卓别林电影小孩观后感

❶ 喜剧电影推荐《卓别林》

记得这样一个故事：卓别林因为抑郁症去看心理医生，医生告诉他：”镇子上来了一个小丑，他来了三天这里的人笑了三天，你可以去找找他，他可能会帮到你。”他说那个人就是他。

电影展现了一代喜剧埋渗悄电影大师卓别林的曲折人生。我们只记得他带来的欢笑，却不知道他背后的黯然与酸楚（不要讨论正攵治）。我把我人生的苦难剖开，灌以搞笑形式，辅以娱乐外表，展示给你们看。你们笑了，我落幕了，然后拥着悲伤独自在黑夜中前行。

金·凯瑞评周星驰也是如此：他的喜剧才能，完全来源于绝望。最会博喊旦人欢笑的人，却无法获得自己的快乐。他们无论经历了什么，却总能以乐观豁达的态度向世人传递希望，我想，这就是他们的伟大之处。

搞笑也好，幽默也罢，当我们能够以轻松诙谐的态度讲出那些曾让我们自卑，让我们苦涩的东西时，你会发现，这一切也可以成为生活里的开心果。这是人生路上悠悠然释怀的生活态度，当然，也可以说是人生的一种修行。

电影《卓别林》
评分：8.6分
时长：143分钟
主演：小罗伯弯渣特·唐尼

❷ 卓别林电影的观后感

我们的文化里没有卓别林，但我们有张大民。两者在市民文化里的类型比较相似，都是卑微却不悲伤的小人物。 卓别林之所以比张大民耀眼无数倍，一是因为机遇，他作为优秀的哑剧演员恰好赶上了默片时代的辉煌期。时代造就了他，而且他正好也顺应了那个时代的诸种诉求。 另一个，由于默片没有语言，天然的拥有无国界性质，随着各国文化的交流，超越界限的东西总是首先被人理解和接受。 反过来说，张大民则是作为中国改革开放初期，京味市民文化的一个虚拟人物。虽然同样是微笑含泪，但卓别林是活的，他虽然不能张口，但可以用肢体模拟各种人物，包括为人津津乐道的“黑特乐”，塑造的类型越多，越有可能成为传奇与不朽。而张大民虽然拥有一张贫嘴（却也只有一张贫嘴而已），但他永远只能是张大民，给观众带来的欢笑与泪水总是在这同一个名字背后，不管是冯巩还是梁冠华来扮演。 但是，卓别林和张大民代表的是同一个阶层，他们的生活也是那个阶层的真实生活遭遇，而这个阶层是每个民族每个国家都具有的，正是这个被贬损被侮辱被压榨的阶层构成了一个社会庞大的中下层基石。 说了一摞废话，无非想证明，所有区域性文化里都有卓别林，但近100年唯一被我们熟知且铭记的，是那个英国佬卓别林。所以，不论他死的多么凄凉，但从这方面讲，他十分幸运。 再就本片说一下。 《寻子遇仙记》这个片名翻译得很好，显然译者看懂了影片想要说什么、在说些什么。虽然整个故事大部分都在写实，梦只占结尾一小段（相对全片来说），但那个时候连席德.菲尔德他妈在哪都没人知道，自然也就没有好事者来规定电影“一二一”的结构。 故事看似讲一个苦人救孤记，但是却在绕着弯说这个“吃人的社会”。这段梦，放在玻璃匠（卓别林扮演）完全绝望之后，也可略见创作者的用意——既然现实让人如此绝望，那就在梦里寻找安慰吧！ 而这个安慰的梦却又是一个另外的地狱，陋巷变天堂，所有人其乐融融，没有悲伤和贫困。但天堂也最终也受罪恶侵蚀，勾引、天真、嫉妒、暴力，这一切杀死了刚刚变成天使、得到所谓永恒欢乐的玻璃匠。既可以说这一段是对玻璃匠前面遭遇的总结和再渲染，也可以说是卓别林对美国那时糟糕的生存现状的由衷之言。 这个世界不是什么好的地方，只是我们已经在了这里。 我们的存在不因我们的意愿，而因为存在的就是要存在。

❸ 卓别林的电影的观后感拜托各位大神

卓别林是20世纪享誉世界的伟大电影艺术家。他的创作跨越无声电影和有声电影两个时代。一生作品或长或短，大概81部。要说他的无声影片，影响较大的主要有：狗的生涯（1918），孩子（1921），从军记（1918），淘金记（1925），城市之光（1931），摩登时代（1936）等等。 卓别林早期的影片多从他本人的生活经历出发，反映社会底层的小人物的生活和奋斗。搞笑的噱头层出不穷。那时候卓别林的电影甚至没有剧本，演员自由发挥，打打闹闹，经过剪辑，就是一卷。后期的影片，卓别林开始有意识地反映社会问题，思想内容逐渐丰富，对社会的批判也趋于深刻，剧中的人物也比早期电影更有血有肉，反映的社会画面也更为广阔，创作的风格终于成熟起来。 卓别林的电影，可以让人一会儿笑，一会儿哭。很多人可以在他的影片中或多或少看到自己的影子。卓别林的幽默表演，风格独特，又符合生活逻辑，让人百看不厌。而且他的表演风格和他要表达的思想是统一的。随便举个小例：在《孩子》中，卓别林出场那一段。破衣烂衫，手套露指头。但他仍保持着优雅的举止。充分显示了小人物的自尊。你看他从兜里翻找烟头，然后把手套打量一下最后扔掉那一段表演，动作稳健优美，又令人忍俊不禁。（其实不只卓别林，影片中其他演员的表演也同样稳健优美，没有一点多余的动作。所有的肢体表演都是语言。如《孩子》中那个大个子警察。） 与我们今天的某些影视作品从表现手法上做个比较，有一点引起我的注意。今天的影视作品，特别喜欢用面部特写，好像要把观众揪到演员脸前，好让观众牢牢认住他们。举个小例：近年拍的电视连续剧《水浒传》，有这样一个镜头：鲁智深在五台山和众僧人打起来了，镜头几乎贴到鲁智深演员的脸上，汗毛孔都看见了。在那种情况下，有什么道理这样拍摄呢？贴得那么近，人的威武气概怎么表现？好多所谓城市情感剧，就更是喜欢面部特写。而卓别林的电影，他就很少使用面部特写。通常演员身体的2/3直至全身，都会出现在画面上。卓别林说，我的全身都会表演。的确是这样。这才是演员啊。 卓别林的表演，超越了所谓“性格表演”和“本色表演”的概念。他演什么像什么，同时又始终保持别人不能替代的风格。达到这个水准，不知道演员对生活的观察和领悟达到了什么样的广度和深度。对比一下《狗的生涯》、《淘金记》里的流浪汉和《大独裁者》里的希克（当然后者已是有声了）。看今天的影视作品，感觉许多大腕演什么都是演他自己。而且题材、视野也非常有限，老是自己那个圈子里的事。我很想知道，平时他们花多少时间拍广告、剪彩、商演，又花多少时间深入生活？ 卓别林的无声电影虽然没有对白，但是演员的肢体表演辅以少许字幕，形成了一种流畅的无声语言，一看即懂。他的影片还有另一种语言：音乐。卓别林为自己的很多影片作曲。音乐往往贯穿影片始终。而且，曲调、节奏、色彩与画面反映的环境、人物心理完美配合。如《城市之光》。音乐不仅增强了情节的感染力，而且大大地丰富了电影的美感。先写这几句打住。自己的一点感受而已。受专业和知识水平限制，也只好这样，参与一下。奢望方家有以教之。

❹ 为什么我看卓别林这种黑白电影 会感觉很恐怖 压抑 和不适

这是时代变迁带来的视觉冲击。在黑白电影时代，人们习惯了那种单一色彩的世界，觉得那是一种正常现象。但如今，我们生活在色彩斑斓的世界中，如果再次回到黑白电影的时代，难免会感到不适应。这种不适应感并非来自于电影本身，而是我们的视觉习惯发生了变化。当黑白电影出现在眼前时，这种反差会让人产生一种压抑和不安的情绪，仿佛走进了一个陌生的世界。

以牙医电影为例，黑白画面中的细节和表情无法像彩色电影那样生动地展现出来。比如，牙医手术时的紧张气氛，患者脸上的痛苦表情，这些都需要通过色彩来传达。而在黑白电影中，这些细节需要观众通过其他方式去感受，比如声音和动作。这种缺失让观众无法完全沉浸在电影的情境中，从而产生一种恐怖和不适的感觉。

黑白电影的魅力在于它能够激发观众的想象力。观众需要根据黑白画面中的线索，去填补那些缺失的色彩和情感。这种创作空间虽然带来了更多的想象，但也可能让观众感到不安。黑白电影中的光影变化、线条勾勒和对比强烈，能够营造出一种特殊的氛围。这种氛围往往比色彩斑斓的画面更具表现力，能够更好地表达人物的心理状态和情感变化。

当然，黑白电影的魅力不仅仅在于它带来的视觉冲击，更在于它能够激发观众的想象力。黑白电影中的光影变化、线条勾勒和对比强烈，能够营造出一种特殊的氛围。这种氛围往往比色彩斑斓的画面更具表现力，能够更好地表达人物的心理状态和情感变化。比如，卓别林的电影，虽然色彩单一，但通过光影的变化，他能够将人物的情感表达得淋漓尽致。

总而言之，黑白电影虽然色彩单一，但却能够通过光影的变化、线条的勾勒和对比的强烈，营造出一种特殊的氛围，更好地表达人物的情感和心理状态。而这种特殊的氛围，正是黑白电影的魅力所在。当我们再次观看黑白电影时，不妨将自己置身于那个黑白的世界中，去感受那些黑白画面带来的震撼和感动。这或许也是一种独特的观影体验。

❺ 《卓别林自传》读后感

卓别林的作品确实是艺术，因为和一般作品比起来，它很细腻，值得回味。表面看它是一部喜剧，放大看却是一部悲剧。通过个人的诙谐幽默引得众人捧腹大笑，给大家带来欢乐。

他的作品虽然都有一个滑稽，搞笑的小丑，但这个小丑的行为又是那么自然而不做作，也许只是我们把他当成小丑，先入为主的觉得是小丑，他实际不过是生活中一个无关紧要的小角色，反而在诙谐幽默的同时透着一股善良，真诚，温柔，它反映了整个社会不为人知的一面——社会不光有光鲜亮丽的一面，也有饥寒交加，食不果腹，拼命生存的一面。

把悲剧藏在喜剧中，通过个人的喜剧方式进一步来反映整个社会、个体的悲哀，这应该就是所谓的内涵，这比起表面上，形式上的电影作品更加耐人寻味。如果用形式和内容来说，拍摄手法，表演技巧，故事情节都可算作形式，可电影最重要的是内容，也就是向大家传递什么——思想，情感，知识。普通的电影只停留在表面上，传递给观众的只是肤浅的信息，用来帮助观众娱乐消遣，带来一定欢娱，并不具有其他东西。卓别林的作品伟大就伟大在这里，除了形式上带来快乐，在内容上它更赋予了一种意义，而这种形式和意义中往往好像又包含着另外一层形式和意义。

我不知道他的作品里有没有一种悲哀：我们觉得主演的表情、动作非常滑稽，搞笑，所以放声大笑，我们在笑电影中人物的同时，是否能想到他扮演的恰恰是我们中的某一些人？如果说我们以为自己只是因为电影而笑，却不知道我们笑的当中有一部分就是我们自己，这真的是一种悲哀，悲哀的不光是电影反映出的社会。

很显然卓别林的艺术修养，一方面跟他的个人成长经历有关。母亲和父亲都是演员，母亲每次演出都带着他，从小就教给他戏剧方面的知识，同时树立比较正的价值观，即使少年时生活很贫穷——母亲失业，父亲不付抚养费，母亲依然避免他走向另外一种贫穷（物质的贫穷）———为了生存，小卓别林在酒馆靠卖惨卖花，母亲知道后阻止了他，并教训他忘记了他父亲是怎么死的吗（死于酗酒）？且告诉他，他们的贫穷和普通贫穷是不一样。同时他的哥哥继承了母亲的品质，在他们功成名就时，哥哥总是有意无意提醒查理别忘记了自己。这对查理的一生的影响都是巨大，即使在后面取得巨大成功，名声，财富，地位等，这些物质的财富并没有腐蚀他，他始终保持着一颗艺术的心。这在整个好莱坞艺术娱乐圈是非常难得，很多明星在未成名前都有着一颗高尚的艺术之心，一旦成名，迅速被财富，金钱，名声，毒品，地位，美女，美酒，性……给腐蚀，每天就是一种醉生梦死的状态，无时不刻都在享受着纵欲带来的快感，他们的艺术之心已经死亡，艺术上的成长已经停止。相比卓别林，能保持初心的，确实是非常难得的。

少年时代的贫穷虽然很苦，但也磨练出很多优良的品质，比方坚强，吃苦，忍耐，努力，勤奋，善于观察………其中观察估计对他的艺术修养有非常大的帮助，小卓别林会经常坐在街边观察路上行人，同时会和很多底层老百姓交流，有时会做些小买卖补贴家用，相信这对他艺术修养是非常关键的，再后来他去各国旅游度假时，我很惊讶他能一句话就指出当地的特点，比方日本文化总是能在忙碌的生活中去享受生活中简单的片刻，欧洲人的文化中有一一种矫揉造作的成分，美国文化的自由是个笑话………

个人觉得卓别林少年时代的贫穷和她的母亲还是有很大关系，完全就不知道存钱，有多少花多少，不知道省吃俭用，虽然她很爱自己的孩子，也拼命的工作，但最后结局还是挺惨的，自己疯了，两个孩子上寄宿学校，不过大儿子雪尼还是不错，知道了存钱，做事有规划，长大后非常善于理财，做生意。

其次在查理取得一定小名声，包括后来的巨大成功，他都没有停止学习的步伐，他没有被物质财富给俘获，也没有为它们所累，而是知道去享受它，利用它。同时在精神上，他发现自己的不足，有些江郎才尽，他会主动的读书学习，结交各种社会名人，他自己也没想到，跟自己最要好的大多都是画家，音乐家，科学家，作家，当然也会结交一些名流，政治家，xx爵士，xx亲王，xx总理。比方毛姆，萧伯纳，爱因斯坦，罗斯福，约翰逊，丘吉尔，甘地………这些都是顶级智慧，顶级艺术家，在这种文化氛围中，艺术上的成长肯定是巨大的。

当然他艺术上的成就离不开他的见识，他能到世界各地去演出，休假，参加各种社交，演讲……无论是眼界，还是思维，格局上，绝对和小明星不能比的。

个人认为卓别林在艺术上的成就最大干系还是是他对待艺术的态度，非常的认真，甚至有些苛刻和严格，别人把电影当成一种商品，他却当成艺术对待，别人想着怎么最快把电影拍出来，他却绞尽脑汁的想着有哪些好的点子，观众喜不喜欢，观众会怎么想。可以说他人都是想着消费，走过场，卓别林却想着怎么去创造，这样的差异导致他和其他电影人的差别。（感觉所有伟大的作家，画家，音乐家……都是在绞尽脑汁的想着创造，而普通人想着的是怎么去消费，这也导致普通人和天才的区别）

从美国的发展看，个人觉得美国是一种对抗文化，缺乏内涵，没有底蕴，缺少一种包含，底蕴，求同存异的内涵。他们的文化只表现在知识上，没有欧洲那种深入的修养，并且这种文化完全成了精英圈的专属，普通人很难挤入。感觉美国就像一个暴发户，然后通过各种资源去吸引世界各地优秀的人加入美国国籍，就像直接拿来的一样，缺少整个民族文化的沉淀。这样的文化好像属于一种初期，欧洲的文化有沉淀，有积累并且早就经历过那种对抗——战争，文化，所以欧洲更加有内涵些。

其次对于美国，对于卓别林的成功，个人觉得离不开一种大胆的尝试，大胆的冒险，大胆的谈判，大胆的开价……电影之前基本都是戏剧，但卓别林敢于尝试新的东西，当然同时代很多类似的人，开电影公司，开酒店，开酒吧，开电影院……这些敢于冒险的人，大多数都取得非凡的成就。所以勇于尝试，可以打破一种界限，有时能踏上时代的列车，借力而行