电影演员的语言艺术

A. 电影语言包括哪些元素

电影的语言
一、表达的方式：视觉、听觉
二、诉诸的对象——感观——感性——直觉——沉淀的经验
三、电影语言的特征：
1、 多维度、单向度
2、 极富现实感的语言
3、电影语言具有多义性、隐秘性和遍在性
4 、强大的感染力
5、开放性和深广性——活跃的，具有生命力和生长性的
四、电影语言的构成
1、画面
2、声音：
台词（对白、旁白、独白）
声响动效 （动作音响、自然音响、背景音响、机械音响、枪炮音响、特殊音响）
C剪辑：
画面和画面
画面和声音

B. 影视艺术最独特的艺术语言就是蒙太奇对吗

谈到镜头组接，往往需联系到电影的蒙太奇艺术手法。在电视教材编制中，我们恰当运用这一艺术手法将能增强教材的表现力。

一、蒙太奇的含义

蒙太奇是法语Montage的译音。它原是建筑学中的一个名词，意思是把各种个别的不同的材料，根据一个总的设计，把它们处理、安装，最后构成一个整体。这个名词后来被借用到电影艺术中来，成为电影艺术的一个术语。

蒙太奇这一术语的含义，世界上还没有一个统一的公认的定义。

我国《现代汉语词典》中解释为：“蒙太奇为电影用语，有剪辑和组合的意思。它是电影重要表现方法之一。为表现影片的主题思想，把许多镜头组织起来，使构成一部前后连贯，首尾完整的电影”。

大英网络全书解释为：“蒙太奇指的是通过传达作品意图的最佳方式对整片进行的剪辑，剪接以及把曝光的影片组接起来的工作”。

法国电影理论家马赛尔·马尔丹在《电影语言》一书中写道：“蒙太奇是电影语言最独特的基础。……蒙太奇意味着将一部影片。的各种镜头在某种顺序和延续时间的条件中组织起来”。

我国电影理论家夏衍说：“所谓蒙太奇，就是依照着情节的发展和观众注意力和关心的程序，把一个个镜头合乎逻辑地，有节奏地连接起来，使观众得到一个明确、生动的印象或感觉，从而使他们正确地了解一件事情的发展的一种技巧。”

从以上各家之言来看，尽管众说纷纭，但基本论点没太大出入，对蒙太奇含义的理解和解释基本上是一致的。蒙太奇实际上就如同用镜头在银幕上写文章。文章中有章节、段落、句子、单词等。同样，电影的蒙太奇就是用摄影机摄下来的单个镜头组成句子，并把它一个个按照逻辑顺序连接成段落和章节。

二、蒙太奇的依据

科学原理来自对自然界事物运动状态和规律的认识与总结，文艺创作的源泉主要来自人类的社会实践和生活，来自创作者对生活的观察、认识，概括和提炼。蒙太奇手段的创造与运用也仍是来源于人类的生活与经验。

在日常生活中，我们观察事物往往都是从整体到局部，或从局部到整体：选择若干个有代表性的观察点，从而得到对事物的整体认识。比如，有些国内外的朋友第一次到广州来，我希望他在短时间内对广州有一个全面的了解。怎么办呢?我经常是这样做的：首先请他们到楼层最高的酒店旋转餐厅看看整个广州的市容，这相当于一个360度摇的镜头，从远景画面获得全貌的整体认识。然后，坐上车经过几条有代表性的街道，相当推与横移的镜头，获得市容全景和中景的画面印象。最后，走进几间有代表性的宾馆，商店、工厂或学校实地参观，从而获得近景、特写的画面印象。将系列印象加起来，对广州全貌的认识就比较完整了。我这样安排朋友的观察，首先也是取决于我对广州的了解与认识。

苏联著名电影和理论家普多夫金曾经举过这样一个例子来说明蒙太奇的依据。他说：“让我们举一个从街上走过来的示威游行队伍作例子。我们试想一下一个观察者怎样来看这个示威游行队伍。为了要得到一个清楚明确的印象，他一定要采取某些行动。首先，他一定要爬上房顶，这样就可以俯瞰游行队伍的全貌，并估量游行的人数；然后，他就要下来，从第一层楼的窗口向外看游行者举起的旗帜上的口号；最后，为了要看清楚参加游行者的面貌，他还得跑到游行队伍中去。”

“这个观察者变换它的视点已经有三次了，他之所以时而从近处看，时而又跑到远处望望，就是要从他所观察的现象得到一幅尽可能完整而无遗漏的画面。美国人首先探索了如何设法用摄像机来代替这种活动的观察者，就在这个时侯，电影中初步出现了特写、中景和远景的概念。”

上述例证，清楚地说明了蒙太奇的依据就象人观察事物现象一样，选取不同的视点，以求得细致、完整的印象。

在观察事物现象时，不可避免地有自己的主观选择。各人都有各自不同的观察视点和角度，通过蒙太奇手段把它表现出来。

三、蒙太奇的作用
(一)蒙太奇的构成作用

若干个镜头，经过组接以后，能表达一个完整的意思，并产生了比每个镜头单独存在时更丰富的意义。这就是蒙太奇的构成作用。

苏联电影艺术家库里肖夫，在创立蒙太奇理论方面有许多建树。他在1920年作了一次很有意义的实验，他把以下五个镜头按次序连接起来放映：

(1)一个青年男子从左到右走过去；

(2)一个女青年从右到左走过去；

(3)他们相遇，握手，男青年挥手指向他的前方；

(4)一幢有宽阔台阶的白色建筑物；

(5)两双脚走上台阶。

这五个镜头给观众的印象是一场完整的戏，大家都认为男青年带着他的女友，走向那座白色大厦其实，(1)、(2)、(3)、(5)四个镜头是在相距很远的地方，在不同的日子里而且并不按照次序拍摄的，而第(4)个镜头则是从电影资料里剪下来的，是美国华盛顿的白宫。

这个实验证明，两个以上的对列镜头连接在一起，能产生新的意义。可以按照自己的意图，通过镜头的组接，形成能为观众接受、理解的电影语言。由于这是由库里肖夫首先作试验加以证明的，人们便把这种效应称为库里肖夫效应。

苏联电影普多夫金在上述实验基础上又做了一个成功的蒙太奇试验。普多夫金准备了三个镜头：

(1)某人在哈哈大笑(近景)；

(2)还是这个人惊慌失措(近景)；

(3)一个人手持手枪指着(近景)。

普多夫金把上面镜头按下列顺序连接：

(1)哈哈大笑

(2)手枪指着

(3)惊慌失措

放映后给观众造成印象是此人胆小，怯懦。

同样是这三个镜头，但按如下顺序连接：

(1)惊慌失措

(2)手枪指着

(3)哈哈大笑放映后给观众造成的印象是此人胆大、勇敢。这个试验再次证明了库里肖夫效应，并成为学校讲授蒙太奇的经典范例。

上述两个试验的例子，都充分说明蒙太奇的构成作用。再看一个简单例子，下面有这样三个镜头：

(1)鲜花

(2)玩具

(3)婴儿熟睡的脸

当上面三个镜头单独存在的时侯，它只能说明个别的作用，鲜花就是鲜花，玩具就是玩具，婴儿熟睡的脸也只能是婴儿熟睡的脸。也就是说，当他们分散存在的时侯，它们是互不相关的。但是，如果把这三个分散的镜头按上述次序连接在一起，就会产生新的含义，构成了一个比较完整的艺术形象，表现了孩子童年的幸福。它所以能传达出这种新的意念和信息，主要是把三个分散的镜头结构在一起，产生了组合之后所发生的质的飞跃作用。这种作用就比原来三个镜头单独存在时的个别作用丰富了，提高了，有了新的思想内涵。三个分散的镜头经过蒙太奇合成后构成了可提供艺术联想的艺术形象。

但是，并不是随便把两个以上的镜头连接在一起就可以产生襞太奇构成的联想作用。例如：

(1)一张熟睡的婴儿的脸

(2)一节电池

(3)一支香烟

要是把这三个镜头连接起来，不仅不能产生新的含义，反而会把观众弄糊涂。因为这是三个在生活逻辑上没有必然联系，是人们的经验无法联想的镜头连接，所以它无法表达新的内容和涵义，更不能发挥蒙太奇的构成作用。

这说明了蒙太奇的构成，必须经过的选择，选择那些最本质的富有艺术表现力的东西，并把它们连接在一起。否则，是不会获得蒙太奇构成的效果的。

(二)创造时空作用

我们在现实生活中，必须服从实在的时间和实在的空间法则。例如，当我们要从教室里走到校外去，必然先要走出教室，经过走廊，走下楼梯，穿过门厅，走出大楼门，经过操场，然后才走出校门。这是现实的时间和空间法则所决定的。又如演员从舞台的这一角走向舞台的另一角，他的运动时间和空间过程也是一步不能缺少的，否则他就到不了舞台的另一端。

所处理的素材是摄录在胶片、磁带上的实在过程的片断。他可以根据自己艺术构思的需要，删掉一些不必要的中间过程，重新组合屏幕时间和空间。例如前面提到的学生从教室走到校外去，就可以先用一个镜头表现学生走出教室，下一个镜头表现他穿过操场走出校门，只需两个镜头就把这一过程完成了。至于经过走廊，楼梯、门厅的时间和空间过程都被删掉了。但观众不会提出这走在弄虚作假、偷1减料不给他看全过程，或者看不明白。那些被删掉的实在的时间与空间过程则由观众的联想补充了。如果将全过程都如实反映出来，反而使观众感到厌烦。因此经过蒙太奇手法的剪辑后，出现在电影、电视上的时间与空间已不是实在的了。也就是说，蒙太奇是有创造电影、电视时间与空间的作用。

电影、电视中的假定性的时间和空间，既有时间与空间的压缩，也有时间与空间的延伸。前面提到的由教室直接走出校门，删掉了中间的过程，即是对时间与空间的压缩。

至于时间和空间的延伸，如电影故事和的一些重要情节，往往会比实际时间加长，也比原来空间扩大。在电视教材中，为了要看清一种快速的现象，如自由落体运动，100米跑的姿势时，往往采用快速拍摄和慢动作放映的方式去延伸时间；也可以采用反复播放同一镜头的方式去延伸时间。在空间延伸方面则更常被使用。如学生在实验室中做某一实验，也许这实验的过程是在几个甚至十几个实验室中拍摄下来的，最后被组接在一组镜头里，我们仍看到是在一个整体的、被延伸了的实验室空间里。

这样便在银幕上荧屏上构成了一种与我们周围现实世界不同的所谓影视时间和影视空间。

(三)声音和画面结合作用

蒙太奇能使声音与画面有机结合，互相作用构成特殊的声画结合的形象，产生新的涵义，从而更深刻、更生动地揭示与刻划人物的内心活动。

声画的结合形式是多种多样的。其主要形式有：

1、声画同步配合，如炮弹爆炸同时出现爆炸声，实感。加强了真

2、声画分立，画面内无声源，传来声音与画面形成分立，制造出一种联想的情景。

3、声画对比，画面上出现乞丐在路上讨饭，而声音却是酒楼猜拳行令的声音，声音与画面形成强烈的对比。

从上可见，蒙太奇在影视创作以至借鉴用于电视教材编制，它的作用是相当大的，但我们必须适当运用才能起好这种作用。

C. 怎样欣赏电影台词艺术

对于电影台词的探究，我想从人们普遍熟知的入手可能会好一些，挑选几部经典的老电影，可以以问卷的形式进行调查，看看当对人们提起这些电影时，人们首先会想起的是什么，再作进一步的研究与分析，主导课程...语文喽，非主导...政治美术音乐，我想都应该算上

D. 电影为什么要用配音而不用原声

配音是一门语言艺术，是配音演员们用自己的声音和语言在银幕后、话筒前进行塑造和完善各种活生生的、性格色彩鲜明的人物形象的一项创造性工作。

配音虽也属话筒前的语言艺术范畴，但它不同于演播，挖掘书面含义后，可以自己根据理解去设计语调、节奏；亦不同于新闻、科教片的解说，可以根据画面平叙直述、娓娓道来。影视配音要求配音演员绝对忠实于原片，在原片演员已经创作完成的人物形象基础上，为人物进行语言上的再创造。它使配音演员受到原片人物形象、年龄、性格、社会地位、生活遭遇、嗓音条件等诸多因素的限制，不允许演员超越原片自由发挥，另立形象。同时又要求配音演员根据片中人物所提供的所有特征，去深刻地理解、体验人物感情，然后调动演员本身的声音、语言的可塑性和创造性去贴近所配人物，使经过配音的片中人物变得更丰满、更富有立体感。

语言艺术是表演艺术中重要的，不可分割的一部分，在用语言塑造人物时处处都需有坚实的表演基本功底做基础。下面从两个方面谈谈演员在经过严格的表演及语言基本功训练后，如何较快、较熟练地掌握配音艺术中体验——体现的过程。

近年来，随着我国经济上的改革开放，促进了我国与世界各国文化上的广泛交流，电影、电视已成了世界文化的传播媒介，国外译制片也成了中国观众了解世界的一个重要窗口。应运而生的一支支为国内外影视配音的演员队伍在录音棚，话筒前不断地发展壮大。但是仅仅把配音工作视为对上口型，使观众听懂片中人物的对话，是不够的，是远不能满足广大观众对影视艺术完整性的要求的。随着国民整体文化素质和欣赏力的提高，观众们要求剧中人物在把话说清楚的同时，要把语言进行加工、提高，使之达到典型化、性格化，增加可信度，从而得到艺术享受。

E. 许多人或许没有见过这两位在语言艺术上颇有造诣的电影配音演员,当一起起他们

A （ B “胸无城府”为褒义词； C “独占鳌头”指第一名，此处不合语境； D “相濡以沫”喻在困境中相互救助。）

F. 什么是一个演员的台词功力

剧中人物的语言（台词）是剧本严格规定好的，演员要把剧作者用文字写出的无声语言变成有声有色、生动活泼的语言具体、形象地表达出来。虽然我们都会说话，但要说好台词不是轻易可以做到的。

演员台词说不好，其问题多种多样，就寻常可见的毛病大体有这样一些：1.语言规范不好，字音不正，发音不准；2.用气不好，吐字不清，或有声无字，或有字无声，传之不远，含混不明；3.声音不亮，音色不美，晦涩干瘪；4.语言呆板，平淡寡味，语言无轻重，语调无高低，节奏无急缓，念句无顿挫；5.台词断断续续，不能一贯到底，该停的不停，该顿的不顿；6.机械地背诵台词，一切都固定在“舌尖的肌肉”之上，语言没有动作性，没有内在思想感情的基础，不是在与对方交流中产生的活泼反应，只是抓住对方台词尾白作为应对的机械信号；7.语言本色缺乏性格化的鲜明色彩；8.没有潜台词，传达不出台词微妙的、内含的、潜在的真正含意；9.台词和动作不能有机地结合为一体，说话时不会动作，动作中不会说话。演员说好台词，先决条件是练好语言的基本功。语言的基本功包括正音、吐字与发音、用气、练声几个方面。正音是演员念好台词的第一步工作，语言不规范常见的是z、c、s与zh、ch、sh不分，如春与村、三与山、常与藏、砖与钻等字，以及十四念成“时事”，四十念成“事实”，商业念成“桑叶”等。

吐字与发音，就是面对千百观众讲话，要讲得清楚、讲得明白，让人听得懂、听得真，就需要熟悉字音，准确掌握字音的发声部位。

字音发声出自口腔，又有它一定的发音部位，即所谓“五音”、“四呼”，喉、舌、齿、牙、唇，谓之“五音”，开、齐、摄、合，谓之“四呼”。

演员的用气，要做到“吐字归音”、“字正腔圆”、“喷口有力”。声音与气息的控制和动作是分不开的，气是声音的动力，声音发出时必须有气息的支持，所谓“气由声也，声由气也”，就是这个道理。

语言作为塑造人物形象、刻画人物性格的重要手段，必须做到性格化。语言的性格化有两个方面，一是台词的内容，也就是人物所说的话，要符合人物的性格，体现出人物的个性特征，这个任务就是剧作者在剧本中已经完成的。当然，不少剧作者没能完成这个任务，剧中人物的语言写得一般化、概念化，平淡无奇，枯燥乏味，毫无个性特征而言，这又另当别论。二是人物语言性格化的体现，要靠演员来完成。表演不能“千人一面”，语言也不能“千人一声”，要做到“语言肖似”、“宛如其人”、“说一人像一人，不使雷同，或使浮泛”。不同身份、不同性格的人都有其说话的独特方式，老年人与中年人不同，中年人与年轻人不同，性情粗暴的人与性情温和的人不同，工人与农民不同，文化程度高的人与文化程度低的人不同，轻浮的人与深沉的人不同，幽默的人与忧郁的人不同，坦率开朗的人与阴险狡诈的人不同……形形色色，不一而足。这些千差万别的不同，具体地体现在声音、音色、说话时的习惯、语气、语调等方面。所以，表演中语言性格化的手段有“声音的化妆”、探寻具有鲜明性格特征的说话习惯、掌握符合人物性格的语气和语调等等。因此，演员的语言艺术要通过细致地观察生活，深入理解人物的思想性格，并与演员表演有机地结合起来，才能出神入化。

G. 什么是电影艺术的语言

它的语言或者说它的表现元素又是什么呢？
观点①：“画面、音响、表演、和蒙太奇方法”——
观点②：“画面、音响、色彩……”——
观点③：“影像、声音、剪辑。”——波布克（《电影的元素》）。
我同意波布克的观点。即“影像、声音、剪辑”。
影像、声音、剪辑三者之间的关系：电影是视、听结合的艺术，它首先是“视”，即“影像”，然后是“听”，即“声音”，而这些“视”、“听”（影像、声音），最后需要通过剪辑才能构成一部完整的电影。
影像：除了演员的表演、物体的造型之外，影像构成的主要元素有：构图、景别、角度、运动、照明、色彩。
声音：语言、音响、音乐。
剪辑：影像剪辑、声音剪辑。影像剪辑是剪辑中的主要内容。影像剪辑主要包括：光学技巧转场剪辑、无技巧转场剪辑。剪辑除了将影像、声音的素材组织成一部电影之外，剪辑还能创造出“1＋1＝3”的“蒙太奇效果”。

H. 电影的艺术语言都有哪些

常用电影语言简介
拉镜头
将摄影机放在移动车上，对着人物或景物向后拉远所摄取的画面。摄影机逐渐远离被摄主体，画面就从一个局部逐渐扩展，使观众视点后移，看到局部和整体之间的联系。
空镜头
空镜头 又称“景物镜头”。指影片中作自然景物或场面描写而不出现人物（主要指与剧情有关的人物）的镜头。常用以介绍环境背景、交代时间空间、抒发人物情绪、推进故事情节、表达作者态度，具有说明、暗示、象征、隐喻等功能，在影片中能够产生借物喻情、见景生情、情景交融、渲染意境、烘托气氛、引起联想等艺术效果，在银幕的时空转换和调节影片节奏方面也有独特作用。空镜头有写景与写物之分，前者通称风景镜头，往往用全景或远景表现；后者又称“细节描写”，一般采用近景或特写。空镜头的运用，已不只是单纯描写景物，而成为影片创作者将抒情手法与叙事手法相结合，加强影片艺术表现力的重要手段。
跟镜头
又称“跟拍”。摄影机跟随运动着的 被摄对象拍摄的画面。跟镜头可连续而详尽地表现角色在行动中的动作和表情，既能突出运动中的主体，又能交代动体的运动方向、速度、体态及其与环境的关系，使动体的运动保持连贯，有利于展示人物在动态中的精神面貌。
合成镜头
一般指采用“合成摄影”方法拍摄的镜头画面。有时也指电影镜头的声画合成。在影片拍摄过程中，画面与声音是分别记录在两条载体上的，直到印制影片拷贝时，才将画面与声带合印在一条胶片上。因此，声画俱备的镜头，也称“合成镜头”。
声画对列
使声音与画面作非同步结合的剪辑手法之一。即以画外的声音推动画面情节的发展，或刻画人物的内心世界，达到声音为画面内容服务的目的。将声音处理或向前或向后位移，即下一个镜头的声音首部，超前进入上一个镜头的画面尾部，或者上一个镜头的声音尾部，滞后延至下一个镜头的画面首部，以构成上下镜头转换的自然流畅，或引出某种戏剧效果，也属声画对列手法。
声画同步
影片中的对白和声响与画面动作相一致。即影片的声带与画面严格配合，使声音（包括配音）和画面形象保持同步进行的自然关系，画面中的视像和它所发出的声音同时呈现并同时消失，两者吻合一致。反之则为声画不同步。声画同步的作用，主要在于加强画面的真实感，提高视觉形象的感染力。
同期录音
也称“现场录音”。在拍摄电影画面的同时进行录音的摄制方式。一般使用磁带片收录。同期录音要求摄影棚装备良好的隔音设备，并在摄影机、录音机上加装避音装置。同期录音也用于外景拍摄现场，所录音响供演员配音时参考，以提高影片对白的质量 。
先期录音
也称“前期录音”。影片制作中先录 音后拍摄画面的一种摄制方式。多用 于有大量唱词和音乐的戏曲片和音乐歌 舞片，即在影片画面拍摄前，先将影 片中的唱词和乐曲录制成声带，然后 由演员在拍摄相应画面时，合着声带 还音进行表演。
球幕电影
又称“圆穹电影”或“穹幕电影”。 20世纪70年代出现的一种大银幕电影 。拍摄及放映均采用超广角鱼眼镜头 ，观众厅为圆顶式结构，银幕呈半球形，观众被包围其中，视银幕如同苍穹。由于银幕影像大而清晰，自观众面前延至身后，且伴有立体声环音，使观众如置身其间，临场效果十分强烈。
环形电影
又称“环幕电影”。一种在围绕影院圆形内壁、呈360的环形银幕上放映的电影。由多台摄影机同步摄制，多台放映机同步放映，有三台、五台、九台、十一台等多种。环形电影院的放映机装置在环形银幕上方的放映室中，观众站立于观众厅中央，可随意四面观看。由于视野开阔，具有 多声道立体声效果，能使观众产生身临其境的感觉。但由于设备复杂，放映时间不宜过长，一般仅半小时左右。环形电影院不能兼放普通影片，故限制较大，难以推广。
遮幅宽银幕电影
也称“假宽银幕电影”。一种非变形宽银幕电影。使用35毫米胶片，拍摄和放映时，在摄影机和放映机片窗前加装格框，遮去画幅的上下两边，以压缩画面高度，但不改变画面宽度，使画面高宽比由原来的1:1.33，变成 1:1.66至1:1.85，能得到与宽银幕电影相同的银幕效果。摄制这种宽银幕电影较为简便，已得到广泛采用。
左翼电影
1933－1935年，中国左翼文化界总同盟领导下的中共秘密电影小组，在上海开展的左翼电影运动及由此摄制的一批反帝反封建影片。1933年自黄子布（夏衍）与明星影片公司导演程步高合作，摄制第一部左翼电影《狂流》始，明星、联华、艺华、天一等制片公司在左翼电影工作者帮助、支持下，遵循反帝反封建的制片路线，在同一年里，相继摄制了《三个摩登女性》、《都会的早晨》、《城市之夜》、《母性之光》、《上海二十四小时》、《女性的呐喊》、《春蚕》、《丰年》、《小玩意》、《大路》、《姊妹花》、《铁板红泪录》、《挣扎》、《神女》、《盐潮》、《脂粉市场》、《民族生存》、《中国海的怒潮》、《恶邻》等三十余部影片，表现工人、农民、妇女和知识分子的生活和斗争，为此，1933年被称为“左翼电影年”。1934－1935年，随着当局对左翼电影运动压制的加剧，左翼电影创作面临更大困难，但党的秘密电影小组仍通过个人联系方式，向公司或导演提供剧本，并帮助成立电通影片公司。两年中，明星、艺华、电通等制片公司先后摄制出《同仇》、《渔光曲》、《女儿经》、《乡愁》、《船家女》、《劫后桃花》、《黄金时代》、《逃亡》、《生之哀歌》、《人之初》、《桃李劫》、《风云儿女》、《自由神》、《都市风光》等近三十部优秀影片。1936年，上海各公司在“国防电影”口号下陆续拍摄的抗日爱国题材影片，从广泛的意义上说，与左翼电影是一脉相承的。
特技美术师
也称“特技设计”。电影特技镜头的设计者和拍摄工作的组织者，与特技摄影师合作完成特技镜头的摄制。特技美术师兼有电影造型的艺术修养和掌握电影特技工艺技术的能力，能绘制特技镜头的画面气氛图，胜任各种透视合成镜头所需的绘画和模型加工等。在与特技摄影师研究确定具体拍摄方案后，运用相应的特技工艺技术，完成特技镜头的拍摄任务。特技美术师提出的特技镜头设计方案，须能体现导演的创作意图，与影片总体造型融为一体，并充分考虑到逼真、安全、经济、省时等要求。
特技摄影师
电影特技镜头的主要创作人员之一。 与特技美术师合作，研究确定设计方案，运用相应的特技工艺技术，以普通的或特殊的摄影设备，完成特技镜头的摄制，以体现导演的创作意图。
替身
替身 又称“替身演员”。代替影片中原演员表演某些特殊的、高难度的动作和技能，或原演员所不能胜任的惊险动作的特殊演员。一般选聘具有影片所需要的特殊技能的人员担任，代替某一演员完成规定的动作。
性格演员
能够塑造多种人物形象的演员。这类演员具有很强的可塑性，戏路较宽，擅长通过独特的表演进行银幕形象的再创造，塑造出的角色不同于演员自己，不同于自己扮演过的其他人物形象，也不同于其他演员扮演过的同一人物形象，同时每一个形象都具有不同的性格。
音画对位
影片音画关系的一种。包括两种艺术处理：(1)音画对比。音乐与画面的内容和情绪一致，只存在量的差别。例如在中国故事片《红色娘子军》中，有一组表现战士们充满青春活力、节奏快速的生活画面，而音乐是气势悠长、从容不迫的《五指山上红旗飘》。这样的对比，产生了加强画 面结构的作用。(2)音画对立。音乐的形象和情绪完全相反。例如在故事片《祝福》中，善良的祥林嫂被逼成亲时撞头寻死。兴奋欢快的结婚音乐，和祥林嫂头破血流、痛不欲生的画面形成尖锐的对立，深刻地表现了旧时代的悲剧性。音画对位有时也能预示剧情的发展。例如在故事片《天云山传奇》中，当宋薇和吴遥结婚时，表现宋薇沉重痛苦心情的音乐与喜庆场面相对立，预示着她婚后的不幸。
音画平行
也称“音画并行”。影片音画关系的一种。指影片中音乐与画面所表现的思想感情、人物性格、艺术风格和戏剧性矛盾冲突相互贴近，但速度节奏并不同步。其基本特点是音乐重复或加强画面的意境、倾向或含义。说明性音乐、渲染性音乐都属于音画平行的音乐。
音画同步
影片音画关系的一种。指音乐与画面的情绪一致，节奏相同。常用于动画影片。美国美术电影导演沃尔特·狄斯尼（Walt Disney,1901－1966）在他所导演的“米老鼠”影片中充分运用音画同步的艺术处理。因而音画同步的音乐，也称“米老鼠音乐”。也常用于歌剧片、舞剧片、戏曲片或喜剧样式、惊险样式的故事片中。有时还会形成画面、音乐与音响效果三同步。例如中国影片《孙中山》中，北伐军出城跑步出征，先是画面与脚步音响同步出现，然后音乐也同步出现 ，脚步声与音乐的低音声部相结合，加强了音乐的低音，显得更加雄壮和紧张。
音乐片
以音乐生活为题材或音乐在其中占有很大比重的影片。一般以音乐家、歌唱家和乐师的事迹为描写对象。音乐片中的音乐作为主要剧情的有机组成部分，直接由影片中的人物表现出来，绝大部分都是非阐释性的。电影史上最早的音乐片是美国华纳影片公司1927年摄制的《爵士歌王》。中国影片《海上生明月》也属音乐片。
摄影棚
电影制片厂用以拍摄影片的建筑物。具有较大的面积与空间，供在其中搭置布景，布置各种照明设备，按场景进行影片拍摄，即一般所说的“内景摄影”。棚内除有供电、悬挂、起重、消防、通风等设施外，还须隔绝外界噪声，并具有适宜的音响条件，以适应现场录音并保证录音质量。为适应季节性的需要，还可安装冷暖空调设备。摄影棚大都为长方形，可有大、中、小不同面积，以800－1000平方米为宜。 一般采取组棚形式，即由二至三座联结在一起，周围构筑供摄制组及其他相关部门需用的附属房屋， 从而构成摄影棚建筑群体。
摄影师
摄制组的主要创作成员之一。负责运用摄影器材和造型手段，将电影场面艺术地记录于胶片，完成体现导演创作设计的银幕造型任务。在摄制组中，一般由摄影、照明人员组成摄影小组，摄影师作为摄影创作和技术处理的负责人，领导摄影小组工作。某些摄制组设总摄影师，摄影师则在其领导下，作为执行摄影，负责具体创作和技术工作。按照片种的不同，分为故事片摄影师、科教片摄影师、新闻纪录片摄影师、美术片摄影师等。此外，还有从事特技摄影、特殊摄影（如显微摄影、水下摄影、空中摄影等 ）、字幕摄影等专业摄影师。
闪回
影片中表现人物内心活动的一种手法。即突然以短暂的画面插入某一场景，用以表现人物此时此刻的心理状态和感情起伏。与一般回忆及倒叙不同，闪回不需要中断原来场景中的动作和节奏，而撷取最富于特征、最具有鲜明形象性的动作或细节，用极其简洁明快的手法加以强调和表现，给观 众以清晰而深刻的印象。“闪回”的内容一般为过去和已经发生的事情，如表现人物对未来或即将发生的事情的想像和预感则称为“前闪”，两者统称为“闪念”。
西部片
以开拓时期的美国西部为故事背景的影片。美国早期电影盛行的影片样式。多描写19世纪白人向西部拓展疆土，掠夺和屠杀印第安人以及当时各种势力之的斗争，颂扬拓荒精神。20年代的西部片故事情节单调，宣扬善恶因果报应，常见的内容为美人遇难，英雄相救，大打出手，有情人终成眷属等。影片主人公都是于正义感的戴宽沿帽，穿花衬衫牛仔裤，腰插双枪的牛仔。第一次世界大战后， 由詹姆士·克鲁兹（James Cruze, 1884－1942）导演的《篷车》和约翰·福特（John Ford,1895－1973 ）导演的《关山飞渡》等影片问世，把西部片的思想内容和艺术特色提高到新的水平。但多数西部片仍是迎合观众口味的粗糙之作。后来意大利也摄制一种类似的西部片，因意大利人喜食通心面条，被称为面条西部片。
喜剧片
以笑激发观众爱憎的影片。常用不同含义的笑声，鞭笞社会上一切丑恶落后现象，歌颂现实生活中美好进步事物，能使观众在轻松愉快的笑声中接受启示和教育。多以巧妙的结构，夸张的手法，轻松风趣的情节和幽默诙谐的语言，着重刻画喜剧性人物的独特性格。种类较多，常见的有歌颂性喜剧和讽刺性喜剧，如《假凤虚凰》、《今天我休息》和台湾影片《稻草人》等。
闹剧片
以荒诞的夸张引人发笑的影片。多以滑稽笑料铺排剧情，较多描写市民生活，也有描写对敌斗争的，如法国影片《虎口脱险》。
译制片
又称“翻译片”。把原版影片（多为外国影片）的对白或解说，从一种语言译成另一种语言，重新配音复制的影片。制作时，先将原版影片的对白译成另一种需要的语言；再由配音演员按照原版片画面中人物的思想感情，用逼肖的语调、口型，录成一条对白声带；然后与原版片的音乐、音响效果声带混录成为一条完整的译制声带，用以印制供放映用的拷贝。将本国影片从一种民族语言（或方言）译成另一种民族语言（或方言）的影片，也称译制片。
新闻影片
报道国内外政治、经济、文化、军事等方面时事动态的影片。以真实与及时为基本特征。即必须在新闻事件发生的现场采访拍摄，直接纪录事件的原貌，而不允许虚构情节，或出现扮演的人物；必须现场拍摄，快速编辑和制作，真正成为形象化的新闻报道 。随着电视的普及，新闻影片已逐渐为电视新闻所取代。
系列片
指内容具有连续性，多集成部，构成系列的影片。系列影片每集自成起讫，相对独立，又环环相扣，彼此关联，首尾呼应，矛盾冲突往往一波未平，一波又起，层层迭进，造成悬念。主要演员或重要角色一般贯串始终，以便给观众造成完整连贯的印象。系列影片不论集数多寡，其片名是同 一的，但每集也可另加标题。系列影片可分为系列故事片（如《火烧红莲寺》、《红楼梦》）、系列美术片（ 如《黑猫警长》）和系列科教片（如《昆虫世界》）。另有一些多集片，每集的故事情节、戏剧冲突与前后集毫无关系，只赖主角贯串全片，这类影片也被称为系列片，如日本系列影片《寅次郎的故事》，美国系列影片“007”等。
舞剧片
在音乐的烘托配合下，以舞蹈为主要 表现手段塑造人物形象，表达故事情节的影片。多由舞剧改编，突出表现舞蹈艺术的成就。主要角色一般由专业舞蹈演员担任。如苏联舞蹈家乌兰 诺娃主演的《罗密欧与朱丽叶》。也有以突出舞蹈场面为主的舞剧故事片，如英国的《红菱艳》。中国的舞剧 片有《宝莲灯》、《小刀会》、《丝路花雨》等。
舞台艺术纪录片
或称“舞台艺术片”。戏曲、音乐、 舞蹈、歌剧、舞剧、话剧、曲艺、杂技等舞台表演艺术纪录影片的统称。这种影片常在舞台演出的基础上，作一定的电影化处理，用以记录某一剧种、某一流派、某一剧目或某表演艺术家的艺术成就，以满足更多观众的欣赏需要，或作为传授表演艺术的教材和研究资料。
全景
摄取人物全身或场景全貌的电影画面。全景具有较为广阔的空间，可以充分展示人物的整个动作和人物的相互关系。在全景中，人物与环境常常融为一体，能创造出有人有景的生动画面。全景和特写相比，视距差别悬殊。如果两者直接组接，会造成视觉上和情绪上大幅度的跳跃，常能收到特有的艺术效果。
实景
非人工搭制的场景。电影拍摄中，为了追求环境的逼真效果，所直接选用的自然环境或社会环境。一般须作不同程度的加工布置，以符合剧情需要。实景使影片中出现的场面富有生活气息和时代感，既可节约制片成本，也有利于加快摄制进度。
特写
拍摄人像的面部、被摄对象的一个局部的镜头。为美国早期电影导演格里菲斯（David Wark Griffith,1875－1948）所创用。特写镜头是电影画面中视距最近的镜头，因其取景范围小 ，画面内容单一，可使表现对象从周围环境中突现出来，造成清晰的视觉形象，得到强调的效果。特写镜头能 表现人物细微的情绪变化，揭示人物心灵瞬间的动向，使观众在视觉和心理上受到强烈的感染。特写镜头与其他景别镜头结合运用能通过镜头长短 、远近、强弱的变化，造成一种特殊的蒙太奇节奏效果。
推镜头
将摄影机放在移动车上，对着被摄对象向前推近的拍摄方法以及所摄取的画面。摄影机向前推进时，被摄主体在画幅中逐渐变大，将观众的注意力引导到所要表现的部位。其作用是突出主体、描写细节，使所强调的人或物从整个环境中突现出来，以加强其表现力。推镜头可以连续展现人物动作的变化过程，逐渐从形体动作推向脸部表情或动作细节，有助于揭示人物的内心活动。
外景
摄影棚以外的场景。包括自然环境、生活环境等实景，以及在摄影棚外搭建的室内景。优点是真实、自然，具有浓厚的生活气息，有利于表现地方 色彩或民族特色。外景由美术师根据影片情节的需要事先选定，并可按照导演的创作意图对实景作一定的加工，使之具有典型特征和时代气息。

I. 电影镜头语言的艺术魅力有什么种类

是电影镜头画面构图吗？
远景系列：视距远、范围大。用来展示视觉宽广的画面，渲染影片气氛。如大漠、原野、雪原、森林或者人很小浩大的群众场面。其主要作用是展示事件发生的环境和规模，渲染画面意境。
全景系列：用来表现人物全身或场景全貌的影视画面。观众可以了解人物的形体动作和人物与环境间的关系。经常作为一场戏的总角度，制约着该场戏分切镜头中的光线、影调、被摄主体（人）运动方向和位置，保持统一的场景视觉感。是景别的分水岭。全景最吸引人的特点，是它允许演员是用肢体语言，这类的肢体表现是自默片以来就已经在电影中消失的艺术。
中景系列：表现人物膝盖以上或场景局部的影视画面，观众能看清人物半身的形体动作和情绪变化，便于交待人与人，人与物之间的关系。在常规影视的拍摄中，这种景别经常占有很长的时间，用于讲述剧情，因而也称作叙事镜头。
近景系列：表现人物胸部以上或物体局部的影视画面。近景可以最大限度地展示人物，把演员用以心理活动的面部表情和细微动作体现出来。在常规的叙事情节里，也可称为正反打对话镜头。
特写系列：表现人物肩部以上的头像或某些被摄对象的细部的画面。它可以细腻地刻画人物性格，表现其情绪，或者突出某一物体细部的特征。特写镜头是影视创作中刻画人物、描写细节的独特手段，也是影视艺术区别于戏剧艺术的视觉因素之一。
而且景别也很重要

J. 演员入门需要掌握的表演技巧有哪些

同学你好，2020届树艺学姐拿到了云南艺术学院全省第一名的好成绩，还进入了北电的终试，树艺学长也拿到了北京电影学院导演专业和中央戏剧学院导演专业的合格证，树艺聘请的也是北京电影学院的研究生毕业老师全职授课，所以还是有一些影视表演经验可以传授的！

01

表演艺考中的台词技巧

1、说好普通话

作为一名演员首先必须要说好普通话。中国有八大方言区：北方话、吴话、湘语、赣语、客家话、闽北话、粤语。如果考生只能说家乡话，而且又极难纠正为普通话，是很难成为合格的演员的。

2、声音条件很关键

一个演员具备优美的声音，能给观众带来精神上的享受，而反之嘶哑的嗓音会使人物的语言黯然失色。因此，在选拔一个演员时，考察他的声音条件是很重要的，这直接关系到将来对人物的塑造。

3、正确理解作品，准确表达内涵

一个考生要想朗诵好一篇文学稿件需要进行深入、细致地理解。因为朗诵是在作品的基础之上演员进行的艺术再创造，所以，考官对考生在理解和表达作品内容方面要进行细致的考查。

4、选材很重要

在朗诵考试时，选择一篇既好同时又适合自己的材料是取得成功的一个关键。因为，选择材料的好坏直接关系到你朗诵的效果。选择自己能够理解的，同时又好表达的，艺术性较强，有一定的思想性的材料。

5、语言要生活

考生在朗诵时既要学会运用语言来表达作品的内涵，同时又要用自己的形式来表达情感。不能有“朗诵腔”，尽量使语言接近生活，不能“假”“大”“空”。首先要让观众或听众能听懂、听明白，在语言的运用上要生活化、自然、贴近生活。语言的处理要从作品的内容出发，不要做作，要有真实的情感体验。

02

表演艺考中的台词四要素

台词不是背出来的，是发自人物肺腑而说出来的，声音好听或普通话标准不等于说好了台词，而把台词背得滚瓜烂熟更也不代表台词很好，只有按照人物的思想、情感并赋有潜台词含义而说出来的语言，才是演员真正的台词。

所以背出来的台词是空洞乏力的。如何做到说台词，作为表演艺考生应要掌握以下四个要素：

(1)弄清楚这句话是在什么场合说的——地点

(2)弄清楚这句话是与什么人物说的——对象

(3)弄清楚这句话是以什么情绪说的——状态

(4)弄清楚这句话是为什么动机说的——目的

03

表演艺考中的节奏技巧

1、演员的表演。首先是现实中人的生活过程的再现，既然节奏是生活中不可缺少的运动，所以“电影角色要以人类的有机性去建立起角色的有机性。电影演员的创作只有一条途径，就是遵循人类的规律。”

2、在表演这一艺术领域里，节奏是通过形体的表现(外在的)和心理的反应(内心的)感觉和理解它，其专业术语被称之为“表演的速度节奏”。它来源于斯坦尼体系术语，是表演技术诸元素之一。

节奏作为帮助演员激起正确体验和情感的技术，也是形成舞台演出节奏和情绪氛围的重要手段。速度一般指内、外部动作的快慢，是节奏的构成部分和外在表现之一；节奏则是贯穿在表演过程中的一种交替出现的有规律的现象，一般指内、外部动作的强弱、长短、张弛等。

例如，常说的“演出不合节奏”，不仅只是针对速率而言，同时也指演员的行动和体验的强度，也就是实现舞台事件时内心情感激动的程度。除此之外，节奏这个概念还包含节奏性，即行动的某种均匀性它在时间和空间上的安排。

斯坦尼说：“剧本或角色的速度节奏要是找对了，能自然地直接地，有时是机械式地抓住演员的感情，激发正确的体验。”由此可见，行动的速度节奏不仅可以激起演员的情绪体验，而且可以创造出一定的情绪氛围，帮助演员准确地掌握好规定情境中人物的任务和行动。在一部影片中，银幕节奏是电影多种手段综合处理的结果。

随着事件情节的发展，对人物节奏的处理也应有所不同，最终体现出人物性格的统一性和多面性。在这个意义上，正如瑞典著名的两栖导演英格玛？伯格曼说：“节奏是至关重要的，永远是至关重要的。”不同的性格决定了不同人物的个性，同时决定了不同的动作节奏，而节奏反映出的准确性将反作用于人物的性格。

04

表演艺考中的人物性格技巧

一部影片对演员表演最基本的要求是银幕上塑造具有鲜明个性的、自然而真实的人物形象。

要使观众通过演员的表演感受到活生生的人物独特的气质和巨大的性格力量，就必须从分析人物性格入手。人物的性格又通常可以理解为人物处理事情的方式和方法，而人物的思想和情绪则是性格的一个组成部分。

人物的性格基调是角色内心变化的基础和依据，而节奏的体现就是角色内心变化的过程。既然节奏是一切运动的组织原则，当掌握了一部影片角色的整体节奏之后，也就掌握了“角色的性格基调”。

而演员可以十分有目的地把任何一个过程，根据花费最少的力量而达到最大效果的原则，把对角色每个片段的分析、人物基调的把握、行为动作的设计有规律地组成一个统一整体。

05

表演艺考中的节奏与人物性格多面性

1、表演节奏与人物性格的多面性“表演艺术创造角色的历程，经历了由表演程式一人表现人一人演人的过程。”“人演人”的阶段就是需要演员创造生活化的角色，这是由电影的纪实性决定的。既然生活中自然人的性格基调不是单一的，总是复杂的，多侧面多色彩的性格就必然有着一定的节奏规律。

2、表演节奏与人物性格的畸变现实生活本身充满了真假、善恶、美丑、光明与黑暗的对立统一，戏剧如同其他的表现形式一样，都是反映现实生活并做出自己评价的，“没有冲突就没有戏剧”这句话正是强调了对立统一在戏剧中的重要性。人物性格的畸变也是“冲突”的表现手段之一。

性格的畸变是人物性格多面性构成的表现之一，但畸变是通过某种突发事件，打乱了人物本来有规律的生活状态，从而造成了人物性格前后的极大反差，因此它与人物本身所具有的性格侧面又有所不同。

在影片中，随着人物前后性格极大反差的转变，同时造成了人物节奏变化的差异。原本是各种成分有机的联系，服从于一个具体的有意义的组织，一旦突发事件引起的矛盾冲突破坏了这个组织，也就出现了原有性格的表演节奏差异现象。这种现象并不是指简单的无序的差异，而是要建立在人物性格基调之上，前后有联系的差异。

06

表演艺考中理性感性节奏的结合

节奏把握中理性和感性的结合，既是表演艺术不可逾越的起点(不论一个演员在理性上有没有节奏的意识，他的举手投足都已具有了节奏的属性)，又是表演艺术在高层次上的造诣(能被誉为“很有节奏”的表演，将是很高的表演创作境界)。

理性地分析出各层次的表演，才能使情绪的强烈程度、性格前后的差别以及节奏张弛的变化做到“有度”。过于“理性”可能会使人物看起来模式化，甚至呆板而无张力；过于“感性”又可能会出现舞台剧式的夸张，甚至跳出角色身份的范畴而脱离整个剧本。

只有在表演节奏上依照“理性”与“感性”有机的结合，一部电影角色的真实性才能不温不火地得到体现最终使人物的性格基调和多面性同时汇集起来凝聚成完整的人物形象。