動漫電影中文化形象的定義

『壹』 動漫的定義是什麼

動漫即是動畫和漫畫的合稱，因兩者間存在密切聯系而(漢語里)一般把兩者合稱為動漫。當今網路、電視、雜志等媒體上「動漫」一詞已經被頻繁使用，但因為部分傳媒的誤用，對這一詞的誤解也越來越多。

動漫是動畫或漫畫的合稱與縮寫，是在華人地區才有的稱呼，另外西方國家將日本動畫稱Anime、漫畫則稱為Manga。

而現今，動漫的發展已屬於文化創意產業，同時是目前全世界熱門且高人氣的流行文化。

(1)動漫電影中文化形象的定義擴展閱讀：

動漫的歷史淵源：

隨著現代傳播媒體技術的發展，動畫和漫畫之間聯系日趨緊密；取這兩個詞的第一個字合二為一稱之為「動漫」，尤其在青少年中甚為常用。

「動漫」一詞的起源，現可考證為1993年創辦的中華動漫出版同業協進會與1998年創刊的動漫資訊類月刊《動漫時代》（AnimeComicTime）。

經由雜志的宣傳，齊概括性在華語地區迅速發展起來，因此常習慣將動畫（animation）、漫畫（comic）、游戲（game）合稱為ACG，而近年來在輕小說改編的動畫、漫畫、游戲越來越多之際，又衍生出「ACGN」現在ACG所指內容也涵蓋輕小說。

因此雖有人提出使用ACGN作為該詞的演進說法，但實際上大多數場合仍在使用ACG，不過由於輕小說的發展，使用ACGN作代名詞的人群在逐漸增多。

『貳』 什麼卡通人物是中國文化的象徵

《哪吒傳奇》中的哪吒、《大英雄狄青》中的狄青、《大鬧天空》中的孫悟空、《花木蘭》動畫電影中的花木蘭、《神廚小福貴》中的洪福貴。

1、哪吒：

哪吒，生活在商朝時代，是肉球出生的神童，為陳塘關總兵李靖與殷夫人的第三子，金吒與木吒之弟，太乙真人之徒。身上有四大武器之乾坤圈、混天綾、風火輪、火尖槍；具有三頭六臂的神力，能上天入海，斬妖除魔，降龍伏虎。他生性善良，智勇雙全，正義且直性子。

曾大鬧東海龍宮，之後助武王滅商，為伐紂先鋒官，因懲惡揚善，消滅大魔頭石磯，成為世人愛戴的小英雄。

2、狄青：

狄青，是北宋一位名將，英俊高大，武藝高強，武器是大砍刀，從小習武練功，保家衛國。從軍後由於勤於思考、善用計謀而戰功顯赫，屢次被提升，最後接替楊宗保而當上了邊關三軍統帥。人物原型是古代北宋大將狄青。

3、孫悟空：

齊天大聖孫悟空，生於東勝神州傲來國花果山，是女媧補天所用五彩石中掉落的仙石，因吸收天地之氣孕育而生。神通廣大、武藝超群，成功闖入水簾洞，被花果山諸猴拜為「美猴王」。擁有騰雲駕霧、七十二變等神功。好名，勇敢好鬥，桀驁不馴，愛開玩笑，活潑樂觀，重視承諾。

4、花木蘭：

花家的大女兒，是一個個性爽朗，性情善良的好女孩。在父母開明的教悔下，一直很期待自己能花家帶來榮耀。因為年邁的父親被徵召上戰場，傷心的花木蘭害怕父親會一去不返，便趁著午夜假扮成男裝，偷走父親的盔甲，代替父親上戰場去。

5、洪福貴

一個山村少年，洪大廚的孫子，洪家菜第18代傳人，老菜頭的徒弟。他聰明、調皮，對爺爺極為孝順。他從小跟爺爺學做菜，左手食指能測出菜的味道，味道最佳時，手指能變成金黃色。他為了拿到御賜的金廚具，救出被捕的爺爺，也正因為如此，成為了k大人的目標。

他大膽創新，敢於斗爭，將祖傳的廚藝發揮到了巔峰，靠著自己的不斷努力，並在小飛蝶的幫助下，終於成為了御膳大廚。最後，他選擇了離開，到民間去尋找真情和智慧。

『叄』 你喜歡中國動漫電影中的傳統文化元素嗎

喜歡 。前不久有部特別火的動漫《大魚海棠》那就是中國風很足的一部動畫。這都是映射的足足中國文化。很喜歡這種題材的動畫。

『肆』 文化特色在動漫產業創意中的表現方式有

動漫藝術所區分的名詞解釋和涉及的領域非常寬，在本論文中不可能全部解決，所以在本文中主要對「動漫」的基本概念、所涉及的藝術領域進行分析，幫助相關專業的人士解讀「動漫」，懂得「動畫和漫畫」，掌握動漫藝術的基礎知識。有這樣一個詞現在被很多人熟悉，並經常在與人交談中提及，可能因為一種習慣，但是其代表的含義是什麼，不知有多少人能了解，這個詞就是「動漫」。比如小孩子看的漫畫書，大學生參加的漫畫節，大人們看的動畫電影，都會和「動漫」這個詞有多多少少的關聯，「動漫」從詞義上看主要包括兩個內容，即「動畫」和「漫畫」。在《關於推動我國動漫產業發展的若干意見》中對「動漫」的性質是這樣確定的：「動漫產業是指以『創意』為核心，以動畫和漫畫為表現形式。」

早期動畫片的繪制方法源於漫畫。因為漫畫的繪制方法簡潔、形象誇張，適合於動畫的製作，加上最重要的幽默，深得人們的喜愛。第一部動畫片，1906年美國人斯圖爾特勃賴克頓所拍攝的《一張滑稽面孔的幽默狀態》，本片就是採用漫畫的方法繪制的。這種「漫畫式」的表現形式不但用於動畫片形象和背景，連動畫片的故事結構、動作設計、形象設計等語言要素，也採用了其漫畫的語言，這成為了動畫片獨特的娛樂功能，也正好說明了動畫影片的藝術特點，並一直沿用到今天。

『伍』 文化差異在動畫影片中如何體現

劇情 內涵 其實我覺得一個好的動畫影片不僅僅是畫面的精美 更重要的是內涵的體現 價值觀的體現 像迪士尼每年的動畫 那畫風不是現在流行的3D 但是就是有看下去的沖動 再者像日本宮崎駿這些 我們國家的動畫影片 好的的話其實真沒做起來 大部分就是赤裸裸的圈錢

『陸』 動畫片的定義

至今為止，許多從事影視工作和藝術工作的人，對動漫的含義都不是很清楚，大多停留在「動漫代表電影特技、電視動畫片、電子游戲」的層面。

「動漫」一詞來自國內一些從事卡通漫畫的藝術人士。隨著近些年計算機圖像技術的發展，開始在計算機上製作比單個卡通漫畫圖片更有動感的連續播放的漫畫圖像，從而開始稱之為「動漫」圖像，即「連動的系列漫畫」。

許多中文的單詞是來自英文，比如「卡通」就是英文的Cartoon，後來在中國演變成為「漫畫」，即有幽默感、誇張的繪畫表現方法。「動漫」一詞在英文中是沒有直譯的。如果選擇在英文中使用最多的描述電影特技、電視動畫片、電子游戲的詞，那麼最恰當的選擇應該是「animation」，即「賦予生命、使之活動」的意思。在某種意義上，中文的「動畫」更接近「animation」的詞義，但「animation」不僅包括畫，也包括實物。

西方國家的漫畫有著上百年的發展和演化過程。最先是在報紙中的娛樂版面的多幅卡通的逐漸流行，演化成為固定的ComicStrip，即「連環漫畫」，逐步變成ComicBook，即類似於中國「連環畫」的發行刊物。與中國不同的是，這些「連環畫」不是主要定位為兒童讀物，而是全民的讀物。由於在報紙、期刊、雜志的大量涌現，經久不衰，在上百年的演變中，ComicBooks已經成為美國的重要文化產業之一，而且早已超出了最先「諷刺、幽默」的內涵，而是變化成為講述人物故事的一種重要方式，也是藝術學校重要的學科之一。上世紀初，隨著工業革命的發展，電視機的出現，美國迪斯尼等公司最先把「連環畫」製作成為電視上播放的「動畫片」，從此，「動畫片」——「animatedcartoon」在美國家喻戶曉，成為深受喜愛電視節目。而由於早期電視節目及內容製作的難度，動畫片成為電視節目其中很重要的一部分，這使得電視和動畫片的發展相互依賴。同時，由於動畫片和連環畫的製作不受現實生活的限制，其表現手法大大超出了真實世界的范圍，大大刺激了人們對想像空間的寫生能力。美國大量的科幻小說、超人英雄等的誕生，都是和連環畫的發展緊密關聯的。科幻小說刺激了連環畫的發展，連環畫通過報刊、雜志、早期電視等的傳播形式，又帶動了科幻小說的普及。而這樣的普及過程，也正是連環畫、動畫片中人物、角色成為人們喜聞樂見的生活中的一部分的過程，也正是早期「動漫」文化產業形成的根基。

可以看到，西方國家動漫產業的發展，是和科幻小說、神話小說以及藝術學院的大量發展分不開的。另外，還有一個因素，就是計算機圖形學的發展。

美國的文化不僅影響了幾代美國人民，也影響了全世界。這種影響在亞洲，可以從日本、韓國、台灣、香港等國家和地區的文化產業的發展過程展示出來。這些國家和地區的動畫產業發展，不僅吸取了美國的各種模式，而且也逐步注入了當地文化的特色，創造出許多影響到全世界的動漫作品和角色人物。比如日本的變異恐龍（Godzilla）等等。如果走訪西方國家的藝術學院，可以看到課程分類非常細，但每一門課都和實際社會中各個行業緊密相關。包括：油畫、工藝畫、平面設計、廣告設計、室內設計、雕塑、現代藝術、手工動畫、電腦動畫、攝影、電影藝術、影片導演、藝術指導、傳媒、舞蹈等等；如果去學習西方國家的電影，又分為真人電影和動畫電影等等；如果走訪美國動漫製作公司，又可以分為特技效果製作公司、電視廣告製作公司、游戲製作公司、短片製作公司、全長動漫影片製作公司、音效製作公司等等。有動漫製作能力的公司，很少能夠成功製作真正意義上的全長動漫影片。由於全長動漫影片的製作和發行都相當復雜，在美國，也只有Disney－Pixar，Dreamworks－PDI等少數幾家公司能夠生產，而大部分都限於做電影的特技效果、電視廣告等業務。

從以上的分析我們可以得出以下結論，中國近些年提出的「動漫」產業的概念，是對西方國家近百年來發展起來的漫畫、動畫、游戲、電影動畫等等產業的整體的概括性描述，在英文中最接近的相對應單詞是「animationinstry」。因此，「動漫產業」准確的定義是「動畫和漫畫產業」，涉及的領域有以下方面：傳統繪畫藝術、雕塑藝術、手工動畫、泥塑動畫、影視製作、音效製作、廣告策劃、科學模擬、計算機模擬、計算機圖形學、計算機游戲、科幻小說、神話小說、報刊連環畫、動畫短片、動漫教材、影視發行、音樂發行、玩具設計、禮品發行等等。

『柒』 動漫電影中的人物形象是精靈有那些電影

那就《彼得攀》了，主角之一是精靈

『捌』 動漫的具體含義

對於動漫的含義總解釋
正如中文和英文字典里，一個詞彙有好多不同的解釋和定義。動漫這個詞，其實也有許多不同的定義，而且不可以都籠統地化為一談。
動漫是一個復合詞，是指動畫和漫畫。動畫又被稱為卡通，漫畫也分很多種，下面來一一分析介紹：

一、漫畫：
1.是指報紙上刊登的單幅小圖畫。畫面比較簡單易懂，內容一般是「諷刺與幽默」。這就是我們最通俗意義上所理解的漫畫。在這一領域，將詩句的意境在方寸之間表現出來，或描摹生活中的情趣，豐子愷開創了情趣畫的先河。

2.是指在報紙上連續刊載的四格漫畫。從早期張樂平的《三毛流浪記》到現在朱德庸的《澀女郎》，包括外國的《丁丁歷險記》和《史努比》、《加菲貓》，都屬於這種形式。他們的特點是：以同一批人作為主人公，在四格中完成一件事或一個片斷的敘述；有些是連貫的故事，大部分是獨立的小片斷，內容還是以「幽默與諷刺」為主，同時也兼具故事性。這種方式其實是單幅漫畫的一種發展。在四個內容之內要完成一個笑料，其實也不是非常容易的事哦。

3.是指連環畫小人書。早一輩的人都熟悉。用圖畫加文字說明的方式來演繹小說故事。圖畫一般非常細膩精美，所表現的是一個個靜止的場景。

4.繪本。比如大家都知道的幾米的繪本。可以說是連環畫的一種發展版本，彩色的畫面更賞心悅目，內容也不再局限小說故事，也可以是講述思想，表達情感，具有詩一般的美感。從嚴格意義上來說，這個似乎不屬於漫畫。

5.日本漫畫。日本漫畫，是指由日本人手冢治蟲所創造的一種全新的漫畫方式。該方式打破了傳統漫畫的單幅、片斷、靜止；它按照時間先後將連貫動作用一格一格的畫面來表現，形成有動感的連續的故事。可以說，這種漫畫是將動畫用一個個靜止的畫面表現出來，通過畫面上添加的擬聲詞和線條來表現聲光效果的一種特殊電影腳本方式。日本漫畫內容廣泛，老少咸宜，而且也不乏思想深邃的佳作。日本漫畫已經得到了世界范圍內的認同，成為一種獨特的漫畫方式。

擴充：
漫畫可以說是一種紙上電影或者說是有動感的連環畫。這種革命性的漫畫方式經過日本幾十年的發展，漫畫技法已經成熟，內容也越來越豐富廣泛，從科幻到現實，從魔法世界到現實生活，從體育運動到藝術人生，可以說是無所不包無奇不有，用簡單的一句話來說：「日本人把所有可以畫不可以畫你所想得到的所有東西都畫成了漫畫。」所以讀者也不再是傳統意義上的「小孩子」，由於內容不同所以受眾面不同，上至六七十歲的老人，下至小學生，各色各樣的人——包括上班族、家庭主婦等也是漫畫的愛好者。在這樣的環境下，漫畫成了日本全民性的文化，據說隨便找一個人本人都能畫上兩筆漫畫的。（笑）而且日本的動漫產業已經非常成熟，動漫也成為了一個經濟價值極大的娛樂產業。不過光只是娛樂，漫畫不會獲得世界范圍的認同。日本漫畫絕不是一般老想法中的「教育小孩子的東西」，我認為它就像是一種獨特漫畫化的電影或電視故事，是小說故事的電影腳本化。它兼具小說的文字和現實形象的畫面，是一種可讀性很強、形式非常豐富的書。雖然就內容上來說，泛娛樂的東西多少會有些不好的成分，但並不影響經典的好東西在我們心目中的形象和地位。（我覺得要讓大眾認同動漫，首先就要扭轉他們一些錯誤的片面的想法，讓他們看到動漫好的，值得欣賞的地方。）

二、動畫
要說到動畫的話，大家的意見就比較一致了：就是那些漫畫人物在畫面上動起來講故事的片子。所以一般也把動畫成為卡通。但即便是形式一樣的動畫，因為各國文化思想的不同而呈現多元化的趨勢。
1.中國五六十年代的卡通片。這就是我們記憶中最傳統的動畫片。人物一般是小動物，講的故事都是教育小孩子；或者以古代為題材，畫面精美充滿民族風格。現在也拍了很多這樣的片子，但是無論從畫面還是內容，其質量都比不上早期的作品。

2.美國的動畫片。最為熟悉的動畫片。從最早期的《白雪公主》、《米老鼠與唐老鴨》到現在的《海底總動員》，美國的動畫片技術越來越先進，畫面越來越逼真，故事主要是放在小孩子的教育和夢想上。大人可以陪小孩子觀看，也會覺得很好看。但就其內容而言，還是太低齡和公式化了一點，不會給大人帶來什麼深刻的印象。

3.日本的動畫大師——宮崎駿的作品。從本質上說它也屬於日本動畫的一部分，但由於它不同於日本動畫的一些特質，使它在世界動畫史上佔有自己的一席。他所講述的內容以少年少女的成長史為主，並融入了大量對人性對自然的思考，相比美國純粹是給小孩子娛樂的動畫，宮崎駿的動畫呈現出一種面向大人世界的寬廣胸懷。可以說，他的動畫更是做給大人們看的。
其實日本還有很多大師比如押井守、大友克洋、今敏等，他們也是自成一派，但就知名度和接受度而言在中國廣大人民心目中還比不上宮崎駿。（這也是因為中國政府的輿論導向如此）所以在此略過不提。

4.日本動畫。日本動畫很好理解：基本就是把那些日本漫畫改編成動畫。日本也許是全世界出產電視動畫片最多的國家了。他們的電視動畫片（簡稱TV動畫）一般是26集，一次上檔幾十部，每周放一集。日本的動畫產業非常成熟，漫畫、動畫、游戲已經形成了一個ACG（三者的打頭字母）文化圈，互相影響。他們的動畫適合全年齡觀眾收看，可以各取所好，就像我們平時看的電視和電影一樣有各種各樣的內容類型。現在日本動畫在世界范圍內都廣受好評，甚至還入侵了美國市場，可見其實力之強。

http://www.sze.com.cn/zixun_8/27629.shtml

『玖』 什麼是卡通形象

卡通，是英語「cartoon」的漢語音譯。對於這個詞的詞源，有兩種不同說法：其一是說它來自法語中的「carton」；其二是說它源自義大利語中的「cartone」。 中國第一卡通潮牌「兔公爵」DUKE RABBIT從卡通的詞源上，我們就能夠確切地獲知，卡通作為一種藝術形式最早起源於歐洲。而在近代歐洲，有兩個促使卡通出現的重要歷史條件：首先，資本主義萌芽的發展，壯大了市民階層的力量，導致社會結構的重大變化。其次，自文藝復興運動以來，自由開放的藝術理念開始為社會所接受。這兩個條件的相互作用，使得傳統繪畫走下了中世紀的神壇，日益接近平民的審美趨向，給以簡御繁的卡通畫提供了產生的社會基礎。同時，作為市民階層表達自身要求的手段，卡通畫也被賦予了更為廣泛的政治內涵。 在十七世紀的荷蘭，畫家的筆下首次出現了含卡通誇張意味的素描圖軸。而以法國人奧諾雷·杜米埃（1808-1879）為代表的諷刺漫畫家，更是將政治卡通發展到了藝術的高度。時至今日，政治卡通依然是西方大眾文化的重要組成部分。 在卡通藝術的發展史上，英國扮演了一個相當重要的角色。眾所周知，英國是最早建立現代議會民主政治的國家，同時也是最早進入產業革命的國家之一。民主政治的確立，保證了人民言論和出版的自由，為卡通藝術的發展提供了社會基礎；產業革命的興起，引發了報刊出版業的繁榮，為卡通藝術的發展提供了物質保證。 早在17世紀末，英國的報刊上就已經出現了許多類似卡通的幽默插圖，但是由於缺乏專職畫家和固定的藝術風格，因此還算不上真正的卡通畫。隨著報刊出版業的繁榮，到了18世紀初，出現了專職卡通畫家，英國卡通的風格也逐漸定型。與同時期歐洲大陸的幽默諷刺畫相比，英國的卡通畫較多的取材於社會風情，以幽默含蓄見長。 這一時期，比較有影響的卡通畫家包括威廉姆·霍格斯（1697-1764）、詹姆斯·吉爾雷（1757-1816）和托馬斯·羅蘭森（1756-1827）。這其中，霍格斯的代表作有《浪子回頭》和《哈洛特漫遊記》等，羅蘭森則主要是創作了《辛塔克斯大夫一生的旅行》。值得一提的是，霍格斯等人的作品已經不再是傳統的單幅畫，而是發展成為了彼此關聯的系列畫，具備了連環畫的雛形。 1841年，著名的《笨拙》（Punch）畫報在倫敦創刊。這本著名的諧趣性期刊，在卡通發展史上占據著顯著的地位。事實上，正是這個刊物的供稿人、著名畫家約翰·里奇和編輯馬克·呂蒙首次將幽默諷刺畫正式命名為「卡通」。同時，這本刊物也是傳統的卡通畫向連環畫過渡的重要橋梁。在早期的《笨拙》畫報上，就已經連載了許多與連環畫的概念相近的作品。而約翰·里奇繪制的《布瑞克先生歷險記》，更是具備了眾多連環畫的構成要素。 二十世紀初，彩色印刷術的出現引發了出版業的一場革命。相應的，彩色漫畫開始出現在人們的視野中。 1901年，著名出版商哈姆士·沃思，在並購了幾家雜志的基礎上，成立了聯合出版公司（簡稱「AP」），先後出版了《小精靈》、《水泡》、《微笑》、《彩虹》、《老虎提姆》周刊和《叢林狂歡》等漫畫刊物。另一位出版商亨德森，也推出了《樂趣無窮》（1906）、《漫畫天地》（1909）、《精思妙語》（1910）和《火花》（1918）等雜志。其它如「特萊普斯和霍姆士」公司出版的《煙火》和皮爾遜出版的《大匯刊》等，都不同程度的介入了彩色漫畫的出版與發行。這一時期，英國漫畫期刊一個重要的變化，就是刊物的讀者定位由成年人逐漸轉向兒童和青少年。而AP公司是這個趨勢最大的受益者，他們成功的推出了「老虎提姆」的卡通形象，使其一躍成為孩子們鍾愛的卡通明星。它的姊妹作《熊娃娃》也取得了不俗的銷售業績。另外，《老虎提姆》的作者之一福克斯·韋爾還創作了《小虎吉莉》和《河馬小姐》等少女漫畫作品。 與政治卡通和漫畫相比，動畫片的發展歷程似乎更富有傳奇色彩。如前所述，動畫藝術是現代影視藝術的重要組成部分。然而，在動畫和電影的「史前階段」，兩者卻是合而為一的。直到攝影術發明之後，電影和動畫才開始分道揚鑣。 1895年，法國的盧米埃爾兄弟最先向公眾展示了他們的「電影機」，並放映了《火車進站》、《海水苑》等影片。現代電影就此誕生。而第一部動畫電影卻是在十年後才得以問世。其中的部分原因是由於動畫片高昂的製作成本。時至今日，動畫片依然是需要高投入的文化產品。 1906年，在愛迪生實驗室工作的布雷克頓（J. Stuart Blackton）製作了《滑稽臉的幽默相》（The Humorous phases of Funny Faces），這也是世界上第一部動畫影片。此後，來自法國的埃米爾·科爾（Emile Cohl）進一步發展了動畫片的拍攝技巧，並且先後製作了250餘部動畫短片。同時，他也是第一個利用遮幕攝影的方法，將動畫和真人表現結合起來的先驅者。正是因為科爾對於動畫片發展的傑出貢獻，他也被奉為當代動畫片之父。 另一位對早期動畫發展產生重要影響的是美國人溫瑟·麥凱。他出生在美國的密西根州，早年曾經靠給馬戲團、通俗劇團畫海報為生，後來成為了報社記者和漫畫專欄畫家。1914年，麥凱推出了一部劇情動畫片《恐龍葛蒂》（Gertie the Dinosaur）。這部動畫片的推出，改變了此前在動畫作品中的純藝術傾向，把故事、角色和真人表演等組織成為互動式的情節，取得了相當好的效果。而憨態可掬的恐龍葛蒂，更是成為了名噪一時的卡通明星。繼《恐龍葛蒂》之後，麥凱又製作了《露斯坦尼亞號之沉沒》。這是第一部以動畫方式製作的紀錄片。 溫瑟·麥凱的成功是具有象徵意義的。他以自己作為漫畫家的修養和積累，開創了一種重視角色的塑造、故事結構和通俗趣味的新型動畫創作模式。在麥凱之後，美國的動畫家們開始走上了一條與他們的歐洲同行截然不同的道路。一個屬於新大陸的卡通時代就要到來了。
[編輯本段]卡通帝國
在二十世紀上半葉，美國卡通藝術的發展水平居於世界的領先地位。而毋庸置疑的是，這種領先是全方位的。 早在1840年，波士頓的DC約翰斯頓公司就發行了名為《克賴斯帕》的單頁畫報，這可能是最早出現在美國的卡通作品了。此後，隨著歐洲移民的不斷湧入，原本流行於歐洲的卡通藝術也開始登陸美國。 1880年，美國報業大亨普利策在他的《紐約世界》報上增設星期日特刊，並在其中增加了卡通專欄。此後不久，另一位報業巨頭赫斯特也開始在自己旗下的《紐約雜志》和《美國幽默大師》等刊物上定期發表卡通作品。這意味著卡通作品在增加報刊發行量上的作用，已經得到了廣泛的認可。而上述兩大報系的強力介入，無疑是給還處在幼年期的美國卡通注射了一針助長劑，自此美國卡通的發展駛進了快車道。 1895年，著名漫畫家奧特考特（R.F.Outcault）創作的系列漫畫《黃孩子》（Yellow Kid）開始在普利策創辦的《紐約世界》（New York World）上發表。但不久之後，奧特考特帶著「黃孩子」一起跳槽到了赫斯特旗下的《紐約雜志》（New York Journal）。《黃孩子》系列最初的名稱是「Hogan』s Alley」，故事的主人公是一個年紀在六、七歲，身著臟睡衣大腦袋，名叫「Mickey Dugan」的小孩兒。其實，這件睡衣在開始的時候是藍色的。到了1896年，由於一項新技術的應用使人們能夠輕易的將紙染成黃色，Dugan也就此換上了黃衣。後來，奧特考特又在漫畫里加上故事主人公的對白，使大家更容易理解故事主題。這也使得《黃孩子》成為了名副其實的連環畫。由於「黃孩子」的形象已經深入人心，精明的商人們便以這個形象為基礎，開發了大量有關「黃孩子」的周邊產品，其中包括玩具、塑像、廣告招貼等。盡管「黃孩子」也經歷了許多的波折，但是在它首次面世後的第七年，即1902年，《黃孩子》系列終於出版了單行本。應該指出的是，《黃孩子》的成功不但促進了美國卡通漫畫的發展，而且為漫畫作品的商業運作提供了經典範式。 在整個二十世紀初， 卡通漫畫始終在尋找與美國文化的交匯點。在這個過程中，產生了許多優秀的作品和令人難忘的卡通形象。不過，直到三十年代初，美國卡通漫畫的黃金時代才真的來臨。 對於「黃金時代」，有這樣一個精闢的描述：美國漫畫的黃金時代就是超級英雄在廉價畫報上橫行的時代。眾所周知的，諸如超人（SUPER MAN）、蝙蝠俠（BATMAN）、閃電俠（FLASH）、潛水俠（AQUA MAN）等眾多的超級英雄形象都產生在這個時期。這些超級英雄的共同特點就是擁有健美運動員般的身材，常人無法具備的超能力，不斷打倒邪惡又強悍的敵人，拯救世界。而其中最具代表性和持續影響力的，恐怕就要算是超人和蝙蝠俠了。 《超人》的主角是一個來自氪星球、具有超能力的外星人克拉克。在他還是一個嬰兒的時候，便乘坐太空船從氪星來到地球，並被善良的肯特夫婦收養。長大後，他開始發現自己擁有地球人不具備的超能力。為了掩飾身份，克拉克從偏僻的小鎮來到了大都市，並在《星球日報》擔任編輯，從而結識了年輕貌美的女記者露易斯。從此以後，每當城市的安全和秩序受到惡勢力的威脅時，總會有一個披著斗篷、身著緊身衣的飛天英雄及時顯身，拯救那些陷入危機中的人們。不過，大多數情況下，超人的主要任務都是英雄救美。 《超人》系列最先在《動作漫畫》（ACTION COMICS）第一期上發表，並迅速風靡全美。1939年1月16日，《超人》開始在報紙上連載。到1941年，已經有超過三百種報紙每日連載《超人》漫畫。而以「超人」為主題的動畫片、電影和電視劇，更是在此後的半個世紀中層出不窮。毫不誇張地說，「超人」已經成為了一個時代的標志。 幾乎是在超人取得成功的同時，「黃金時代」的另一位超級英雄蝙蝠俠也走入了人們的視野當中。 蝙蝠俠原名叫做昆布西，出身於一個顯赫的富豪家庭。在他很小的時候，父母被歹徒所殺，因而變成孤兒，由管家撫養長大。長大後，他發誓為鏟除罪惡而戰。於是，他便成為了身著蝙蝠裝的蒙面豪俠。除暴安良，制裁法律的漏網者成了他最重要的使命。 蝙蝠俠的故事最早出現在《偵探漫畫》（DETECTIVE COMICS）的第二十七期上。與超人相比，蝙蝠俠是一個沒有超能力的普通人，這也正是他的魅力所在。而蝙蝠俠用於對抗邪惡的主要工具是各式各樣的科技發明，其中最為著名的就是那輛萬能蝙蝠車。 在黃金時代的眾多超級英雄中，神奇女俠（WONDER WOMAN）可以說是一個「另類」。這不僅僅是因為它打破了此前男性對於超級英雄形象的壟斷，更為重要的是，她的出現徹底重構卡通世界中兩性秩序，使得女性角色不再只是男英雄們的附庸，而真正成為主宰故事的主角。因此，當「神奇女俠」系列於1941年底在《全明星漫畫》（ALL STAR COMICS）上推出後不久，便受到了眾多女性讀者的熱烈歡迎。 漫畫英雄的出現絕非偶然。事實上，它是漫畫藝術與美國文化碰撞的必然結果。美國文化的核心就是所謂的「個人主義」。這是一種以崇尚個人奮斗和強調優先保護個人利益為要旨的文化。出於這種文化背景，特別是在三十年代的大蕭條和二次大戰給美國社會帶來劇烈沖擊的情況下，人們欣賞和渴望「救世主」式的超級英雄，將他們看作是希望和力量的象徵。因為在現實世界中找不到這樣的人物，於是人們便轉而在杜撰的世界中尋求精神寄託。 在第二次世界大戰期間，美國的社會經濟不但沒有被戰爭拖垮，反而獲得了空前的發展和壯大。由於戰爭而激發出來的愛國主義成為了當時美國文化的主流。於是乎，漫畫中的超級英雄們也紛紛投入了保衛國家、反對納粹的戰斗中。「黃金時代」也邁向了巔峰。 隨著卡通漫畫在美國社會中的影響力日趨增強，美國漫畫的發展也逐步走向了多元化，出現了教育漫畫、科學漫畫、西部漫畫等新題材。與此同時，一味的追求利潤最大化的商業炒作，使得美國漫畫中的暴力、色情等不良因素激增，有的漫畫出版物甚至赫然標明「兒童不宜」。由此，漫畫業成為公眾和輿論抨擊的焦點，並最終導致了「黃金時代」的沒落。 1945年春，弗雷德里克·魏斯曼博士的《引誘無辜》一書出版。魏斯曼博士是一位在當時的社會上相當有影響的知識分子，同時也是政界的知名人士。他始終堅信「充斥著暴力和陰暗內容的漫畫，是助長青少年犯罪和社會混亂的根源」。雖然事後的調查表明，魏斯曼博士的絕大部分論斷都是缺乏事實根據的，但這本書的出版恰恰迎合了當時主流輿論對漫畫業的廣泛批評，因此立即得到了各界的支持和肯定。一時間，漫畫成為了超級禁書，人們時常用談論毒品的口吻來談論漫畫。 1954年4月，美國聯邦參議院青少年犯罪調查委員會針對漫畫對青少年的影響問題舉行公開聽證會，魏斯曼博士以證人的身份出席。他聲稱：漫畫是玷污兒童純真，引發少年犯罪的罪魁禍首，相對於漫畫而言希特勒只是小兒科。「孩子們往往從四歲開始，就遭受到漫畫的毒害。」他甚至要求馬上禁止漫畫的出售。 雖然，這次聽證會沒有能夠形成一個明確的結論，但是參議院最終還是要求頒發一個檢查標准，杜絕漫畫中一切可能毒害青少年和敗壞道德的內容。這其實就是在輿論上宣判了「黃金時代」的死刑。在參議院聽證會後不久，漫畫出版商們在1954年10月26日成立了「美國國內漫畫雜志聯合會」，並制定了「聯合會內部檢查標准」，還要求在此後出版的漫畫封面上明確標明限制等級。 這無疑是一個對美國漫畫業具有深遠影響的事件。由於這個多少有些矯枉過正的標准，此前暢銷的恐怖、警匪類漫畫幾乎絕跡；西部漫畫中的牛仔們也不得不大幅收斂，肉搏和槍戰的場面明顯減少；甚至於搞笑動物漫畫里的「暴力」舉動也變得畏首畏尾。許多出版社和漫畫刊物因為發行量的急劇下跌而破產，大多數職業漫畫家迫於生計壓力也不得不轉行。當然，像《美國上尉》的作者喬·西蒙這類少女漫畫作家，也因為超級英雄的缺席而一度走紅。不過，從整體上看，美國漫畫業還是因此而元氣大傷，雖然日後有所恢復，但終究還是沒能重振昔日雄風。 與美國漫畫業一波三折的發展歷程相比，同時期的美國動畫業卻始終保持著強勁的發展勢頭。而要回顧這段歷史，就不能不提到沃爾特·迪斯尼和他的迪斯尼公司。 事實上，在沃爾特·迪斯尼之前，美國已經擁有了不少傑出的動畫家，但是作為後來者的沃爾特卻是真正促使美國動畫業走向飛躍的人。因此，我們有足夠理由認為「沃爾特·迪斯尼是動畫史上的第一位大師」。 1923年，年僅22歲的沃爾特·迪斯尼告別了故鄉堪薩斯，動身前往好萊塢尋求發展。那時的好萊塢是一片創業的熱土，而此時的電影仍處在默片階段，至於動畫片也只不過是擺在電影開演前的助興節目而已。在那裡，他白手起家，以僅有的3200美元注冊成立了「迪斯尼兄弟動畫製作公司」。在沃爾特來到好萊塢的這一年，他完成了自己的第一部動畫作品——由真人和動畫人物合演的無聲動畫片《愛麗絲在卡通國》。 在好萊塢的最初幾年中，迪斯尼和他的公司漸漸的站穩了腳跟，但是在1927年沃爾特遭受了他事業上的第一個沉重的打擊。這年，他創作的第一個廣受歡迎的卡通人物「幸運兔奧斯華」被發行公司用欺騙的手段奪走，公司因此幾乎陷入絕境。惱火而無奈的迪斯尼踏上了返回故鄉堪薩斯的列車。然而，正是在這次返鄉的旅途中，沃爾特的頭腦中出現了一隻活潑可愛的小老鼠。後來，沃爾特的夫人給這個嶄新的卡通形象取了個響亮的名字「Mickey Mouse」！這就是日後享譽世界，為各個國家的兒童所喜愛的卡通明星——米老鼠。 米老鼠的出現，固然為迪斯尼公司提供了一筆巨大的無形資產。然而，要使米奇和他的夥伴們成為人見人愛的超級明星，迪斯尼公司還必須有新穎的製作理念。而新理念的核心就是重視劇情的設計和不斷創新。 在迪斯尼之前，動畫片作為普通電影放映前的墊場節目，往往只看重視覺效果而不太注意故事情節的安排。迪斯尼的米老鼠系列則反其道而行之，在製作的初期就對作品的情節進行周密的安排，讓短短七八分鍾的小片子變得非常引人入勝，再加上製作精良的畫面，迪斯尼的動畫片一下子就甩掉了幾乎所有的競爭對手。 除了先進的創作理念，對創新的敏感是迪斯尼的另一張王牌。20年代中後期，電影告別了默片時代，有聲電影的出現引發了整個電影業的革命。沃爾特敏銳的察覺到了變革的來臨，開始嘗試製作有聲動畫片。1928年11月18日，作為電影史上的第一部音畫同步的有聲動畫片，《汽船威利號》在紐約市的殖民大戲院隆重首映，並取得成功。到了1932年，迪斯尼又推出了第一部彩色動畫片《花與樹》（Flowers and Tree）。除了預料之中的轟動之外，它也為迪斯尼贏得了奧斯卡動畫短片獎。五年後，即1937年，迪斯尼耗費數年時間精心打造的第一部全動畫卡通劇情片《白雪公主》（Snow White and the Seven Dwarfs）上映。這是一部劃時代的動畫片，具有里程碑的意義。而且因為這部作品所取得的巨大商業成功，使得迪斯尼的製作計劃開始向長片傾斜。緊接著，在1940年裡，迪斯尼公司連續推出了《木偶奇遇記》和《幻想曲》兩部動畫長片。其中，《幻想曲》更是被視為現代動畫片的經典之作，推出伊始便獲得了廣泛贊譽。在不斷推出新作的同時，迪斯尼的卡通明星陣容也不斷擴充，除了米老鼠之外，米妮（Minnie）、布魯托（Pluto）、高菲（Goofy）和唐老鴨（Donald Duck）等新形象也陸續出現在了迪斯尼的動畫片中。伴隨著不斷涌現的優秀作品和卡通明星，迪斯尼公司終於在40年代初確立了它在卡通帝國中的霸主地位。 對於整個美國動畫業而言， 迪斯尼的成功具有巨大的示範和推動作用。由於動畫市場的擴展，許多新動畫公司如雨後春筍般紛紛成立，此時的好萊塢已經是全美、乃至全世界動畫業的中心了。凡·伯倫製片廠（Van Beuren Studio）就是這些新動畫公司中的一員，在他的旗下同樣聚集了一批優秀的青年動畫家。在30年代後期，這家公司推出了著名的系列動畫片《湯姆貓和傑瑞老鼠》（Tom and Jerry），並獲得成功。另一家有影響的動畫製作機構是華納製片公司在1934年創立的動畫部，主要作品包括：《豬豆子》(Porky and Beans)、《達菲鴨》（Daffy Duck）、《邦尼兔》（Bugs Bunny）等系列動畫片。與迪斯尼的米老鼠一樣，它們也都是盡人皆知的卡通明星。 然而，在迪斯尼輝煌的成功里，危機也在悄然孕育著。成立之初的迪斯尼公司，以藝術和創造為信條網羅了大批一流的動畫人才。但是，隨著公司的不斷發展壯大，迪斯尼的藝術風格也逐漸趨於固定，迎合觀眾和市場的需求成為了節目製作的基礎和前提。更重要的是，迪斯尼的員工越來越感到，公司的繁榮並沒有給他們帶來預期的收入增長，不滿情緒開始在迪斯尼的內部蔓延。到了四十年代初，迪斯尼公司屬下的動畫家們開始籌備成立工會，希望以此來與公司高層對抗，爭取提高報酬。可是，高層的態度似乎要比想像中的更為強硬，由此也引發了一場曠日持久的「口水戰」。最終，許多公司的業務骨幹負氣出走，並合夥成立了「美國聯合製片公司」（United Proctions of America，簡稱UPA）。 雖然經歷了許多波折，但是沃爾特·迪斯尼和他的公司依然是那個時代無可辯駁的成功者。今天的迪斯尼已經成為了世界性的「娛樂王國」，這也從另一個角度上證明了沃爾特的理想和成功是超越時代的。 總而言之，在這一時期，無論是美國的漫畫業還是動畫業，都取得了長足的發展。值得注意的是，在這個發展過程中，圍繞著卡通產品，美國的娛樂產業形成了一套完整的商業運作體系，實現了卡通自身發展的良性循環。而「美式卡通」也正是以此為基礎，才得以實現它在全球范圍內的擴展，成為了一股不容小視的文化力量。
[編輯本段]卡通新浪潮
在二戰前後，雖然歐美卡通產品依然占據著世界卡通市場的主流，但是由於經濟社會和大眾文化的變革，卡通藝術在全球范圍內的發展，也呈現出前所未有的全方位、多元化的發展態勢。無可否認的是，一股卡通業的新浪潮正在興起，並將席捲全世界。 就在美國卡通走上商業化道路的同時，歐洲的漫畫家和動畫家們似乎依然在堅守著他們固有的藝術理念。但即使如此，這一時期的歐洲卡通也絕不乏經典之作。 在德國，這一時期出現了一位具有世界影響的漫畫大師埃·奧·卜勞恩。卜勞恩的原名叫做埃里西·奧塞爾，出生在德國薩克森州的一個偏僻小鎮。後來由於工作變動的緣故，埃里西的父親攜全家移居到福格蘭特山區的首府卜勞恩市。而埃里西之所以會用「卜勞恩」作為自己的筆名，也是出於對這座城市的懷念。在1921年到1933年期間，埃里西以畫家的身份發表了大量的卡通畫，還為他的摯友、作家埃里西·卡斯特納的許多作品畫過插圖。然而，隨著納粹黨的上台，德國的社會政治氣候迅速右轉。因為不滿納粹黨的倒行逆施，埃里西創作了一些以納粹黨為諷刺對象的漫畫作品，結果招來了納粹頭子約瑟·戈培等人的忌恨。埃里西的漫畫作品一度被查禁。 後來，因為當時的《柏林畫報》需要一位能夠畫連載漫畫的畫家，負責此事的著名作家、出版家和編輯庫爾特·庫森貝格博士便找到了埃里西·奧塞爾，希望能夠由他來承擔這項工作。最終，由於《柏林畫報》的積極周旋，納粹當局解除了對埃里西的禁令，但卻附加了一系列苛刻的審查條件，並且絕對禁止他的作品中出現任何與政治有關的內容。 盡管如此，埃里西還是在1934年到1937年期間先後完成了200多套作品，這也就是著名的《父與子》系列漫畫。在法西斯橫行的歲月里，這套漫畫作品宛如人性的綠洲，成為德國人民面對殘酷現實生活時最好的心靈慰藉，因而贏得了許多人的喜愛。《父與子》被譽為德國幽默的象徵，其聲望很快就跨出了國界。 1929年，比利時漫畫家埃爾熱開始創作《丁丁歷險記》系列。從那時起直到1983年3月埃爾熱逝世為止，《丁丁歷險記》先後完成了二十餘卷。1986年，作為埃爾熱生前未能完成的最後一部作品《丁丁和阿爾法藝術》出版，丁丁系列就此完結。評論界普遍認為，丁丁系列的成功應該歸結為作者對於將故事主線和真實背景有機結合的充分重視，因此埃爾熱也被稱為是「漫畫新聞記者」。不管怎樣，由於融合了紀實風格和幽默風趣的創作元素，丁丁系列成為了漫畫史上最傑出的作品之一，埃爾熱也因此而步入了漫畫大師的行列。 就在美國的動畫家們盡情享受「黃金時代」的時候，歐洲的動畫家們卻依然執著於試驗與藝術化的道路。這從兩者對於同步聲音技術的運用上就可見一斑。在美國，人物聲音主要用來展現角色的特徵和個性；而在歐洲，聲音效果卻被用來作為實驗的「素材」。事實上，歐洲的動畫家幾乎將動畫片中的畫面和音效之間的配合發揮到了極致。這些有益的嘗試與探索，極大地豐富了動畫片的表現手法，對動畫藝術的發展進步起到了推動作用。但是，動畫片畢竟是一種需要高投入的文化產品，如果沒有完整的產業鏈條支撐就很難作大作強。隨著美國動畫片的大舉進入，歐洲本土的實驗動畫也逐漸的凋敝了下去。 也許沒有人會想到，第二次世界大戰的爆發給了歐洲動畫業一次「中興」的機會。由於大戰的影響，原本連成一片的世界卡通市場被分割成了若干塊，客觀上刺激了各國卡通業的獨立發展。同時，因為許多國家的政府都把動畫片作為戰爭動員和宣傳的重要手段，所以開始出現了以政府投資來扶植本國動畫業發展的局面。 在戰時的英國，新成立的「哈拉斯和巴契樂」動畫公司受英國當局的委託，前後共製作了七十多部支援戰爭的動畫宣傳短片。這些短片在英國各地的影院和劇場里放映，對鼓舞英國人民的鬥志起到了積極的作用。類似的「戰爭動畫」，也曾經出現在美國、日本這樣的參戰國家裡。戰後，雖然不必再將動畫片作為戰爭動員的手段，但是它依然是一種重要的宣傳媒介，因而受到政府和民間機構的廣泛重視。動畫片作為一種媒介被運用在公眾關系、企業廣告、文化教育，乃至政治競選等方方面面。這使得歐洲的動畫業找到了新的支點。 與西歐國家相比，東歐和前蘇聯的動畫業稍顯滯後，但卻有著屬於自己的風格和體系。亞歷山大·巴斯克金、布拉姆帕格姊妹等都是前蘇聯動畫界的傑出代表。其中，布拉姆帕格姊妹在1925年完成《中國烽火》（Chinese on Fire），更是為中國觀眾所熟知。雖然有的西方評論家認為俄國的動畫片過於刻板，但是從總體上看，前蘇聯的動畫家還是從本國的豐富文化遺產中發掘了大量優秀的素材，拍攝出了不少優秀的動畫作品。 讓我們再回到美國。在「黃金時代」末期出現的多元化的風格被新一代的美國漫畫家所繼承，從而產生了許多優秀的漫畫作品。 1950年10月2日，美國著名漫畫家查爾斯·舒爾茨（Charles Schulz）開始發表他的《花生》系列漫畫（PEANUTS）。在那以後的五十年裡，花生系列取得了空前的成功，先後被翻譯成21種語言，在75個國家的2600餘家報紙上刊登過。漫畫的主角小狗「史努比」更是成為了號稱擁有「全球三億五千萬忠實讀者」的超級漫畫明星。

『拾』 美國動畫電影《花木蘭》中所蘊含的中華民族文化元素

1、該片改編自中國民間樂府詩《木蘭辭》，講述了花木蘭代父從軍，抵禦匈奴入侵的故事。

2、保留中國風格，迪士尼在拍攝前仔細研究中國武術的一招一式。並且公司聘請了中國內地和港台的一大批文學家、歷史學家、藝術家，對影片的腳本、情景、造型等進行了反復研究審核，以保持其中國的特點和原著的精神。

3、整部影片具有中國水墨畫的風格。

4、在美國動畫電影《花木蘭》的音樂也同樣採用了多種東方樂器和許多中國旋律。

(10)動漫電影中文化形象的定義擴展閱讀

《花木蘭》劇情簡介

在古老的中國，有一位個性爽朗，性情善良的好女孩，名字叫做花木蘭，身為花家的大女兒，花木蘭在父母開明的教悔下，一直很期待自己能花家帶來榮耀。

不過就在北方匈奴來犯，國家正大舉徵兵的時候，木蘭年邁的父親竟也被徵召上戰場，傷心的花木蘭害怕父親會一去不返，便趁著午夜假扮成男裝，偷走父親的盔甲，代替父親上戰場去。

花家的祖宗為保護花木蘭，於是派出一隻心地善良的木須龍去陪伴她，這只講話像連珠炮又愛生氣的小龍，在一路上為木蘭帶來許多歡笑與協助。從軍之後，花木蘭靠著自己的堅持的毅力與耐性，通過了許多困難的訓練與考驗，也成為軍中不可或缺的大將。

在這么艱難的時刻里，木須龍一直陪伴在她身邊，不時給她精神上的支持與鼓勵，而憑著一股堅強的意志與要為花家帶來榮耀的信念，木蘭最後協助朝廷大軍抵擋了匈奴的來犯，救了全中國。