音乐剧电影的好处

❶ 音乐剧电影 与 动漫电影 中的音乐特点

音乐剧电影经常运用一些不同类型的流行音乐以及流行音乐的乐器编制;在音乐剧里面可以容许出现没有音乐伴奏的对白；而音乐剧里面亦没有运用歌剧的一些传统，例如没有了宣叙调和咏叹调的区分，歌唱的方法也不一定是美声唱法。
动漫电影，大量的音乐充实着剧情的不断发展，甚至于当电影出现某种色调时，音乐都能起到增强作用。其次，电影具备多种节奏功能，比如主观节奏、客观节奏、导演心理节奏和观众心理节奏等等。通过不同的音乐节奏和音乐语言，来表达这些节奏，迎合故事不同的风格、不同的场景。

❷ 以奥斯卡获奖电影《芝加哥》为例，探讨如何成功使音乐剧电影化

好莱坞歌舞片与百老汇音乐剧一直有着紧密联系，自20世纪20年代以来，两者相互借鉴、互相映衬，共同发展。高质量的音乐剧改编为歌舞片搬上大荧幕，是业内常有发生的事情。可以说，美国百老汇音乐剧为好莱坞歌舞片提供了源源不断的新鲜血液和创作来源。

其中，《芝加哥》作为极具讽刺意味的百老汇经典音乐剧，多年来长盛不衰，更是在2002年被改编为电影，让更多的人得以领略其韵味和魅力。2003年，电影版《芝加哥》一举斩获包括最佳影片在内的奥斯卡六项大奖，并打破了35年来歌舞片无缘奥斯卡最佳影片的局面，成为一部在商业上和口碑上都取得巨大成功的歌舞电影。

影片讲述的故事情节很简单，主要讲述了两名女子杀人以后，不仅没有得到当地法律的制裁，反而经过律师比利炒作后声名大噪的故事，讽刺了芝加哥二十世纪二十年代娱乐至死的黑暗荒诞世态。

音乐剧和歌舞片是两种不同意识形态的艺术作品，两者相映成辉、各有千秋。在如今市场上越来越多音乐剧改编歌舞剧的情况下，这部18年前的老作品，在豆瓣上依然保持8.8的高分，被认为好于96%的歌舞片。

《芝加哥》凭什么脱颖而出，成为音乐剧影视化的经典之作？

在我看来，仅从电影的故事情节探讨，无法深入回答这个问题。今天本文就以《芝加哥》为案例，从电影叙事手法、镜头话叙事语言、声音艺术创作三个方面，探讨这部歌舞电影如何对音乐剧进行影视改编，从而与观众情绪产生联结，带给观众强烈的视听感染力。

写在最后：

电影《芝加哥》作为一部成功的歌舞片，无论是商业价值还是影片口碑都取得巨大的成功。影片凭借美妙迷人的歌舞场景、入木三分的人性刻画以及现实深刻的主题内涵，成就其歌舞片史诗级地位，并成为无数人心中的经典之作。

因此，今天这篇文章详细分析了电影《芝加哥》故事情节之外的魅力和精彩之处。

在我看来，影片通过对电影语言的熟练运用，成功将舞台作为主导的音乐剧改编为更具大众文化的影视作品，将局限于舞台的小众文化传播给更加广阔的受众，这正是影片《芝加哥》长久不衰的魅力和独到之处。

❸ 音乐剧、歌剧的区别（详细，重要作用）

音乐剧是歌剧的一个分支

音乐剧演员表现剧情的方法是歌唱和舞蹈；
歌剧演员表现剧情的主要方法是歌唱，演员的舞台表演只不过是走过场，形式一下而已。
歌剧必须用美声唱法，通过歌声来讲述故事；
音乐剧随便用什么发声方式，通过肢体+歌声来演绎，有点像电影
歌剧有些“曲高和寡”的意思
音乐剧操作市场化

音乐剧四大名剧
猫(Cat)
歌剧魅影(The Phantom of the Opera)
悲惨世界(Les Miserables)
西贡小姐(Miss Saigon)

❹ 音乐剧的优势

我眼中的音乐剧
炫丽的灯光，华丽的舞台，美妙的音乐，精致的唱腔。这一切并不是音乐剧的全部。从杰罗姆•科恩到安得鲁•洛伊德•韦伯，从大不列颠到中华大地，从《剧院魅影》到《雪狼湖》，从百老汇的经典剧目到好莱坞的歌舞电影，音乐剧不分国界的用一种音乐与戏剧相结合的方式，将曼妙的音乐巧妙的穿插到或曲折，或平淡；或激情，或感人；或惊险，或温情的剧情当中去，用音乐这种艺术形式表现出戏剧这另一种艺术形式。用男女主人公的声音来诠释他们的内心复杂的情感，从而让这种情感更加完美，真挚和深刻。
一、音乐剧的创新
音乐剧无疑是古典与流行相结合，艺术与商业相结合的成功的艺术形式。而安得鲁•洛伊德•韦伯则无疑是这种结合中的大师级的人物。音乐剧的发展中的转折点要追溯到上世纪二十年代，二十年代以前的音乐剧在英、美两国有着不同的历史背景：在美国，它较多地受爵士乐、踢跳舞、喜剧性话剧和含有歌唱的喜剧的影响，另外美国一直有像"齐格菲"一类的轻歌舞剧（故事不重要，但歌舞制作得非常华丽），还有歌舞厅的小型娱乐性歌舞（多数在高档餐厅和宾馆演出，在现在的拉斯维加斯仍能看到）；在英国，音乐剧则更多地与轻歌剧、话剧，特别是莎士比亚、莫里哀、易卜生的戏剧背景相关，舞蹈方面则更贴近芭蕾舞。二十年代以后,以典型剧目的创新和突破为代表，美国和伦敦西区都有不同程度的长足进展。《俄克拉荷马》使音乐、舞蹈紧密地与故事进程结合，特别是舞蹈。此剧中，舞蹈设计德米尔创新地使用了民族式芭蕾，而不是简单地照搬传统的踢腿舞或踢踏舞。它通过音乐、唱歌和舞蹈三种形式的融合，从而使音乐剧成为一种近乎完美的艺术形式。而听音乐剧也逐渐变成一种从属性文化，这把音乐剧中的舞蹈提到一个更高的境界。德米尔把音乐剧舞蹈从简单的群舞与异国情调的古典芭蕾中解脱出来，创作出独树一帜的百老汇风格。而天才的作曲家安得鲁•洛伊德•韦伯则把握了这一切，将他的艺术灵感与流行文化相结合，创作出了一系列诸如《剧院魅影》、《猫》等一系列经典剧作。
二、韦伯的成功
韦伯是公认的音乐剧作的天才，《耶稣基督巨星》上世纪七十年代在百老汇首演，该剧由年仅23岁的安德鲁•洛依德•韦伯创作，他当时还是一位无名的英国青年。安德鲁的《耶稣基督巨星》是一个卓越的音乐典范，而且大部分音乐是摇滚乐，这是一部对经文、人物、人与人之间的关系进行心理探索的剧目，是史诗型与摇滚歌曲的融合。舞蹈是体操与运动式的风格，舞步很少，主要是剧情支撑着舞台的活动，它把一个世人熟知的古代故事用摇滚来表现，着力于民众与个人责任感之间的冲突与摩擦，这是令人震惊的创新。《剧院魅影》这是韦伯的一部趋于成熟的代表性作品。该剧以精彩的音乐，惊险的剧情、恐怖的氛围，充满悬念和紧张感，完美的布景，足成为音乐剧中永恒的佳作。韦伯在剧院魅影中努力将有着黑暗童年的，居住在剧院地下室中的鬼魅般的男主角刻画成了一个天才的剧作家、音乐家、建筑师、设计师，并且是一个有情有义，痴爱着女主角的悲情人物，而霍华德•麦吉伦和莎拉布莱曼的深情演出也给剧中的主人公带去了灵魂。从一九八八年首次登上百老汇的舞台算起，《剧院魅影》已经在百老汇的舞台上连演了十八个年头，成就上超过了韦伯的另一部音乐剧《猫》，是百老汇历史上最长演不衰的剧目。十八年来，该剧已在全球二十多个国家和地区、超过一百二十个城市进行过演出。此外，该剧目前仍在全球七个城市公演，全球看过此剧的人数已达八千万人，全球票房总收入已达三十二亿美元，仅在纽约就有近六亿美元的票房。这部经典的音乐剧之所以能够历久不衰，还是有不少值得现代音乐剧借鉴之处。首先，除了音乐剧自身靠实力取得成功之外，二零零四年，同名电影的推出以及其后发行的DVD，这些延伸产品对重振《剧院魅影》“舞台旋风”也有推波助澜之功。许多观众正是从与此有关的各种宣传中知道，《剧院魅影》仍在上演，于是新的“朝圣者”又络绎于途。 另外，原著本身的故事情节也是引人入胜的法宝之一。
三、音乐剧在中国
对于中国而言，音乐剧是刚刚兴起的“舶来品”，我们几部原创的音乐剧作品不尽如人意，而且像西方现代音乐剧一样的高成本和大制作也令许多中国艺术家望而生畏。并且由于缺少优秀的剧本和形、音、演兼备的优秀演员，音乐剧作总是与流行和商业化脱节使得国产的音乐剧总是面临着即不叫好又不叫座的尴尬处境。如今大剧院里上演的基本上都是诸如《悲惨世界》、《西贡小姐》、《剧院魅影》、《猫》之类的外国优秀剧作，而国内的大部分观众也愿意去花钱去捧这些有着优秀舞台设计、曲折的故事情节、华美的音乐和出色的演员的剧作的场。这些差距和现状是现实存在的，要想缩小这些差距，只有从大学的教育开始，培养出一批又一批优秀的剧作者和演员，积极探索创新，紧贴流行文化，加大商业推广，融合民族传统才能真正创作出为观众认可的剧作。从定军山、马路天使到卧虎藏龙、英雄，从30年代的上海到二十一世纪的好莱坞，中国的电影人已经探索出了让中国电影走向世界的道路，中国的音乐剧是否也能在我们的手中发扬光大，让我们拭目以待。

❺ 你喜欢音乐剧的原因是什么

音乐剧长时期受到人们的喜爱有其独特的原因，西方音乐剧在其形成发展中受到了多种艺术形式的影响并不断的兼容并蓄，海纳百川，其与时俱进不断创新使这种艺术形式充满了活力，而其成功的运作模式更是使得其获得了巨大的商业利益，客观上促进了音乐剧的良性发展。

音乐剧是从musical翻译而来，从字面上理解，应为“音乐的戏剧”。但在其发展的过程中，音乐剧不断博采众长，不断的吸收借鉴其他艺术的表现手法与形式，并将其巧妙地融合在一起，从而形成了今天这种以戏剧作为支撑，以音乐贯穿整部作品，以舞蹈等其他艺术形式作为重要的表现手法的一种全新的综合型舞台表演形式。从其发展的宏观角度看，音乐剧曾受到了古典歌剧、轻喜剧、爵士舞、舞台美术等多种艺术形式的影响。

从戏剧方面看，其表现的主题涉及社会的各个方面，如表现爱情的《窈窕淑女》、《西区故事》，反映社会现实的《悲惨世界》、《雾都孤儿》，人物传记性质的《艾薇塔》、根据童话故事改编的《灰姑娘》等等。

从音乐方面来说，它既能运用通俗曲调又可运用古典的旋律进行，既能运用传统的管弦乐队来伴奏，又可以电声、爵士以及各类混编乐队进行编曲。

而舞蹈语汇也是如此，不管是芭蕾舞、踢踏舞还是迪斯科、现代舞，只要对作品表现力有所提高，都可以拿来运用。甚至其他的艺术形式如杂技、魔术等，只要剧情需要就可拿来借鉴。这些不同艺术形式的综合运用，无形中增加了音乐剧的艺术性、观赏性、娱乐性。

另外从舞美方面来说，音乐剧更是具有过人之处。无论是剧场的布局、舞台的装置还是道具的使用，演员的妆容，无不体现了主创者的心思巧妙，匠心独运。如音乐剧《猫》中整个剧场被布置成一个大垃圾场以及其中各演员形象的装扮，都给观众人留下了毕生难忘的回忆;而《歌剧魅影》中环形舞台的无缝式换景，《西贡小姐》中小型直升机的空降，更是让人一次次为之惊呼，由衷赞叹。

❻ 浅析法国音乐剧市场中的优势 要求：1、以《罗密欧与朱丽叶》为例子 2、2500字 求大神。。。

法国音乐剧(spectacle musicale)的发展史，比起英美来要短得多，然而在上个世纪八九十年代开始迅速发展，成为了伦敦和百老汇之外，另一个引人瞩目的舞台。这段时间里，不仅曾诞生了完美的《巴黎圣母院.钟楼怪人》，还有《十诫》，《罗密欧与朱丽叶》，《小王子》等等经典音乐剧，并保持了平均每年一部全法巡演的成功作品，前年有《阳光下的孩子》，去年有至今仍在巡演的《太阳王》。

这些音乐剧的成功，很大程度来源于法国和魁北克优秀的流行音乐土壤，许多有经验的音乐制作人，戏剧及喜剧导演，法语流行乐歌手，现代舞蹈家都乐于参与这种文化形式的表演。大多由名著改编的剧本具有广泛的观众基础，法语的拉丁语系发音又适合于演唱大型曲目；没有传统舞台剧的表演束缚，法国人一开始就能接受现代的舞台造型和表现方式，耳麦，投影，甚至街舞被大量的使用，以及现场录像和CD的同时发行，促成了法国音乐剧的迅速崛起。

由于法国音乐剧的情节或是耳熟能详的名著（如《巴黎圣母院》和《罗密欧与朱丽叶》），或是简单随意（如《小王子》），在角色塑造和叙事方面省去的挖掘，制作人把精力更多的放在唱段的词曲创作，布景的搭制，和舞蹈的选配上。在音乐方面，法国的创作不像英美，有固定系统的模式，而是直接运用流行音乐的元素，幕间的转换和背景的投影也使用了不少电影手法（这里还有一个Specatale Musicale'音乐剧'与 Comedie Musicale‘音乐喜剧’ 的细微差别）。.

共同点1：鲜明的“演唱会”风格 抽象的布景

这两部作品，在演唱形式上，都使用了放置在嘴边的、非常明显的耳挂式麦克风，同主流音乐剧求真实场景、求演员入境的风格形成了非常鲜明的对比。这虽然只是一个细节，但是，我认为反映了主创人员的艺术理念，也就是把流行音乐元素放到了一个更突出的位置上来。这表现在不只是大量的应用流行音乐的旋律风格、节奏、和声效果，大胆使用各种电声乐器的声音，选用流行歌星，而是将整个舞台风格流行化。试想，如果所有《猫》，或者《歌剧魅影》的主唱们全都带上巨大的麦克风，会是什么效果。猫将不猫，魅影“穿越”时空。因为这两部代表世界音乐剧主流的作品，他们虽然是以流行元素为基础创作的（《歌剧魅影》我更愿意说是借鉴了唱法，而音乐还是以传统的歌剧模式为基础的），但是在舞台上追求的都是戏剧化、逼真化、大场面的艺术理念。当然，这也是音乐剧这个词本身想落脚的地方。不论是音乐剧，或者歌剧，词根都在“剧”，所以舞台风格呈现标准的戏剧模式，是一个自然的结果。

正是在与主流不同的创作理念的指导下，我们看到，这两部作品的舞台风格在很大程度上褪去了戏剧的风格。从布景到道具，无论是《巴黎圣母院》还是《罗密欧与朱丽叶》都相当的抽象化、意象化。《巴》剧中，一面砖墙，墙前两个石柱，就可以意会成圣母院；《罗》剧中两层的背景建筑更是被多个场景、环境以不同的形式运用。这样，主唱们从传统的戏剧环节中解脱出来，从而能够将更多的经历放在音乐的表现和人物的表演当中。同时，舞台更加空旷，无论是从主唱们的独唱、合唱的表现，还是在群体剧情中方便了众多的群舞，都凸显了演唱会风格。

共同点2：歌者不跳舞，舞者不唱歌

这是这两部音乐剧区别于主流音乐剧的又一大鲜明特色。我们暂且不讨论这个处理到底是优是劣，来分析一下这样的目的是什么。首先，将主唱从繁杂的舞蹈中解脱出来，能够节省主唱的体力，使得他们的气息更容易控制，从而能够驾驭更难的旋律，从而增强音乐的表现力。这显然是建立在上面已经分析过的“演唱会”模式的基础上的。唱被放到了绝对的主角地位，以至于需要从舞蹈形式中脱离出来。这与以舞蹈为重点的《西区故事》、《猫》等音乐剧有着非常明显的区别。仅以《猫》举例，我们记住的不只是莎拉布莱曼饰演的那只流浪猫，众多猫的形象都给我们留下了深刻的印象：火车员、魔术猫、厨师猫、小偷猫……这靠的都是精湛的舞蹈技艺。《西区故事》开头更是大秀芭蕾（表示不喜欢这种风格）。而这两部音乐剧中，所有的舞蹈都是为音乐服务的，推动音乐的发展，音乐气氛的渲染，属于附属品，音乐才是最重要的。在很多重要的演唱桥段，甚至都没有舞蹈出现，这非常能说明主创非常看重此刻的旋律。在《巴》剧中，开场时游吟诗人的《大教堂时代》、游吟诗人和主教的合唱《佛罗伦萨》，卡西莫多和艾丝美拉达的部分独唱，背景都是异常空旷的舞台。《罗》剧中部分男女主人公对唱倾诉爱慕的情节也是这样。这一方面反映了曲作者对自己音乐旋律的充分信任，另一方面也放映了音乐被放在了一个无可替代的地位。

共同点3：靠独唱撑台面 主旋律线索消失

主流音乐剧，在演唱形式上和旋律创作上借鉴了很多歌剧创作的形式。表现为独唱与合唱并重，全局音乐有贯穿始终的音乐线索。这两点在这两部法国音乐剧中都看不到。

先说演唱形式。两部音乐剧的故事情节经常依靠一段独唱接着一段独唱的方式进展下去，即便是合唱，也是本来就不多的几位主唱之间，而且篇幅不长，在全剧中并不占据主要影响。合唱团的和声基本都是事先录制好的，没有现场专门的伴唱出现。究其原因，我认为跟后面要说的一点是密切相关的。

作曲家一改以往音乐剧中交响乐式的系统创作模式，即精心设计好一个主题旋律，并不断的变化或者重现，贯穿整个音乐剧。举《歌剧魅影》的例子。这部音乐剧中，魅影的主题旋律几乎每次魅影出现都要以不同的方式重现，而且在魅影的演唱中变化出现，或延续音乐形象的进一步发展，或者重复之前已经充分描绘的音乐形象。

而在这两部作品中则完全不是这样的。各段音乐相对独立，没有明显的连带关系，从而有两方面的作用：一方面，就是上面说的，可以有很多独唱，因为本来音乐就是相对独立的，主唱一个换另一个。另一方面，从总体上，也非常契合“演唱会”的流行风格。流行音乐本来就是以一首一首动听、有感染力的歌曲取胜的，自然创作起来要打破传统创作方式。《巴》剧的开头，从游吟诗人到艾丝美拉达的哥哥，到艾丝美拉达……这样的好处是故事情节可以迅速展开，另一方面是给了主唱充分发挥的空间。

其实这也是曲作者给自己出的一道难题。他必须要对每首音乐的旋律都有充分的信心，每段音乐都要精心雕琢。从《巴》剧中，我认为作曲家取得了非常大的胜利。而《罗》剧除了“主打歌曲”，表现欠佳。

因为主旋律影子的消失，所以这两部作品都是凭借精心雕琢的代表歌曲作为自己制胜的法宝。只需要看看他们返场的时候唱的安可曲，就能够判断出哪首作品是作曲家的得意之作。《巴》剧中无疑是一开场就让所有听者都低头跪拜的《大教堂时代》；《罗》剧则是《爱》和《世界之王》。有意思的是，这些招牌曲目都出现在音乐剧的上半场的前半部分，抓住观众之意异常明显。这三首都是欣赏这两部音乐剧非听不可的经典唱段。

写到这里，明显能看出，这又是流行音乐的运作形式了。歌星们不是都通过专辑中的主打曲目作为宣传手段，开拓市场么？

共同点4：鲜明法国色彩的旋律、舞蹈、服装

我认为这两部作品都是法国艺术原汁原味的精彩展现。先说旋律，我非常的喜欢《巴》剧中的音乐。浪漫、悠扬，乍一听好像是作曲家随性的闲来之笔，再听一遍，却的确是感情饱满，非常有特色，让人过耳不忘，还要回去找来再听。

舞蹈风格，这个我就不太懂了，但是跟国标队跳的很多东西很像啊，具体叫什么我就不敢说了，但是100%没有了古典的痕迹，僵硬做作的芭蕾动作都消失了（开心）。

再说服饰，《巴》剧的服饰我认为非常符合剧情需要，既复古，又帅气。相反《罗》剧的服装我认为几位家族长老的衣着过于华丽了，而且主唱的服装，尤其是罗密欧等三位男主唱的服饰，反光的上衣面料，紧身的窄裤子，让我怎么看怎么觉得特别现代，有穿越的感觉。而主教的服饰又太简陋了……看着特别穷酸……

❼ 音乐剧与音乐电影的相同点与不同点

音乐剧是20世纪出现的一门新兴的综合舞台艺术，集歌、舞、剧为一体，广泛地采用了高科技的舞美技术，不断追求视觉效果和听觉效果的完美结合。

音乐剧（英语：Musical theater，简称 Musicals），又称为歌舞剧，是音乐、歌曲、舞蹈和对白结合的一种戏剧表演，剧中的幽默、讽刺、感伤、爱情、愤怒作为动人的组成部分，与剧情本身通过演员的语言，音乐和动作以及固定的演绎传达给观众。一些著名的音乐剧包括：奥克拉荷马、音乐之声、西区故事、悲惨世界、猫以及歌剧魅影等。

音乐电影是一种由普通电影（特别是歌舞片和以音乐为主要背景的其他电影）和Music Video糅合而成的新的艺术表现形式。一般以一个单线故事为轴，创作指定主题音乐和其他辅助音乐片段，按照电影拍摄的一般逻辑，并将音乐作为主要叙事工具，制作而成的短片。

优秀作品：
《特务J：跨国超级任务》三部曲（主演：蔡依林）
《歌舞青春》一，二，三部
《摇滚青春》（摇滚夏令营）
《放牛班的春天》
《劲歌飞扬》
《平民天后》
《音乐之声》（美国）
《迈克尔·杰克逊：就是这样》
《海上钢琴师》
《once》

❽ 你怎么看待音乐电影《音乐之声》

首先我个人很喜欢音乐电影《音乐之声》，音乐与歌声是情感的一种宣泄，人们欢乐的时候唱歌，痛苦的时候也唱歌。《音乐之声》是部音乐剧，玛利亚在不停的唱歌，那是她对自由的一种向往，对，是自由，虽然起初她自己并未意识到这一点。

《音乐之声》是一部出色的电影音乐，无论从哪个标准来评价，它都是美国音乐片的经典之作。它获得了最佳影片、景佳导演、最佳音响、最佳剪辑奖，所以我很喜欢音乐电影《音乐之声》，这部电影很出色。

❾ 音乐剧与音乐电影的相同点与不同点

相同点：以音乐为线索和表达方式，用音乐来抒发情感和主题。
不同点：音乐剧就是舞台上的那种，大多场景较单一，唱歌部分挺多的，就像看京剧那样。音乐电影则偏向于电影，不过音乐很多。像很好看的“八月迷情”、“黑暗中的舞者”类的。其实就是电影。

❿ 电影版音乐剧和剧场版音乐剧的优劣势

音乐剧艺术具有如下几个基本特点：
第一，舞台性。音乐剧演出都是借助于舞台完成的，舞台有各种样式，目的有二：一利演员表演剧情，一利观众从各个角度欣赏，这是在影视中所无法比拟的。

第二，直观性。音乐剧首先是以演员的歌唱，舞蹈姿态、动作、对话、独白等表演，直接作用于观众的视觉和听觉；并用化妆、服饰等手段进行人物造型，使观众能直接观赏到剧中人物形象的外貌特征。

第三，综合性。音乐剧是一种综合性的艺术，其特点是与在舞台塑造具体艺术形象、向观众直接展现社会生活情景的需要和适应的。

第四，对话性。音乐剧区别于其他剧种的特点是通过大量的舞台对话战线剧情、塑造人物和表达主题的。其中有人物独白，有观众对话，在特定的时、空内完成戏剧内容。

第五，互动性。音乐剧的现场表演经常会有与观众的直接互动

第六，感染力。现场的现场表演，不论是演员的歌唱还是舞蹈，都会给你极大的震撼与冲击，这是在电影里感受不到的。

第七，观演关系。面对荧幕，你只能感觉到单一的观演关系，而面对剧场你会有更多的观演选择，可以根据镜框式舞台或者伸出式舞台的特殊性进行观演。

以上观点属于个人观点，欢迎指正补充