法國電影藝術家鑒賞

A. 關於奧斯卡獲獎電影《藝術家》有什麼評價

《藝術家》以黑白默片的表現形式拍攝，音樂、字卡交代劇情，音效、雙關闡述默片與有聲片的藝術形式與角色關系，值得玩味。

片頭襯著傳統配樂的字幕圖案來呈現演職員名單。以一段科幻冒險片引領開場，之後發現這不過是電影院中正在播放的一部「戲中戲」，伊始就已透過為默片配樂的雄壯交響樂來暗示「有聲」與「無聲」的緊密結合，來營造反諷效果與隱喻意味，頗具巧思。

故事上則採用年代體，最初時間為1927年，正值默片與有聲片交替時期。世界第一部有聲片《爵士歌手》（The Jazz Singer）便是誕生於這一年。而《藝術家》中的男主角喬治.瓦倫汀是無聲片時代的大明星，他在影院外做宣傳時與迷戀他的女影迷佩蒂相識。而佩蒂恰好在這個有聲片崛起的時期進入影壇。

B. 法國經典電影推薦

法國經典電影推薦：

1、天使愛美麗

《芳芳》是最著名的經典法國片之一，這部浪漫愛情電影講述了即將結婚的見習醫生亞歷山大邂逅香水專業的學生芳芳後墜入情網，在芳芳與未婚妻間矛盾掙扎，陷入靈與肉的兩難境地難以抉擇的故事。

法國式的浪漫和蘇菲·瑪索的美麗在本片中表現得淋漓盡致，該片曾獲得戛納電影節最受歡迎電影，也是當年法國最賣座的影片。

C. 影片賞析之《藝術家》

       眾所周知，電影起源於法國巴黎。1895年，盧米埃爾兄弟拍攝的《火車進站》，一分鍾的會動的鏡頭在法國一家地下咖啡館上映，就此開啟了無聲電影時代。在2011年，一部致敬好萊塢的懷舊默片《藝術家》上映了，這是一部美式愛情作品，但這愛，講述的是對電影的愛，確切地說，是對無聲電影時代的愛。

       故事背景設置在1927年，這是有聲電影沖擊無聲電影的重要年份。影片用極為細膩的手法展現了對未來毫無知覺的默片時代的藝術家的種種焦慮和不適。故事中喬治·瓦倫丁是原來默片時代風光無限的明星，在鎂光燈和粉絲追逐中，他自我陶醉並形成了驕傲自負的性格。性格極好，又肯努力的派茜·米勒當時因為和喬治的合作而有了一點名氣，得到了一些機會，一步步努力著，且派茜心中十分欽慕喬治。在有聲電影時代來臨時，派茜投入有聲電影的大潮中，一炮而紅，事業如日中天。而喬治卻不願意接受這一新事物，堅守著自己對於無聲電影的那份喜歡，拒絕了一切有聲電影的邀約。但是漸漸地，隨著時代的發展，無聲電影漸漸淡出歷史舞台，喬治接受不了，決心自己投資拍攝一部無聲電影，想藉此重新將無聲電影帶回大眾的視野中。但這是一場註定失敗的冒險。電影不賣座，與此同時，股市崩盤，喬治破產了，孑然一身的他不得不變賣家產，接受默片已經退出歷史舞台的現實，這時候，他的妻子也離開了他。絕望的喬治燒掉了自己之前拍攝的所有的無聲電影的錄影帶，卻把和派茜合拍的電影死死抱住。

       在有聲電影時代事業如日中天的派茜一直關注，愛慕著喬治。在火災之後，喬治被派茜接到自己家中休養，卻在無意中發現自己被拍賣走的物品，強烈的自尊心和受挫感使喬治企圖吞槍自殺，關鍵時刻派茜趕到，在一番勸說之下，喬治答應和派茜一起拍有聲電影。最後，在派茜的積極勸說和情感慰藉之下，喬治順利過渡到了有聲時代，再度展現了自己的表演天賦和藝術才華。

       在柴焰老師的講解中，有提到為什麼《藝術家》會在國際影壇上風靡這么久，並在2012年的奧斯卡頒獎典禮上斬獲五項大獎：

1，以「技術」倒退的逆向思維展現純粹的不加矯飾的電影藝術之美。

2，影片巧妙地利用了觀眾對好萊塢時代的懷舊心理。

3，現代的拍攝手法（包括影片中男主人公酒吧買醉的那一段，鏡頭從男主人公轉向桌面上的倒影，在慢慢轉向男主人公，還有斜鏡頭等）。

       那現在來談一談《藝術家》帶給我的一些感受。隨著技術在不斷革新，科技不斷發展，許多我們原有的生活方式，生存方式，運用工具都在發展。有了計算機，再復雜的計算也不過幾秒，通曉較為原始的計算工具——算盤的人就寥寥無幾了，現在孩子幾乎不知道算盤是什麼。有了自動化工具，鐵雕的部分工藝已不再需要鍋爐，直接用輕便的點焊方式去代替。有了互聯網，很多時候大家也不必為了看一場演出而露天站立了。互聯網時代，技術化時代，我們在享受時代的發展給我們帶來的如此大的便利的同時，那些傳統的工具，方式，包括，茶藝，書法這等千古流傳的傳統技藝，或者說是文化，我們對它們的標簽已經脫離日常依賴，將之作為藝術了。現代的技藝與工具，給我們帶來的是更好的各種體驗，但追溯到源頭的那些東西，似乎，我們都習慣了用「韻味」一詞去概括。而所謂的藝術或者是韻味，在我看來，就是不落實處，不能完完全全表達清楚。因為落實地清楚了，就俗了。

        回到《藝術家》，不適應時代發展的守成是不是死板，我覺得，如果是技術上，是；如果是原則上，方法上，不一定。因為，還有種東西，叫傳承。

D. 戈達爾一生有過哪些作品所獲得的成就有哪些

戈達爾是一位法國導演，在91歲時去世，他一生拍過很多影視作品，比如《精疲力盡》和《愛情與憤怒》，他曾獲得終身成就獎，是一位德藝雙馨的好導演。

戈達爾在電影界上的成就是空前絕後的，他打破了法國傳統敘述方式的拍攝，是無劇本拍攝的鼻祖。他的電影都非常富有創新性，而且打破國家的界限，能夠把全國各地融入在一起，給人一種靈魂的共鳴。他是法國的國寶，也是一位電影天才，他的去世引起了全國的震撼，就連導演王小帥都說，戈達爾的去世讓電影歷史停下了腳步。

戈達爾是當之無愧的藝術家，他的去世是導演界的損失，而他所留下的經典之作，永遠在人們心中定格成永恆。

E. 法國大導演戈達爾為什麼會選擇安樂死離世，如何評價他的選擇

30歲的戈達爾完成了他的第一部長片電影《精疲力盡》，隨後獲得柏林電影節最佳導演 獎。幾乎在同一時期，里維特拍了《巴黎屬於我們》，夏布洛爾拿出了《表兄弟》，特呂弗也推出 了《四百擊》。 以戈達爾為代表的這批年輕導演強調「作者性」，認為拍電影就是「寫作」。電影內容的主題也更 加偏向現實主義，強調生活流，注重展現人的體驗和精神過程。這被當時的新聞記者們稱之為「新 浪潮」。 

《當代電影》雜志曾寫道：「新浪潮運動為法國乃至世界留下了寶貴的電影文化遺產，影響波及許 多國家，如上世紀六十年代的德國新電影、美國新電影、巴西新電影等等，甚至上世紀八十年代後 期中國的第五代電影也是踏著法國新浪潮的餘波走向了國際影壇。」 在《戈達爾訪談錄》中有這樣一段對話。觀眾認為戈達爾在其作品中融入過多其他元素。

五、他在18歲時回到巴黎，通過參加在巴黎市內拉
丁區的電影放映會開始接觸電影。在電影會，戈達爾認識了一大批後來同他一道成為法國電影新浪
潮的代表人物，包括安德烈·巴贊、克勞德·夏布洛爾、弗朗索瓦·特呂弗等人。安德烈·巴贊創辦了如今在電影評論界最負盛名的刊物《電影手冊》，戈達爾和埃里克·侯
麥、雅克·里維特轉而為其撰稿。但在隨後的時光里，這一批影評人都先後轉向了電影導演。 

電影世界的成功範式由好萊塢締造。派拉蒙、福克斯、米高梅等大公司掌控了「什
么是電影」的話語權。能吸引觀眾的故事、跌宕起伏的敘事、有影響力的明星演員，以及普世價值
觀是一部主流好電影的標配。
但戈達爾等人認為電影的本質是寫實。他提出「電影就是每秒24格的真實」的口號，認為經典好萊
塢式電影是一種將藝術和生活區隔開的虛假銀幕世界。

F. 2012年奧斯卡最佳影片《藝術家》我感覺情節很平淡，但為何能獲奧斯卡獎呢

因為是黑白電影默片，形式新穎，再者那種愛情不是很美好嗎，個人覺得正是沒有其他電影的喧囂才好看的，其中也闡述了電影發展史和好萊塢的生活吧

G. 戈達爾算是法國最偉大的電影人嗎他的電影有什麼特點

在法國戈達爾也是比較出名的一個導演，拍攝過很多影視作品，受到了觀眾的認可，而這些作品都是比較有特點的，戈達爾在拍攝電影的手法上跟其他導演有一些差別，戈達爾會更加喜歡記錄真實的一面，拍攝出來大部分的作品都會給人很真實的感覺。戈拉爾拍電影的時候，想法也是比較大膽的敢於創新和挑戰。《隨心所欲》這個作品在播出之後就獲得了特別獎項。《狂人皮埃羅》也獲得過金獅獎，《已婚婦人》，《女人就是女人》，《中國姑娘》，《受難記》等電影在上映之後都取得了很不錯的成績，戈達爾也因此也獲得了無數獎項。

戈達爾的去世也讓很多粉絲都感覺到惋惜，畢竟在電影界的地位也是無法撼動的，在這些作品當中也能夠感受到哥達爾的用意，拍攝的電影都以真實為主。在法國戈達爾也是有很多崇拜者的，而且很多導演也都非常想要跟戈達爾學習拍攝技巧，在電影界當中也給電影的形式賦予了新的意義。

H. 《藝術家》是一部什麼影片

《藝術家》是一部：

充滿詩意而動人的純音樂劇，盡管沒有台詞，但它卻在無聲中講述了一個永恆的浪漫故事。默片就是無聲電影。1895年12月28日，法國的盧米埃爾兄弟在巴黎的一家咖啡館的地下室里放映了世界上第一部影片。這一天通常被認為是現代電影的誕生日，此時的電影還是無聲的。

其實，錄音技術在當時已經被發明出來了，不過電影依然啞了很久。早年的電影觀眾們最多在無聲電影現場，聽聽樂隊演奏的、供烘托氣氛用的背景音樂。

相關如下

有聲電影遲遲不能出現，是因為做不到「音畫同步」。同時用留聲機、電影機播放聲音和畫面，只是折中的做法，效率低且無法適應工業量產。人們需要這樣一件電影設備，它可以同時記錄下聲音、畫面，並存儲在同一載體上。

一位牛人在關鍵時刻出手了，1910年8月27日愛迪生宣布發明了有聲電影。此後，經過大約10多年的改進，有聲電影逐漸進入了電影工業。盡管無聲電影大師們對此很抵觸，但終究擋不住市場的需求。20世紀30年代後期，默片徹底退出了歷史舞台。

電影《藝術家》以（幾乎）全程無聲的形式講述了在默片衰敗之際，一位默片明星經歷的種種風波。不 管怎樣，作為電影觀眾來說，這些創造電影藝術的前輩都值得致敬。《藝術家》就是這樣帶給我們歷史的重溫，導游邁克爾·哈扎納維希烏斯用最大膽的手法，重現 了黑白默片時代的輝煌。

I. 什麼是法國詩意電影它的聲音表達有何特點

30年代的法國詩意現實主義，繼承了20年代先鋒主義電影運動中的創新精神和實驗精神。優秀的法國電影藝術家們，以充沛的精力，接受了電影聲音的挑戰。他們並沒有完全背離視覺的表現力，而是有意地避免默片那種只能在畫面上作戲的方式，並富於想像力地去創造著一種新的藝術形式』。他們在影片中，往往以詩意的對話，引人人勝的視覺影象，透徹的社會分析，復雜的虛構結構，豐富多彩的哲理暗示，以及機智與魅力構成了一個復雜的、細膩的混合體，表現出法國電影在思想上的成熟。、詩意現實主義的出現與社會現實有著一定的聯系。20年代被稱作「瘋狂的年代」，人們剛從每一次世界大戰中蘇醒過來，在生活企表現出一種放縱，在藝術上則是大解放，其中電影是最為明顯的：放縱的終點是經濟大蕭條的出現。而法國比較歐洲的其他國家，經濟蕭條和危機的時間都要更長一些(1929年一1935年)。人們開始注意到如何活下去，並不得不在日常生活中去尋找一點點樂趣，一點點詩意。但是，法國電影的投資方式既不是國家的，也不是資本家的。因此，他們的現實主義既不是：好萊塢式」的，也不是「夏伯陽式」的。法國的電影藝術家們，在他們的作品中，表現出了作為獨立個人的特性(個性)，使影片真正成為了藝術品，而同時也具有一定的商業性。因此，他們的影片在這段時期，不僅只是在他們的「電影俱樂部」中為少數藝術家觀賞，而且也能夠在法國普遍的影院網路中，被更廣泛的人們所接受。在當時的法國，一些投資商或製片人，常常認為是具有一定文化修養的人，他們有時為藝術敢於冒風險。同時，由於與國外電影業的競爭，也出現了商業上的競爭。競爭促使了藝術上的成熟，這的確是非常有意思的事情。一些導演由此出了名，而被國外請去拍片子，比如：雷內。克萊爾去了英國、杜維威爾去了美國，等等。

聲音的處理。1.語言的運用上的特點：一是，德、法、英、俄的四種語言在影片中的混用，它豐富了電影聲音的表現，同時，語言本身的沖突又造成了敘事的戲劇性和復雜性。二是，影片中的語言和對話同時表明著人物的不同身份和階層，說明著人的隔閡狀態。不過，影片中的很多語言也應該說是帶有很強的人工雕琢的痕跡的。2.音樂的處理，它幾乎起到主導影片動機的作用。《大幻滅》鮮明地譴責了那個造成這場大戰，並將被這場大戰所消滅的統治階級的墮落和多餘的人物。歐洲的貴族隨著第一次世界大戰，做了姿態優雅的自殺。把生命變成冷酷無情的謀殺的游戲，並附有一套人造的規則，最終就是把生命變成死亡」，影片《游戲規則》則以一個專門的主題進行了表現，描繪一個死亡社會的死亡的價值——實際上是兩個死亡的社會——富有的主人的社會和那個模仿他們主人的假紳士派的寄生的僕人的社會。主人和僕人都是重儀表輕真誠和人情的坦率表露，其必然結果就是死亡。

J. 呂克·貝松的概況 他電影的特點及鏡頭運用的特點 別復制

呂克·貝松1959年3月18日生於法國巴黎，幼年的理想是做一名潛水運動員和航海家。但是17歲時的一次潛水事故打破了他的童年夢想。貝松很快調整了自己人生的目標。決心做一名電影製片人，於是19歲那年來到美國洛杉磯，學習了3個月的電影製作課程。並開始拍攝一些試驗短片。1983年，貝松的電影處女作《最後的戰斗》問世，這部多次獲獎的黑白、寬銀幕的無聲科幻片，據說是23歲的他用3法郎六蘇拍成的。呂克·貝松似乎向世人證明了，在法國即使沒有受過專業的電影教育，找不到投資，依舊可以拍出與眾不同的電影。也正因如此，貝松曾經一度被奉為法國年輕導演的開路先鋒，不管他樂意不樂意這一稱呼。 《地鐵》和《碧海藍天》為呂克·貝松在國內和國際贏得了聲譽。雖然當年的法國凱撒獎有點吝嗇地僅僅將「最佳錄音」和「最佳音樂」獎授予《碧海藍天》．但是貝松卻公開表示這部影片是其導演生涯中最為得意的作品。畢竟，這部作品傾注了貝松少年時的激情和夢想，貝松終於可以用他的攝影機捕捉他童年時代所看到的海洋的光影和生命。影片中的潛水員傑克最後葬身大海，更確切的說，那是他真正的生存，傑克莫不就是貝松理想中的化身？

80年代的法國有所謂BBC年輕導演之說，即專指Beinex、 Besson、 Carax（貝內克斯、貝松、卡拉克斯）這三位新銳導演盡管有很多相同與不同，但其最大的共同點卻是對藍色莫名其妙的偏愛。從貝內克斯1980年拍的《女歌星》開始，藍色就充滿了銀慕，卡拉卡斯則拍了《卑賤的血統》；而貝松的《碧海藍天》更是從片名到內容都藍色的調子。貝松苦心孤詣營造的對大海的嚮往和浪漫情懷自然是無人能比，其精彩的水下攝影恐怕令《鋼琴課》和《泰但尼克號》的導演也受益匪淺。

《尼基塔》與《殺手萊昂》是呂克·貝松由藝術影片向商業影片的成功過渡。《尼基塔》講述了一個暴力團女成員是如何被改造為國家職業特工殺手的過程，其特工殺手的身份和她內心深處愛情和人性的萌動構成了這部影片的獨到之處，而《殺手萊昂》講述 了一個渴望從善的殺手和一個渴望復仇從惡的女孩之間的故事。這部帶有藝術氣質的法國商業片至今仍是世界各國的電影學子們精精樂道的範例，其中的許多細節諸如萊昂身邊的那株綠色的植物和「記住永遠不要殺婦女和孩子」等精彩對白令人難忘。單憑那株綠色的植物，就不是好萊塢的編劇所能想到的。《殺手萊昂》奪得了當年凱撒獎最佳影片獎，貝松則榮獲最佳導演獎。自90年代以來，法國藝術電影的繁榮將法國商業電影推到了一種尷尬的境地，在法國以外的地方，拍藝術電影是靂要很大的勇氣的，因為你要面臨著嚴峻的生存問題，在法國則不同，如果一個電影藝術家要去拍迎合大眾口味的商業電影，似乎而要更大的勇氣。呂克·貝松就是這樣一位「不合時宜」的導演。

80年代中期，貝松拍攝了《地鐵》，《碧海藍天》等藝術電影之後，被法國評論界稱為前途無限的年輕導演； 90年代貝松在拍攝了《殺手萊昂》、《第五元素》之後，卻受到了法國電影理論界的輕視。《第五元素》1997年在全球創下了2億7千萬美元的收益，名列當年世界電影的第三名，不管評論界如何評論這部電影，它向我們展示了一個法國導演眼中的未來世界，在電腦高科技與時空交錯的敘事中，帶給我們一絲不同於好萊塢大片的歷史和人文內涵。

呂克·貝松是當代法國電影影壇最受矚目而有爭議最大的導演。盡管《第五元素》在商業上的成功使得法國最大的電影公司高蒙公司的營業額翻了一翻，但是貝松在國內卻常常被說成是向好萊塢電影投降的反面典型。為此，苦悶的貝松常常要飄浮過海去好萊塢尋覓知音。影片《第五元素》集科幻、驚險和打鬥於一身，是歐洲有史以來第一部成本高達近一億美元的英語對白影片，顯示了法國電影人復興本國和歐洲電影業的決心和勇氣，影片萊獲1997年戛納國際電影節技術大獎，真故事內容本是呂克·貝松在16歲時就開始構思，當時盧卡斯的《星球大戰》剛剛問世，顯然貝松的想像和構思與之相比還很不成熟。

事隔20年之後，貝松依舊念念不忘少年時代的構想，經過20年的籌劃．該劇本具備了貝松前五部故事片的基本要素。雖然有評論認為《第五元素》似乎更像是一部法國未來主義的滑稽笑劇，認為不過是視覺效果做得好，但是1997年在第50屆夏納電影節開幕式上作為開幕影片放映的時候，這部表現人類未來23世紀的科幻片還是引起了轟動。影片中，布魯斯·威利斯扮演的主人公駕駛著他的那輛抗地球引力的黃色出租汽車飛越紐約城市上空的鏡頭，與盧卡斯的星際字宙飛船相比毫不遜色。當年那個看著《星球大戰》長大的貝松，20年後終於和盧卡斯站到了一起。

早在《碧海藍天》中，呂克·貝松就顯示出他對大製作和宏大場面的迷戀與追求。從《第五元素》和《聖女貞德》開始，貝松日漸游離他過去所從屬的那種電影形態，將目光瞄準了國際市場，不僅在類型方式上玩盡花招，還在製作成本上不斷升級，這也許就是貝松在本國遭到非議的主要原因。而此時的好萊塢也開始在世界各國招兵買馬，其首選就是吳宇森和呂克·貝松。貝松法國式的浪漫風情以及吳宇森東方味的英雄情結倍受好萊塢的青睬與模仿。貝松最終用《第五元素》和《聖女貞德》證明了娛樂大片不是好萊塢的專利，法國人不僅能製造低成本、小製作的藝術電影，還能生產在全球盈利的商業巨片，一個法國人可以在美國的地盤上「與他們相抗衡。今天的貝松似乎成了成功的榜樣，我們可以毫不猶豫地將他看作和斯皮爾伯格同一類型的商業片大導演，但是殊不知貝松能夠走到今天。付出了極大的代價。

作為第一部高成本的歐洲影片，《第五元素》1997年夏天在影院公映的時候，開始票房並不令人樂觀，看慣了藝術影片的法國觀眾和受到好萊塢商業大片熏陶的美國觀眾並不抱有太多的興趣。影評人的反映也是貶大子褒，影片最為致命之處還在於它高達1億美元的巨額成本。但是奇跡出現了，《第五元素》居然克服了它的先天不足和不祥預兆，在不到一個月的時間里在幾個主要西方國家廣泛放映，影片是大賺了一筆，但是評論界對貝松和這部影片的依舊低調處理。

呂克·貝松並不因為這些評價動搖自己的追求和信念，他要拍一部法國人和美國人都叫好的影片。他的《聖女貞德》選取了歷史和現實，民族和國際的恰當交融，拍完之後好評人潮。聖女貞德是法國人心目中的女神，她以自己的生命成就了一曲不朽的傳說。有關聖女貞德的，視作品不計其數，可是只有三部影片值得在電影史上留下一筆，他們分別是：德萊葉導演的為電影默片時代劃上精彩句號的《聖女貞德受難記》；布萊松導演的極度忠實於宗教情節和原審判材料的《聖女貞德受難》：呂克·貝松耗時三年拍攝的史詩性巨片《聖女貞德》。

布萊松的《聖女貞德受騅》僅僅截取了貞德受審和走向火刑架的一段史實，表現了女主人公的宗教信念和歷史的真實瞬間。而呂克，貝松的《聖女貞德》則展示了波瀾壯闊的英法百年戰爭和貞德作為一個少女和法蘭西戰士的浪漫情懷。和布萊松一樣，呂克，貝松也是注國影壇一位孤獨的探索者，也許這是這兩位不同時代的法國導演的唯一相同之處。也許正是這唯一的相同，才使得他們同樣偏愛貞德這個歷史人物，只不過他們詮釋歷史人物的方式有所不同。在呂克·貝松的導演手記里我們看到貝松對貞德的評價：、貞德是我們的先祖，在她的信念和純真之間捕捉到的東西，又在她的時代失去，正像我們在自己的時代所失去的一樣，」貝松在這部影片中表達了自己對於這段歷史的獨到思考：「難道人類的思想必得沿著如此曲折的道路，才能發現隱藏在邪惡背後的善良嗎？」

呂克·貝松這位影壇孤獨的探索者，即使是在他的商業巨片中，我們也可以感受到他對歷史和生命的終極認識，觸摸到他作為一名法蘭西戰士的心路歷程。無論是《碧海藍天》中的傑克，是《殺手萊昂》中的殺手，還是《聖女貞德》中貞德，我們都會感到：這就是呂克·貝松。