逍遙騎士》('Easy
Rider')獲奧斯卡最佳男配角提名至今，他已先後12次獲奧斯卡獎提名(7次男主角、4次男配角)，三次捧得金像獎(1976年和1998年二次獲得奧斯卡獎最佳男演員，1984年獲奧斯卡獎最佳男配角)，是奧斯卡獎歷史上獲提名最多的男演員，堪稱'奧斯卡之王'。1994年美國電影學院鑒於他對表演藝術的貢獻，向他頒發了終身成就獎。1997年《帝國》雜志將他列入'當代100名傑出影星'，排名第六。
傑克-尼克爾遜1937年4月22日出生於美國新澤西州的內普丘思(Neptune,NJ)。父親嗜酒成性，後棄家出走，尼克爾遜是由外祖母撫養長大。說起來，他也是到了自己37歲時才搞清自己的身世。之前，他一直以為外祖父約翰-尼克爾遜(John
Nicholson)是他的父親；他的做美容師的外祖母埃斯爾-梅-尼克爾遜(Ethel
May
Nicholson)就是他的母親；而他真正的母親瓊-尼克爾遜(June
Nicholson)，他一直以為是他的姐姐。1974年，《時代雜志》8月12日刊登了他的明星傳記後，傑克-尼克爾遜才知道了真相。
1954年，傑克-尼克爾遜從馬納斯克中學(Manasquan
High
School)畢業後立即來到了洛杉磯，當時他的母親瓊(他還把她當成姐姐呢)已在洛杉磯定居。他在米高梅影片公司動畫部的辦公室找到了個打雜的工作，於是便留在了洛杉磯，目的是想看到那些只是在銀幕上見過的電影明星。不久，尼克爾遜加入了著名的傑夫-柯瑞(Jeff
Corey)開設的表演班學習表演。期間他被B級影片鼻祖羅吉-考曼(Roger
Corman)所發現，並在1958年青少年問題為題材的影片《吶喊的小殺手》('The
Cry
Baby
Killer')中出演主角。緊接著尼克爾遜又出演了三部恐怖片：《恐怖的小店》('Little
Shop
of
Horrors'，1960年)、《烏鴉》('The
Raven'，1963年)和《恐懼》('The
Terror'，1963年)。尼克爾遜在60年代還拍過許多影片，但大都只是在一些影片中跑跑龍套，出演一些小角色，沒有給人們留下什麼印象。1969年一個偶然的機會他被邀請在《逍遙騎士》中飾演一位律師，影片中的他不安於安定的生活，酗酒成性，與二個留著長發的摩托車手一起，騎著摩托車在全國流浪，享受自由。在這部影片中，尼克爾遜成功地刻畫了60年代迷惘的美國青年形象，受到了男女影迷們的青睞。尼克爾遜也因此片首次獲得了奧斯卡獎最佳男配角提名，躋身於好萊塢的名演員行列，從此便開始了他一帆風順的星途。
進入70年代，尼克爾遜先是在1970年出演了芭芭拉-斯特桑特(Barbra
Streisand)的音樂片《在晴朗的日子裡你永遠能看見》('On
a
Clear
Day
You
Can
See
Forever')，同年接著主演了拉費爾森(Rafelson)的經典影片《五部輕松的戲劇》('Five
Easy
Pieces')，描繪了一位反叛的心靈發出的吶喊，抨擊了那種沒有意義、缺乏愛情的生活。影片中，尼克爾遜的表演極其自然，雖然偶而也發發脾氣，卻一點也不做作。他的表演確立了70年代的憤世嫉俗的銀幕風格，進一步鞏固了他在影壇的地位，也為他首次贏得了奧斯卡獎最佳男演員提名。
70年代是一個真正屬於尼克爾遜的時代。這段時間里他塑造了一個又一個不同類型的角色，並在每一部影片中嘗試著不同的表演風格，而結果都無一例外地證明了他的成功。在1972年的影片《馬文花園的帝王》('King
of
Marvin
Gardens')中，他一改《五部輕松的戲劇》中披著長發的形象，變成了一個瘦瘦的中年知識分子；1973年在《最後的細節》('The
Last
Detail')他又留著一個平頭出現在觀眾面前。《最後的細節》這部影片改編自達里爾-波尼克森(Darryl
Ponicsan)的小說，由哈爾-阿什比(Hal
Ashby)執導。影片中，他飾演一位海岸巡邏隊的士兵布迪斯基(Budsky)奉押送命一位涉世未深的海軍士兵去海軍監獄。一路上，他十分同情這個孩子，不忍再讓那孩子受死板軍規的折磨。尼克爾遜憑著此片中的精彩演出，獲得第27屆戛納電影節最佳男演員，並再次獲奧斯卡獎最佳男演員的提名。在1974年羅曼-波蘭斯基(Roman
Polanski)執導的黑色片《唐人街》('Chinatown')中，他又梳成一個大分頭，出演私人偵探傑克-吉特斯(Jake
Gittes)。《唐人街》以30年代的洛杉磯為背景，尼克爾遜受雇尋人，卻捲入了一個大漩渦，最後他終於揭發了一個大陰謀。影片反映了洛杉磯這個國際大都市在哪個年代的黑暗面，這個題材在1990年他拍攝的《唐人街續集》('Two
Jakes')再次得到了反映。1975年尼克爾遜因《唐人街》獲第32屆金球獎最佳男演員，並再次獲得了奧斯卡獎最佳男演員提名。
第二年，尼克爾遜在米洛斯-福曼(Milos
Forman)豪華陣容打造的《飛越瘋人院》('One
Flew
Over
the
Cuckoo's
Nest')中表演不負眾望，獲第33屆金球獎最佳男演員，並終於首次捧回了奧斯卡最佳男演員的小金人。在這部影片中，他飾演蘭德爾-P-麥克墨菲(Randall
P
McMurphy)，為逃避苦役而假裝神經失常，可沒想到卻被送進了一家精神病院進行觀察。由於不滿精神病院中的行為，他與護士長發生了沖突，最後他被護士長切除了腦白質，變成了白痴。本片成為第48屆奧斯卡獎的大贏家，共獲得最佳影片、導演、改編劇本、男主角、女主角等5項大獎。尼科森的努力終於得到了回報，成為好萊塢最搶手的男演員。隨後他還相繼拍攝了影片《密蘇里山口》('The
Missouri
Breaks'，1976年)、《最後大亨》('The
Last
Tycoon'，1976年)和《飛越溫柔窩》('Goin'
South'，1978年)等，只是這些影片相較之下，都沒有那麼出彩。80年代尼克爾遜繼續譜寫著他在影壇的輝煌，多次獲得了奧斯卡獎的提名。1980年，尼克爾遜在影片《閃靈》飾演一位沒有什麼名氣的作家，因大雪封山，帶著妻兒來看守旅店，終因精神崩潰而成為殺手。1981年，在沃倫-比蒂(Warren
Beatty)執導的史詩巨片《赤色分子》('Reds')中，出演美國名記者約翰-雷德，並獲得奧斯卡最佳男配角的提名。緊接著他又出演了《飛越邊境線》('The
Border'，1982年)，雖然他在影片的表演低於觀眾和評論界的期望，但是他們，甚至他的同行，都沒指責他。1983年，他在詹姆斯-L-布魯克斯(James
L.
Brooks)執導的《母女情深》('Terms
of
Endearment')中，出演了一位玩世不恭的宇航員加勒特。他將這位多情男子的復雜內心世界演繹得淋漓盡致，榮獲了第41屆金球獎及第56屆奧斯卡獎最佳男配角。至此，他已成為奧斯卡歷史上繼傑克-萊蒙(Jack
Lemmon)和羅伯特-德-尼羅(Robert
De
Niro)之後第三個一人兼獲最佳男演員和最佳男配角兩個項獎的演員。二年後，他參加了約翰-休斯頓(John
Huston)的超級黑色劇情片《普里奇家族的榮譽》('Prizzi's
Honor')的拍攝，他因在片中的表演，獲第43屆金球獎最佳男演員，並再次榮獲奧斯卡最佳男演員的提名。1987年，傑克先是在影片《東鎮女巫》('The
Witches
of
Eastwick')中飾演一個魔鬼，影片的反響一般。後來，他又參加了阿根廷名導赫克托-巴本索(Hector
Babenco)的反映大蕭條時代的影片《離離原上草》('Ironweed')的拍攝，並因此片第9次獲得奧斯卡提名。這一個數字也只有著名影人斯潘塞-特雷西(Spencer
Tracy)達到過。拍完這部影片後，傑克-尼克爾遜息影了二年，直到1989年才在影片《蝙蝠俠》('Batman')中露面。
進入90年代，尼克爾遜主演的第一部主打影片，就是人們盼望已久的《唐人街續集》('The
Two
Jakes')，他在這部影片中還擔任了導演。繼鮑勃-拉菲爾遜(Bob
Rafelson)執導的《情逢敵手》('Man
Trouble')和《最後巨人》('Hoffa')二部平淡之作以後，1992年尼克爾遜在《好人寥寥》('A
Few
Good
Men')中，又一次以精湛的演技征服了影壇，第10次榮獲了奧斯卡獎的提名。1997年更是憑借影片《盡善盡美》第2次成為了奧斯卡影帝。1999年又被第56屆金球獎授予終身成就獎。
進入新千年，尼克爾遜先是在影片《誓言》('The
Pledge')中出演老探長一角，隨後又主演了亞歷山大-佩恩(Alexander
Payne)執導的老年題材劇情片《關於施密特》('About
Schmidt')。在《關於施密特》中，尼克爾遜飾演一位66歲的老人，在妻子去世後尋求自身生命意義。他因在這部影片中的精彩表演，2002年獲洛杉磯影評人協會獎最佳男主角，並第12次榮獲了奧斯卡獎的提名。2003年他與亞當-桑德勒(Adam
Sandler)出演了大衛-多爾夫曼(David
Dorfman)編劇的影片《氣味相投》('Anger
Management')，影片由彼德-西格(Peter
Segal)執導、蒂姆-赫利什(Tim
Hurlihy)製片。
除了表演以外，尼克爾遜還導演過4部影片，第一部是1963年的《恐懼》，第二部是1971年票房黯淡的《他說，開車》('Drive,
He
Said')，這部片子中他還擔任了編劇之一；第三部是1978年自己主演的《飛越溫柔窩》；最後一部是《唐人街續集》。盡管作為一個演員他很成功，但是執導影片看來並不是他的強項。他還做過編劇工作，得到或分享了這方面的榮譽，其中包括低成本製作的《孤島雷鳴》('Thunder
Island'，1963年)和《受驚女神》('Flight
to
Fury'，1964年)，以及《旋風騎士》('Ride
in
the
Whirlwind'，1965年)。在60年代後期，他還創作了影片《旅行》('The
Trip'，1967年)和《頭》('Head'，1968年)。
尼克爾遜的私人生活也與他在影壇上創造的眾多人物一樣豐富多采。他與桑德拉-奈特(Sandra
Knight)、安吉莉卡-休斯頓(Anjelica
Huston)、麗貝卡-布魯薩德(Rebecca
Broussard)等多位女星有染，並養下了一個女兒洛蘭(Lorraine，出生於1990年)以及一個兒子雷蒙(Raymond，出生於1992年)。2001年，尼克爾遜終於與比自己小33歲的女演員麗貝卡-布魯薩德走進了教堂，譜寫了繼邁克爾-道格拉斯(Michael
Douglas)之後的又一段好萊塢式的姻緣。(靜雨)
主要獲獎紀錄：
2003年因《關於施密特》獲第75屆奧斯卡獎最佳男演員提名
2003年因《關於施密特》獲第60屆金球獎(劇情類)最佳男演員
2002年因《關於施密特》獲洛杉磯影評人協會獎最佳男演員
1998年因《盡善盡美》獲第70屆奧斯卡獎最佳男演員
1998年因《盡善盡美》獲第55屆金球獎(喜劇/音樂類)最佳男演員
1997年因《盡善盡美》獲美國國家評論協會獎最佳男演員
1994年獲美國電影學院終身成就獎
1993年因《好人寥寥》獲第65屆奧斯卡獎最佳男配角提名
1992年因《好人寥寥》獲美國國家評論協會獎最佳男配角
1988年因《離離原上草》獲第60屆奧斯卡獎最佳男演員提名
1987年因《離離原上草》獲紐約影評人協會獎最佳男演員
1987年因《離離原上草》獲洛杉磯影評人協會獎最佳男演員
1987年因《廣播新聞》獲紐約影評人協會獎最佳男演員
1987年因《東鎮女巫》獲紐約影評人協會獎最佳男演員
1986年因《普里奇家族的榮譽》獲第58屆奧斯卡獎最佳男演員提名
1986年因《普里奇家族的榮譽》獲第43屆金球獎(喜劇/音樂類)最佳男演員
1986年因《普里奇家族的榮譽》獲美國影評人協會獎最佳男演員
1985年因《普里奇家族的榮譽》獲紐約影評人協會獎最佳男演員
1984年因《母女情深》獲第56屆奧斯卡獎最佳男配角
1984年因《母女情深》獲第41屆金球獎最佳男配角
1984年因《母女情深》獲美國影評人協會獎最佳男配角
1983年因《母女情深》獲紐約影評人協會獎最佳男配角
1983年因《母女情深》獲洛杉磯影評人協會獎最佳男配角
1983年因《母女情深》獲美國國家評論協會獎最佳男配角
1983年因《赤色分子》獲第36屆英國學院獎最佳男配角
1982年因《赤色分子》獲第54屆奧斯卡獎最佳男配角提名
1981年因《赤色分子》獲美國國家評論協會獎最佳男配角
1977年因《飛越瘋人院》獲第30屆英國學院獎最佳男演員
1976年因《飛越瘋人院獲》獲第48屆奧斯卡獎最佳男演員
1976年因《飛越瘋人院》獲第33屆金球獎(劇情類)最佳男演員
1976年因《飛越瘋人院》獲美國影評人協會獎最佳男演員
1975年因《飛越瘋人院》獲紐約影評人協會獎最佳男演員
1975年因《飛越瘋人院》獲美國國家評論協會獎最佳男演員
1975年因《唐人街》獲第47屆奧斯卡獎最佳男演員提名
1975年因《唐人街》獲第32屆金球獎(劇情類)最佳男演員
1975年因《唐人街》獲第28屆英國學院獎最佳男演員
1975年因《唐人街》獲美國影評人協會獎最佳男演員
1975年因《最後的細節》獲第28屆英國學院獎最佳男演員
1975年因《最後的細節》獲美國影評人協會獎最佳男演員
1974年因《最後的細節》獲第27屆戛納電影節最佳男演員
1974年因《最後的細節》獲第46屆奧斯卡獎最佳男演員提名
1974年因《最後的細節》獲紐約影評人協會獎最佳男演員
1974年因《唐人街》獲紐約影評人協會獎最佳男演員
1971年因《五部輕松的戲劇》獲第43屆奧斯卡獎最佳男演員提名
1970年因《逍遙騎士》獲第42屆奧斯卡獎最佳男配角提名
1970年因《逍遙騎士》獲美國影評人協會獎最佳男配角
1969年因《逍遙騎士》獲紐約影評人協會獎最佳男配角

傑克·尼科爾森 獲得獎勵 2003年因《關於施密特》獲第75屆奧斯卡獎最佳男演員提名

2003年因《關於施密特》獲第60屆金球獎(劇情類)最佳男演員

2002年因《關於施密特》獲洛杉磯影評人協會獎最佳男演員

1998年因《盡善盡美》獲第70屆奧斯卡獎最佳男演員

1998年因《盡善盡美》獲第55屆金球獎(喜劇/音樂類)最佳男演員

1997年因《盡善盡美》獲美國國家評論協會獎最佳男演員

1994年獲美國電影學院終身成就獎

1993年因《好人寥寥》獲第65屆奧斯卡獎最佳男配角提名

1992年因《好人寥寥》獲美國國家評論協會獎最佳男配角

1988年因《離離原上草》

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Ⅳ lagtime介紹

(Ragtime)拉格泰姆音樂風格介紹

歐非大量來美國淘金和尋夢的移民；福特發明了提高效率的生產流水線；無產者、黑人和女人上街遊行去爭取他們的權利；無**主義；彼利北極探險；自虐的脫身魔術大師胡迪尼；以摩根為代表的第一代壟斷者；弗洛伊德熱和性解放；危機四伏的和平；危機四伏的富有；迷惘的一代和拉格泰姆；悲觀的菲茨傑拉德說：「一切神明統統死光，一切仗都已打完，以往關於人的一切信念全部毀滅。」
拉格泰姆就產生在這樣一個妥協與極端並存、毀滅和建設同在的時代，而時代本身的重重矛盾和分裂性也體現在這種音樂方式之中；換個角度來看，爵士樂從文化到風格上的兩組矛盾，在它尚名為「拉格泰姆」時即已存在。
作為種族解放的象徵物，爵士樂強調著黑人在西方社會里的獨立性和尊嚴，與此同時，特別在上世紀中葉以前它也往往被當作黑人向白人權貴討寵的雜耍。首先是沒有經濟地位，
再就是從蓄奴時期攜來的、慣性般在白皮膚老爺面前綻開的獻媚笑容———黑人為了尋求一種朴實而善意的安全感，在從法律上拋去奴隸枷鎖之後，卻不能立刻擺脫情感中的奴性。
1900年1月23日，在紐約塔曼尼舉行了第一屆「拉格泰姆比賽」，作為亞文化史上有據可查的第一場娛樂秀，它證實了拉格泰姆在正統文化圈裡不過是一件用來伴舞的消遣品罷了，而在美國紅極一時的決賽曲目《我覺得黑人全都一個樣》則是一首小丑式的自嘲幽默歌曲，尖酸到無恥。拉格泰姆全盛時被歸類於舞曲，其娛樂性完全壓倒其藝術性（經典拉格泰姆曲《楓葉拉格泰姆》就是例子），盡管它會經常在時髦、窮歡極樂的上流社會舞會里響起———在當時音樂批評家的眼中它卻不過是「未進化」的、「獸類」的市儈音樂。
風格上，爵士樂中自由即興和嚴格譜式之間的對立也早早地被拉格泰姆體現出來，這一點取決於爵士樂的創作者、演奏者、包括受眾對它的民間性是否認同。拉格泰姆和布魯斯交匯而產生爵士樂，而前者與後者的草根性是無法比擬的，盡管拉格泰姆誕生在洗衣板、酒瓶、用空雪茄盒和魚線製成的提琴上，
它中期與歐洲古典音樂的融合還是破壞了其民間身份。在19世紀，以新奧爾良為核心分布在美國南部的法國移民大多屬於社會中、下階層，這些白人和那裡的黑人處於相同的生存狀態，彼此相互影響，通婚的事也經常發生。他們將從歐洲帶來的嚴肅音樂元素融入拉格泰姆之中，於是，從演奏技巧到曲式創作，拉格泰姆受到越來越多的要求和限制，日益脫離草根本色。
這種融合一方面加快了拉格泰姆音樂本身的發展，使其逐漸從一片混沌的暗影蛻變為長出五官四肢的爵士樂雛形；另一方面，就像吐著蹩腳的白人口音、使著不得體的上層社會禮節的黑人跑場爵士樂手一般，這種融合顯得無奈、狡猾而堅忍———左手伸出去乞討、右手則收回緊握成拳。如果說黑人曾用拉格泰姆來體現對自我尊嚴和解放的訴求，那麼，在這一過程中他們至少是掙扎到自虐般———咬緊牙關、低著頭顱的———恰如這個以「拉格泰姆」為名的時代。

拉格泰姆是美國流行音樂中第一次出現真正有全國影響的音樂形式。它最初是一種鋼琴音樂，盛行於19世紀90年代到第一次世界大戰結束，因爵士樂的興起而被替代。
19世紀末的新奧爾良，非常地開放和自由，比如公娼制度，在這塊土地上，大量的音樂人為妓女嫖客伴奏，他們彈奏歐洲古典音樂的技巧爐火純青。在花天酒地的氣氛中，他們開始修改曲目，甚至自己創作。這里的觀眾沒有太多的音樂素養，偶而彈錯幾個音符他們也聽不得出來，所以鋼琴師們充分地自由發揮，隨意地偏離固定模式。由於長時間的演出（從傍晚到次日清晨），這些鬆散的藝人開始對嚴格的音樂標准感到厭煩，他們開始嘗試新的創作，因此，由"妓院鋼琴師"發展出的兩種模式（即切分和即興），成了拉格泰姆音樂的主要標志。
拉格泰姆是在黑人音樂的基礎上，吸收了歐洲音樂特點而發展起來的，它的最大特點是復雜的切分。比如，跨小節切分（例4）。
拉格泰姆另一個典型的切分節奏特點是：在規則的節奏進行中，使用三連音，使固定的節奏律動出現臨時的轉變（例5）。
拉格泰姆的曲式類似當時的進行曲，由三四個不同的樂段組成，每個樂段包括四個樂句（共16小節），經常重復一遍，典型的結構如：AABBCCDD或AABBCCA等，有時還加上引子和間奏。拉格泰姆很少使用小調式。像進行曲一樣，它的對比性中段（C）經常轉入下屬調。
著名的拉格泰姆作曲家有斯科特?喬普林（Scott Joplin,1869～1917）、詹姆斯?斯科特（James Scott,1886～1938）等。斯科特?喬普林被稱作"拉格泰姆之王"，是一位黑奴的兒子，年輕時曾在酒吧等娛樂場所演奏鋼琴，1899年因創作《楓葉拉格》（Maple Leaf Rag）而一舉成名。

拉格泰姆音樂形式與布魯斯沒有根本上的區別，其最明顯的區別大致有兩點。一是與純粹的布魯斯相比，拉格泰姆似乎是比較「有修養」的音樂，它是一種黑人鋼琴音樂，演奏者中許多人受過一些正規的音樂訓練。因為鋼琴這一樂器的不便攜帶性，決定了這一音樂形式的演唱必須有一個比較合適的場合，這種場合一般都在酒館。二是拉格泰姆的節奏特點。它常常採用連續的切分節奏，演奏者在鋼琴上常常左手是規則的強弱拍伴奏進行，右手則是演奏與左手伴奏相錯位的切分節奏旋律以及更為復雜節奏的旋律，以此造成一種機智和幽默感。使得這一音樂形式深為有幽默感和生性好動的美國人民所喜愛。後來又相繼產生了拉格泰姆歌曲。

從嚴格的意義上說，這種風格還不是真正的爵士樂。在這風格中還沒有即興演奏和布魯斯音樂的感受，這種風格對於早期的爵士樂的形式產生了巨大的影響。這種風格的鼎盛時期是1899年至1915年，其中最為知名的要算是鋼琴音樂。這種風格大多是由管弦樂隊演奏的，其對位法和節奏融合了古典音樂和行進樂隊音樂的特點，在後來的爵士樂風格中都有所體現。拉格泰姆爵士樂的許多旋律後來都被迪克西蘭爵士樂音樂家風格採用。

Ⅵ 埃林頓公爵的人物生平

當他恰好是7 歲時，年輕的愛德華·埃林頓開始鋼琴課，在奧利佛下研究 文件 佩里和路易斯·布朗，將給他綽號 公爵。 公爵通過減速鋼琴著手做他用手指觸摸卷偉大的詹姆士頁 約翰遜。 從7 歲到17 歲，愛德華也將在鋼琴勤勉地拉離開，即使他立志爭取成為一名專業棒球運動員。 他對棒球的愛將領導16 歲公爵到他的非常第一個的工作： 在華盛頓參議員棒球比賽出售花生。
公爵開始傾向藝術，當他輕松地通過他的青少年時。 在他計劃畢業中學之前3 個月， 公爵退學並且開始在地方俱樂部和咖啡館表演，完全獻身於他對爵士樂的愛。 他是17 歲。
在1917年，在18 歲的時候，公爵取出在電話號碼簿的黃頁里的一個大的廣告，給他的音樂的才能做廣告。 反應是壓倒一切的，並且不久公爵正領導幾根帶子。 他將寫他的非常第一個的歌， 冷飲櫃碎布 同年以後。
在1922年，公爵埃林頓開始與威爾伯Sweatman在紐約玩。 樂隊將基本上不成功，並且一位戰勝的公爵不幸福從樂隊到樂隊蹦跳，仍然希望組成表演者的完美的線。 次年， 當公爵聚攏Sonny格里爾，奧托·哈德威克和亞瑟Whetsol並且開始在名字下執行Washingtonians時，它全部將一同來。 Washingtonians 博得好評，對被出售的老人群在好萊塢俱樂部在曼哈頓(過後給肯塔基俱樂部重新命名)定期同比賽 . Bubber米利，把默默，參加
Washingtonians 知道給他喇叭控制和不顧一切的投機家和不久，樂隊有一樣式全部它自己的。 全世界的新聞和音樂批評家愛上現在被貼標簽的， 叢林聲音。
Washingtonians 記錄他們的第一個集子， Choo Choo 並且 多雨的夜晚 在1924年。 公爵埃林頓管弦樂隊將在集子之外出生，這包含擊中 東方街 路易斯Toodleoo 並且 伯明翰故障。 無論樂隊去哪裡，管弦樂隊將去，此外，增加一個已經給人深刻印象，一同一種類的聲音。
那時在前的公爵埃林頓管弦樂隊以完全意外的運氣一夜成名的1927。 國王奧利佛翻下一工作在棉花俱樂部和埃林頓帶子被要求填入。 經典作品 布萊克和Tan Rantasy 並且 Creole 愛電話 將把公爵和他的音樂家同事推進聚光燈，他們以後50 年中將保持的地方，做現在世界聞名 埃林頓搖擺 在美國的最受歡迎的聲音之一。
公爵在1931年離開棉花俱樂部並且開始游覽世界，為象尼克松總統和女王伊麗莎白二世這樣的著名的觀眾扮演。 在這個時候，公爵寫 如果它沒被拿到那擺動，它不意味著一件事情， 哪個將確定整個十年。 雖然那些世界有厭倦這大帶子聲音到這時，埃林頓設法呆強壯和在那些圖表之上以增加 是跳舞 進他的常規。
仍然在20世紀40年代健康，公爵在1943年在卡內基大廈給他的第一個性能，正在初次登台時，他的50 分鍾工作， 布朗和米黃色。 在這個時期的一位基本上接受的音樂家，它好像，公爵不能做錯誤。 因為其他音樂家推把大的樂隊放回圖表，公爵改編他的音樂適合時代，並且那些觀眾變野蠻。
不要非常還各處走動 在20世紀60年代和公爵成為瞬間擊中， 現在50 多歲，開始坐在與路易斯·阿姆斯特朗全部星，約翰Coltrane四重奏里，算巴錫和科爾曼·霍金斯。 他是一張圖象，還是與一組是否演奏獨奏。 埃林頓的樂隊成為它的時間的任何樂隊的長壽的模型，沒有停止的一場演出而從未去一年，圖表安置出現。 因為老偉人去世並且他們的音樂隨著時間消失，公爵的聲音保持強烈直到1974。 患癌症，公爵埃林頓在1974年5月24日死。
重大大事
1899年： 4月29日，愛德華·肯尼迪·埃林頓出生在華盛頓特區一個有文化背景的中產階級家庭。他的父親是職業管家，父母親都會演奏鋼琴（父親通過耳濡目染，母親學過音樂）。
1909年： 哈萊姆區成立了促進有色人種發展的民族協會。這個組織後來為埃林頓所取得的成就而授予他一枚獎章。
1913年： 因為常常在家裡和在工作的咖啡館里聽到鋼琴演奏的拉格泰姆舞曲，埃林頓創作了一首《冷飲櫃拉格泰姆舞曲》（Soda Fountain Rag）（這首作品沒有記錄下來，後來就被遺忘了）。優雅的風度和一流的服飾，使他獲得「公爵」的雅號。
1918年： 埃林頓得到獎學金在布魯克林學習藝術，他成立了自己的伴舞樂隊。他與埃德娜·
湯普森結婚，在1919年生下一個兒子。
1919年： 美國政府在禁酒運動中禁止製造和銷售酒精飲品（右圖是在打碎啤酒桶），但卻引發了違法飲酒機構的建立，實際上的酒精中毒現象有增無減。
1927年： 埃林頓和他精心組建的樂隊錄制了《黑色和棕色幻想曲》和《Creole Love Call》。這個已經擴大成有十位演奏員的組合開始在哈萊姆區的棉花俱樂部演出。
1928年：隨著《West End Blues》的成功，小號手路易斯·阿姆斯特朗和他的「熱爵士五人樂隊」建立起獨奏家的表現形式。阿姆斯特朗極大地影響了埃林頓樂隊中小號手的演奏。
1929年： 華爾街崩潰：紐約證券交易市場的股票價格直線下落，引發了大規模的破產和普遍的失業現象。
1933年： 埃林頓和他的樂隊演奏著包括《藍色的情緒》在內的許多廣受歡迎的音樂作品在美國和歐洲巡演，Constant Lambert曾稱贊他們是「世界上最偉大的銅管組合」。
1935年： 盡管有包括埃林頓在內的許多音樂家都在嘗試著在歌劇創作中融合進爵士樂的因素，但最成功的作品還是喬治·格什溫的完美歌劇《波吉與貝斯》。
1939年： 作曲家和抒情詩人比利·斯特雷霍恩加入到埃林頓的樂隊中做樂曲編配和第二鋼琴手。他創作的歌曲《Take the 「A」Train》成為這個組合的標志性旋律。
1941年： 日本軍隊襲擊了美國在夏威夷的軍事基地珍珠港，把美國帶入到第二次世界大戰之中。二戰結束於1945年。
1943年： 埃林頓的《黑色、棕色和米色》在卡奈基音樂廳第一次上演。這次演出使他獲得音樂會藝術家的名聲。此後，他們的樂隊每年都在卡奈基音樂廳演出大型器樂作品。
1952年： 美國藝術家薩姆·弗朗西斯（1923年出生）製作出《繪畫》。他在1947年製作出他的第一幅抽象作品，他是「抽象藝術」的主要成員，也是通過在畫布上滴落和撒潑顏料等方式創作出「行為繪畫」作品的代表人物。
1957年： 曾與邁爾斯·戴維斯五重奏團合作過一段時間的改良薩克管演奏家約翰·科爾特蘭出版了他的《Blue Train》，展示出他富有激情與冒險精神的與眾不同的風格，這為後來的音樂佳作鋪平了發展道路。
1959年： 埃林頓和斯特雷霍恩為奧特·普萊明格的電影《謀殺的解剖》配樂，這部電影由詹姆斯·斯圖爾特主演。埃林頓還與諸如Ella Fitzgerald，Coleman Hawkins和John Coltrane等人合作，錄制了一系列作品。
1963年： 在埃林頓的家鄉華盛頓特區，有25萬不同種族的民眾，民權主義者馬丁·路德·金做了《我有一個夢想》的講演，要求種族平等。他在1968年遭到暗殺。
1965年： 舊金山的格雷斯大教堂為了慶典需要，委託埃林頓創作了一部禮儀式作品《上帝之始》。
1974年： 5月24日，埃林頓在紐約死於由肺炎引發的肺癌。Ella Fitzgerald在紐約聖約翰大教堂舉行的埃林頓的葬禮上演唱了聖歌。

Ⅶ 熟悉西方音樂的請幫忙

CLASSICAL MUSIC
中世紀時期（Medieval Period）（1450年前）
這一時期主要是羅馬天主教會所保存的在教堂中廣為演唱的單聲部歌曲集。大多用於兩種禮拜儀式：一是彌撒，歌詞為紀念基督最後晚餐及其獻身事跡，這是教 堂儀式的中心；二是日課，就是修道院每天詠唱的八課聖事，主要以詩篇為主。 推薦：GREGORIAN CHANT

巴洛克時期（Baroque）（約為公元1600—1750）
這一時期的音樂是現代演奏會的先河。作曲家手下的巴洛克音樂帶有顯見的特性: 華麗、復雜、藻飾、扭曲, 著重於超現實和雄偉宏奇, 這些特質都能彼此融會貫通。如果說文藝復興時代(以及後來的古典時代)代表著井然的秩序和澄澈的表現, 那麼巴洛克時代 (及後來的浪漫時代)就是代表著騷動、不安和疑慮。四聲部的和聲, 以及加上文字指示和弦的「數字低音」 (figured bass) 都產生於巴洛克時代；舊有的教會調式消逝, 大小調音階系統和沿用至今的相關調性之崛起, 是巴洛克時代大事。另外, 節奏思想也在這個時代萌芽, 也就是在音樂曲譜中加入小節線。這些形式日後直接衍生為奏鳴曲、交響曲、協奏曲、前奏曲與變奏曲。不過巴洛克時代也不乏一些自由的曲式--如觸技曲、幻想曲、序曲和主題模仿(古幻想曲) 。
古典主義時期（Classicl）（約公元1750—1820）
因為這一時期的三位代表性人物：海頓，莫扎特，貝多芬的生活與創作主要都在維也納，因此又被稱為「維也納古典樂派」或「維也納古典主義音樂」。此時期作家中，莫扎特的小夜曲、嬉遊曲等都很具親和力。海頓的第一、二號大提琴協奏曲也會是很適合入門者欣賞的曲目。至於貝多芬的作品，轟轟烈烈的音響俯手可得，個人比較欣賞他的小提琴奏鳴曲《春》、鋼琴奏鳴曲《悲愴》、《熱情》、《月光》。
浪漫主義時期（Romanticism）（約為公元1820—1900）
這一時期的音樂更注重表達人的精神境界與主觀感情，對自然景物的表現也愈加突出，創作上對民族和民間音樂的利用更加重視與頻繁。19世紀中後期出現了以振興本民族音樂為己任的民族樂派。在音樂體裁上出現了新的器樂獨奏體裁，如夜曲，即興曲，敘事曲，諧謔曲，幻想曲與無詞歌等。此時期作品風情萬種，各自獨具特色，入門曲目有舒伯特藝術歌曲精選、《美麗的磨坊少女》；蕭邦夜曲、鋼琴協奏曲第二號；門德爾松小提琴協奏曲、鋼琴協奏曲第一、二號；華格納歌劇序曲集；布拉姆斯交響曲第一、三號；柴可夫斯基小提琴協奏曲第一號、鋼琴協奏曲第一號；拉赫曼尼諾夫鋼琴協奏曲第二號、《帕格尼尼主題與變奏》；拉羅《西班牙交響曲》；拉威爾鋼琴協奏曲G大調。
20世紀的作品有布列頓的《青少年管弦樂指引》、《小交響曲》，斯特拉文斯基的《保欽奈拉》、《彼得洛希卡》，以及普羅科菲耶夫的鋼琴奏鳴曲第七號、鋼琴協奏曲第一號。在此推薦德國作曲家亨德密特的《韋伯主題交響變奏曲》、《畫家馬席斯》交響曲，以及美國作曲家科普蘭的《馬術競技會》、《一個平凡人的號角》。

POP
有說法是它起源於80年代中期，B.P.M.在100拍-130拍，POP所指的是流行音樂和舞曲節奏相融合的一種舞曲形式。當前一些有別於經典曲風的舞曲,以及較難區分的舞曲多可列入POP舞曲的范疇中來。
流行榜（pop chart）本身就是一個大的Crossover排行榜，因為那上面根本就是一個大雜燴，不管是爵士、古典、還是搖滾，只要熱門起來，就都擠上了這個榜單。而那時候的排行榜類別，還體現出黑與白的種族劃分。當一位黑人歌手的唱片打入白人唱片排行榜時，即便音樂風格差不多，也被認為是「Crossover」。 Crossover在美國是跟排行榜密不可分的。而排行榜不僅是唱片業的銷量指針，也是文化生態的一種體現。在上世紀五、六十年代，Crossover指某些在不同類別的排行榜上登榜的唱片。

jazz
早期爵士樂
早期的爵士樂（1900—1917）曲目有32小節、4樂句的AABA流行歌曲式的曲調；有4樂節、兩個調的拉格泰姆曲調；還有12小結的器樂布魯斯曲調。拉格泰姆樂曲的和聲節奏傾向於比另兩種更快的速度。布魯斯樂曲的和聲節奏最慢，但它的獨奏旋律線的變音轉調較多，起音不一，音高變化也不少。早期歌曲曲目中也有很多以「布魯斯」作名稱，而實際上是流行歌曲或別的什麼同源形式。
早期爵士樂隊的設置平均為8位樂師。在新奧爾良風格爵士樂隊的固定形式上增加了兩件樂器。有時添一支短號和一件節奏樂器，有時加一把小提琴為領奏。在演奏過程中，樂隊的每個成員，不僅僅是獨奏者，都要做即興演奏。彼此之間自發的互相謙讓與合作，只受和弦進行結構的限制，這種新的聲音在20世紀初期任何聽眾以下就能辨認的出，它就是「爵士樂」。

自由爵士
自由爵士產生於60年代，這種全新的音樂剛一出現，就深受廣大爵士音樂家和爵士樂迷的喜愛。
自由爵士不同於以往爵士樂，在和聲、旋律方面沒有太多的限制，演奏者在演奏過程中可以自由、大膽、隨心所欲的發揮。自由爵士具有全新的節奏概念，節拍、對稱性被統統打亂，同時，它也強調音樂本身的強度與張力，加入大量的不諧和音，把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音樂融合到了一起，採用了印度的西塔爾琴、塔布拉雙鼓、擴音拇指鋼琴、警笛和大量的電子設備及打擊樂器，因此，有些自由爵士樂隊看上去就象一支非爵士的先鋒派樂隊。

搖擺樂
二十年代末，美國出現大蕭條，爵士樂也隨之流行於一些秘密酒店、酒吧、妓院等場所，致使出現了一些更適合跳舞的爵士樂隊——搖擺樂大樂隊。最早出現的搖擺樂隊是Fletcher Henderson（費萊切·漢德森）的大樂隊，但使搖擺樂真正確立樂壇的要算是1935年Benny Goodman（本尼·古德曼）大樂隊的成功，直到1946年大樂隊時代結束為止，搖擺樂一直是流行樂壇上一支重要的力量。搖擺樂不同於早期的爵士樂，在演奏過程中不太注重合奏，反而更加強調獨奏。個人的即興主要以旋律為基礎，與以前的演奏相比，這更具有冒險性。
這時期許多爵士藝術家經常與一些歐洲經典樂藝術家一起交流、探討、相互借鑒，所以在搖擺樂中你也可以聽到貝多芬、勃拉姆斯的回響。
搖擺樂繼承了早期爵士樂的一些傳統，同時也開辟了個人表演的新領域，許多大樂隊的樂手後來都成為爵士巨星。

Cool爵士
1950年，Miles Davis九人小組推出的專輯《The Birth of The Cool》，標志著Cool爵士的產
生。
Cool爵士選用的音調是輕柔的、淡雅的，音質柔和乾爽。獨奏中，帶給你一種柔和舒緩、剋制的感覺。其重奏部分微妙深奧，有時讓你聯想起歐州經典室內樂。Cool爵士雖然也揉進了Bop的音調、旋律與和聲的優勢，但是比Bop的即興演奏更舒緩平滑，音色更加和諧，與Bop相比，Cool爵士樂經常突出體現一種鬆弛感，而沒有Bop那麼強的內在張力。
Cool爵士鼓手也更加安靜，不幹擾其他音色，總而言之，Cool爵士風格是節制的，「點到為止」，這正是為什麼其樂迷稱之為「Cool」的原因。

Fusion
二十世紀七十年代，Fusion音樂漸漸發展起來，它的最初定義實際上是一種融合了爵士樂即興和搖滾樂節奏的音樂。然而隨著流行音樂、節奏布魯斯以及各種音樂形式在世界樂壇逐漸繁榮，Fusion音樂又將這些音樂風格加以借鑒，我們現在所熟悉的Fusion音樂，其實已經成為一種冠有爵士樂名稱的混合型音樂。

Regtime
Regtime（拉格泰姆）爵士樂融合了歐洲古典音樂和歐洲軍樂的特點而產生的。他打亂了古典音樂中嚴格的節拍規律，有演奏者掌握節奏的遲緩。樂曲的進行通常是起奏延緩，隨即強調音節，這種風格在當時的鋼琴演奏中極為常見。Regtime爵士樂在二十世紀出的十五年中非常盛行，雖然這種風格對爵士樂的形式具有非常重大的影響但是因為 它缺乏Blues的感覺和沒有即興感覺，所以並不能稱之為真正的爵士樂。

Bebop
「Bebop」一詞源出自爵士音樂家在練聲或哼唱器樂旋律時發出的毫無詞義的音節（或無意義的狂喊亂叫）。比波普的樂句經常在末尾以一個很有特色的「長一短」音型突然結束，而這個節奏又常被哼唱成「里波普」或「比波普」。這個詞初次出現在印刷品上是作為吉列斯匹6人樂隊於1945年在紐約錄制的唱片曲名–《咸花生Bebop》。
Bebop發展於搖擺時代次中音薩克斯手Lester Young和Don Byas鋼琴手Art Tatum和Nat Cole, 小號手Roy Eldgridge, 巴錫伯爵的節奏樂器組，還有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。
Bebop音樂通常由3至6人組成的小型爵士樂隊演奏。他們不用樂譜，這一點正是他們用來對抗搖擺樂使用改編樂譜的准則。演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次（如果是12小節的布魯斯則演奏兩次），接下來是在節奏組（一般是鋼琴、低音提琴和鼓）伴奏下的幾段即興獨奏疊句，再重復第一疊句的旋律結束全曲。節奏組自始至終重復著全曲的和聲音型（包括變化音型），以保持樂曲的結構。
如《藍色狂想曲》、《藍色的探戈》、《藍色的愛情》等

GOSPEL MUSIC 福音音樂
作為被剝奪文化的奴隸，早期非洲-美國黑人認為只有教堂才是他們能抒發和撫慰在新處境里心境的地方，並通過寓言和歌唱形式傳播單純的「轉世投胎」的理論，使黑人教堂在19世紀異常繁榮。他們早期通過口耳傳播非洲化的基督教聖歌，由此轉化、形成了黑人精神——和諧的福音音樂。
像漢克·威廉斯(WILLIAMS， HANK)的《破舊的十字架》(The Old Rugged Cross)、《與你親密無間》(Just a Closer Walk with Thee)和《我看到了曙光》(I Saw the Light)。此外還有托馬斯·多爾西(Thomas Dorsey)的一些作品，這些鄉土音樂都曾流行一時。如果不是這些鄉村音樂家運用福音音樂的要素。創作出大量成功的作品，那麼也就沒有福音音樂的今天。

rock music
搖滾樂的正式產生是在50年代中期，但是這個名詞卻在50年代初期就已出現。1951年，克利夫蘭電台唱片節目主持人艾倫·弗里德（Alan Freed）從一首節奏布魯斯歌曲《我們要去搖，我們要去滾》（We're Gonna Rock ，We're Gonna Roll）中創造出了"搖滾樂"（Rock n' Roll）這個名詞。1955年，電影《黑板叢林》（Blackboard Jungle）的上映對搖滾樂的產生帶來了巨大的影響。它講述的是一群學生造反的故事。一位中學教師面對這群學生唱起了一首歌，這首歌就是影片的插曲《晝夜搖滾》（Rock Around The Clock，例16）。這首歌曲在青少年中引起了極大的轟動。1955年7月，《晝夜搖滾》在波普排行榜上獲得第一名，標志著搖滾時代的到來。它的演唱者比爾·哈利，也因此成了青少年崇拜的第一個搖滾樂偶像。從此，搖滾樂開始風靡全國。

RAP
說唱樂的起源可以追溯到黑人音樂根源中吟詠的段落中，到了70年代說唱樂正式確立了自己的風格，其中最主要的功勞要歸根於當時流行的迪斯科舞廳中的DJ們，他們將黑人當時正在風行的FUNK節奏混入流行的迪斯科節奏中，並且在唱片機上反復重復同一張的唱片的內容，做自己的LOOPS，隨著那些在現在廣為人知和DJ們普遍應用的「打碟」法出現，說唱開始被街頭黑人文化所流傳，並且衍生出相當豐富的分支，諸如西海岸說唱樂(West Coast Rap)、南部說唱樂(Southern Rap)、流行說唱樂(Pop Rap)、老派說唱樂(Old Schold)、中西部說唱樂(Midwest Rap)、拉丁說唱(Latin Rap)、硬核說唱(Hardcore Rap)、黑幫說唱(Gangsta Rap)、外來說唱樂(Foreign Rap)、東海岸說唱樂(East Coast Rap)、過渡說唱樂(Crossover Rap)、喜劇說唱樂(Comedy Rap)、基督教說唱(Christian Rap)、另類說唱樂(Alternative Rap)等等，我們現在所謂的HIP-HOP正是由這些流派綜合了當今流行元素而誕生的新詞彙。盡管早在90年代初期就有人認為這種絮絮叨叨，滿是臟話粗口，叛逆詞語的音樂會很快消失，而事實上，在90年代末，隨著一批新進的說唱樂手和以白人為主的說唱搖滾的風行，曾經被黑人拋棄的音樂又重新回到了流行音樂的前端，至少在新世紀的現在，這個風潮還不會消退

RAP是美國黑人音樂中的重要組成部分，是街頭文化的主要基調，是世界流行音樂中的一塊「黑色巧克力」。本文試圖通過介紹幾支美國當紅RAP歌手/團體，讓歌迷了解這些人的背景資料，找到自己喜歡的RAP明星。 首先，先簡單的介紹一下關於Rap說唱樂的起源和發展過程

New Age
喜多郎——新音樂的先驅
可以說，早在70年代便開始致力於研究電子合成音樂的喜多郎（kitaro），是New Age音樂的首席代表，他的作品有著日本New Age音樂開路先鋒的獨特風格。將古典、流行、爵士融入電子音樂，這種不同於西方音樂的東方魅力，使得kitaro從首部作品《天界》面世開始，就得到了世界上越來越多的聽眾的肯定（當然很多人對於他的音樂比對他本人更為熟悉）。
《絲綢之路》系列的推出以及佳作《敦煌》的面世，都讓國內的聽眾備感親切。對中國題材音樂如此情有獨鍾，難怪喜多郎先生一直堅持「中國文化才是日本文化的根」。
沉浸在喜多郎的音樂宇宙里，你就會發現自己猶如沉醉於自然萬物的流動韻律，只要閉目聆聽，便有意想不到的美妙天籟應運而生了。
如果此刻你正打開音響感受喜多郎，那麼你發現流淌在你周身的音樂給你帶來什麼變化了嗎？請同樣好好感受這一次——自己的深呼吸……
雅尼——音樂也講創新
雅尼現在已經成為全世界最具有創新精神的作曲家和演奏家之一，他成功地掀起了一陣熱潮。他最擅長的事情是通過音樂與人達到共鳴，無論是通過他的音樂會還是通過電視和電台的廣播，或者通過他的音樂專輯。
強力推薦的是他的專輯《雅尼雅典衛城音樂會》，作為他的第十個個人專輯包含了他那些最經典的音樂作品（專輯包括了「桑巴林島」，「給想像鑰匙」和他那首白金熱門曲「熱情的反射」），管弦樂隊在新版本中並不是追加的，而是作為整個音樂的整體。作為一個作曲家，Yanni從來不去遵守那些過去確立的規則，在這個專輯里也不例外，他打破了交響樂團那些傳統的經驗，這么做的結果是產生了豐富的節奏並且優雅的音樂。
班得瑞——自然全接觸
班得瑞樂團是由一群年輕作曲家、演奏家及音源采樣工程師組成的，1990年發跡瑞士。他們從開始執行音樂製作，便深居在阿爾卑斯山林中，直到母帶成品完成。置身在自然山野中，讓班得瑞樂團擁有源源不絕的創作靈感，也擁有最自然脫俗的音樂風格。班得瑞的音樂里，展現了他們獨特的編曲手法，以清爽的配樂架構出零壓力、零負擔的樂曲，他們細酌每一軌聲道的解析度，使音域更寬廣，音場效果更具空靈感，完全讓你融入到大自然中去……
目前，其流行世界的作品有《仙境》、《寂靜山莊》、《藍色天際》以及新推出的音樂情詩《風之羽翼》等。
神秘園——怎能不神秘
神秘園是一支著名的新世紀音樂風格的樂隊，它由挪威作曲家兼鍵盤手（羅爾夫·勞弗蘭）和愛爾蘭女小提琴手（菲奧諾拉·莎莉）組成。樂隊融合了愛爾蘭空靈飄渺的樂風以及挪威民族音樂及古典音樂，樂曲恬靜深遠，自然流暢，使人不知不覺便已融入其中。
其首張專集《Song From A Secret Garden》的傷感絕對能殺死人，讓人像迷失在神秘的叢林里，黑暗的看不到天，找不到出口。沉溺在這樣的黑暗中，像一個人孤獨地坐在路邊大樹的陰影下，靜靜看路上人來人往，別人看不到你，你也不想被看到，因為你害怕，因為你孤獨，你知道這不是什麼好事，但只有這樣，受傷的心才能感到一絲安全，這樣的孤獨一直在誘惑你。其中的《田園》（Nocturne）一曲是樂隊的成名作，曾獲1995年歐洲歌唱大賽冠軍。另一曲《來自神秘園的歌》（Song From A Secret Garden）在組建樂隊前就在挪威發表並流行。迷幻之樂配以天籟之音，整首曲子讓人聽完後如同經受了一次心靈的洗禮。難怪身邊總有人按下REPEAT鍵，一次又一次讓這段旋律在耳邊迴旋。
莎拉布萊曼——純粹的月光女神
莎拉布萊曼說：我只是盡我所能，發揮上帝賜予我的天賦。在美麗、冷艷的外表後面，她遊走於音符之間，放任在流行與古典的邊緣。她的歌聲充滿了個人特質，讓人充滿迷惑與想像，能給航行在海上的水手帶來一種方向感、歸依感。她的音質純凈、通透，尤其演唱不食人間煙火的角色時格外惹人憐惜。
作品首推其巔峰之作《LA LUNA》�月光女神。這是一張以「月亮」為概念的專輯，其中收錄了古今歐美知名的與月亮有關的單曲，包括流行歌曲、電影配樂，甚至是古典音樂重新填詞，再經過高雅精緻的編曲混音，搭配上莎拉布萊曼獨一無二的空前美聲，該專輯絕對給你一種充滿迷惑與想像的輕松飄逸感。
恩雅——天使的聲音
恩雅，這位80年代末到90年代初崛起的愛爾蘭女歌手，有著中世紀的幽靜和飄逸。身為音樂奇才的她在專輯中集作曲、演唱、編曲和演奏於一身，甚至連混音與合成都一手包辦。她周遊於流行樂和古典傳統樂之間，天籟般美妙的嗓音迷煞了世界上大部分的聽眾。
《星空彩繪》、《牧羊人之月》、《居爾特人》、《水印》、《樹的回憶》，她的專輯一度成為唱片行最熱銷的碟片。其中，《A Day Without Rain》（雨過天晴）獲得了本屆Grammy最佳New Age專輯獎。
但是這里要推薦的是她為風靡全球的影片《指環王：魔戒首部曲——護戒使者》所作的主題曲《may it be》，該曲給人置身於人間天堂的感覺，飄渺的旋律中所流露出的絲絲惆悵和影片略帶憂傷的結尾配合得非常巧妙，渾然天成。難怪《魔戒》在第74屆的奧斯卡獎評選上獲得「最佳電影配樂」的獎項。
英格瑪——中世紀魅力
Enigma（謎）這支來自德國的樂隊，是早期准許引進內地的國外音樂之一。對於Enigma來說，他們喜歡用現代電子樂來表現神秘主義的主題，使人產生一種時空交錯的奇妙感覺。樂曲中的人聲也非常美妙：女聲亮麗動人，如夜鶯一般悅耳；男聲低沉隱約，令人著迷。這是一種天生的美國式的聖歌，一種通過西方流行音樂節奏表現出來的遙遠的非洲部落或嚴肅的宗教的回聲。
1990年首張發行的Enigma大碟《神秘古國之聲》（Sadness Part）中，有著中世紀教堂唱詠以及極具誘惑力的女聲獨白，電影配樂式意境在House Beat上，構成宗教意味加神秘色彩的舞曲……
女巫醫——夢囈神曲
可能《女巫醫》本身遠比它的作曲新紀母音樂全才梅德溫來的更有名氣。該專輯的樂器演奏，運用南美的輕松節奏，直笛、鍵盤及敲擊樂器演出天籟之音，讓人閉上眼可以想像出一幅熱帶雨林的奇異景色，百聽不厭。梅德溫說：「我的音樂使人們減輕壓力並放鬆精神，它具備某種精神和你心靈深處的靈感，它具有震動的音調，不猛烈的節奏。我的音樂與其說是我的創造，不如說是對靈魂的洗滌。我不想讓人們睡覺而是讓他們進入能做任何事情的夢境；鼓勵他們發揮他們自己的創造力。」
入乎內無風無浪，出乎外亦風亦浪