鳥人電影觀後感

B. 《鳥人》觀後感1000字

書中講述了鳥博士的離奇故事：心高氣傲的鳥博士不滿導師的守舊的學術視野和困於家中生活，乘火車南下投奔好友小七。沒有想到路途中與老鷹沖集團老大相遇，因其過人學識，又想不到被老大賞識聘為特別助理，專門從事老鷹沖重組調研。在出乎意料之外又在情里之中的他由此接觸並調查了社會灰色地帶的所有勢力，並與瘦狗村相聯系，得出了市場經濟與集體主義關系的回答。這個報告被農貿部長所賞識，鳥博士因此成了部長特別助理，被任命為特管會主任，由此一步步進入上流社會，並用魔幻現實主義筆法記錄下一路見聞，千奇百怪的人情世態。可是我讀著那些故事並不感到離奇。其實那些故事就在我們幾乎每個人的身邊發生著，或者自己正在親身經歷。作者的高超寫法，讓我一會如臨其境，一會變成書裡面的主人公。紛亂復雜的世事，多重的性格，變幻的場景，象徵著我們的現實，暗示著我們自己的真實生活。
魔幻主義、現實主義等各中寫作方法的運用，已經熟練掌握，化作己用。從書中可以看到文學大師的身影，劉心武老師的靈魂。
從冒牌導師到飛鷹走狗論；從囡囡以及影子同事到商業街上空的動漫混戰；從編制與工資的困惑到車痴；從自投羅網到再見老七。世間百態萬象，世間光怪陸離，世間千奇百怪，世間經典時尚在書中都有一流的描寫，一流的暗喻，一流的刻畫，一流的象徵。
鳥博士的經歷遭遇何嘗不是許多不甘寂寞的年輕人的縮影？何嘗不是當今社會的濃縮版？

C. 求《鳥人》讀後感，謝謝！

從卓越網購買到《鳥人》後，我幾乎是一天讀完了。
我開始慶幸，慶幸中國的文學界終於從低谷慢慢爬向高山，沖向峰頂！
《鳥人》以其高超的敘事手法；對世界的觀察方法，獨特的寫作風格，令我嘆服，令我感嘆：中國的文學有希望了！
書中講述了鳥博士的離奇故事：心高氣傲的鳥博士不滿導師的守舊的學術視野和困於家中生活，乘火車南下投奔好友小七。沒有想到路途中與老鷹沖集團老大相遇，因其過人學識，又想不到被老大賞識聘為特別助理，專門從事老鷹沖重組調研。在出乎意料之外又在情里之中的他由此接觸並調查了社會灰色地帶的所有勢力，並與瘦狗村相聯系，得出了市場經濟與集體主義關系的回答。這個報告被農貿部長所賞識，鳥博士因此成了部長特別助理，被任命為特管會主任，由此一步步進入上流社會，並用魔幻現實主義筆法記錄下一路見聞，千奇百怪的人情世態。可是我讀著那些故事並不感到離奇。其實那些故事就在我們幾乎每個人的身邊發生著，或者自己正在親身經歷。作者的高超寫法，讓我一會如臨其境，一會變成書裡面的主人公。紛亂復雜的世事，多重的性格，變幻的場景，象徵著我們的現實，暗示著我們自己的真實生活。
魔幻主義、現實主義等各中寫作方法的運用，已經熟練掌握，化作己用。從書中可以看到文學大師的身影，劉心武老師的靈魂。
從冒牌導師到飛鷹走狗論；從囡囡以及影子同事到商業街上空的動漫混戰；從編制與工資的困惑到車痴；從自投羅網到再見老七。世間百態萬象，世間光怪陸離，世間千奇百怪，世間經典時尚在書中都有一流的描寫，一流的暗喻，一流的刻畫，一流的象徵。
鳥博士的經歷遭遇何嘗不是許多不甘寂寞的年輕人的縮影？何嘗不是當今社會的濃縮版？
諾貝爾獎在中國有了希望！
《鳥人》值得我一讀再讀，值得大家一讀再讀！
《鳥人》，好書！

D. 在線等！電影鳥人的英文觀後感！60到80個詞之間吧！我已經沒有財富值了π_π

60到80個詞的觀後感？你開玩笑吧？

給你一篇，你自己挑80個詞吧，希望你能湊得出80個詞的觀後感。

Birdman flies very, very high. Intense emotional currents and the jagged feelings of volatile actors are turned loose to raucous dramatic and darkly comedic effect in one of the most sustained examples of visually fluid tour de force cinema anyone's ever seen, all in the service of a story that examines the changing nature of celebrity and the popular regard for fame over creative achievement. An exemplary cast, led by Michael Keaton in the highly self-referential title role of a former superhero-film star in desperate need of a legitimizing comeback, fully meets the considerable demands placed upon it by director Alejandro G. Inarritu, as he now signs his name.

The film's exhilarating originality, black comedy and tone that is at once empathetic and acidic will surely strike a strong chord with audiences looking for something fresh that will take them somewhere they haven't been before.

Dating back to his international breakthrough with Amores Perros 14 years ago, Inarritu's films have always coursed with energy and challenges embraced. Here, he and his indispensable cinematographer Emmanuel Lubezki have gone the extra mile to make a film that, like a far more complicated and sophisticated version of what Alfred Hitchcock did in Rope in 1948, tries to create the illusion of having been filmed all in one take.

Birdman, which bears the rather enigmatic subtitle 「Or the Unexpected Virtue of Ignorance,」 is not only centered on the world of the theater but takes place almost entirely within or very near the venerable St. James Theater on West 44th Street. This is where faded big-screen luminary Riggan Thomson (Keaton) is about to begin previews for what he hopes will bring him renewed acclaim and respectability, ego boosters that have eluded him in the two decades since he decamped from the Hollywood mountaintop upon saying no to Birdman 4.

Of course, Riggan knows he's fated to always be Birdman; he still keeps a poster from the franchise on his dressing room wall and the character's voice sometimes squawks at him like a challenging alter ego. But he's now put everything on the line, including his own money, to mount a stage adaptation of Raymond Carver's What We Talk About When We Talk About Love, which he's written, is directing and is co-starring in with Lesley (Naomi Watts), another film star making her Broadway debut, and Laura (Andrea Riseborough), a sometime lover who's more keen on him than vice versa.
When the other male actor in the piece startlingly becomes incapacitated, Lesley's boyfriend, Mike Shiner (Edward Norton), a major film name, immediately volunteers to step into the breach. This is a godsend for the box office but a wild card in terms of the quartet's dynamics, as the quicksilver Mike is a fiendish manipulator (quite the jerk, actually). After unsettling Riggan at his first rehearsal by having already memorized his part and then demanding rewrites, Mike detonates the initial public preview by drinking real gin (this is Carver country, after all) instead of water onstage.
More raw nerves are supplied by Riggan's straight-from-rehab daughter Sam (Emma Stone), whom Dad has perhaps misguidedly engaged as his personal assistant. Riggan has to listen to Sam's tirades about how his resistance to Twitter and blogging make him even more of a has-been than he was already, this on top of Laura's news that she's pregnant and his concerns over what outrage Mike might provoke at the second preview.

There are enough awkward predicaments, secret liaisons, theatrical pranks, opened and closed doors and offenses given and taken in Birdman to fill a Feydeau farce. But while Inarritu, who wrote the script with his Biutiful co-screenwriter Nicolas Giacobone, playwright Alexander Dinelaris andThe Last Elvis director and co-writer Armando Bo, certainly triggers any number of dark and even catch-in-your-throat laughs, he's out for bigger game here on several fronts.

Riggan's struggle to regain self-respect and a sense of accomplishment is an ambition attacked as sheerest vanity by Sam and Mike, who enjoy provoking him further by pursuing a little dalliance. Beyond this central subject, the film takes vivid X-rays of such matters as creative egos and insecurities, spontaneity versus careful planning, what one does or does not do with power and influence, the positives and negatives of fame and the contrast between the public impact of a controlled event like a theater performance and an impromptu happening such as Riggan』s sprint through a jammed Times Square wearing nothing but his underpants (don't ask).

Propelled by outbursts of virtuoso jazz drumming by Antonio Sanchez, the story's action spans several days but plays out in a visual continuum of time unbroken — until the very end — by any evident cuts; it's as if the already legendary opening 13-minute take in Gravity had persisted through the entire movie. It's no coincidence that the same cinematographer, the incomparable Lubezki, shot both films, although the effect here is very different; as lucid and controlled as the camerawork may be, it's also bold, propulsive, even raw at times and invariably in the right place at the right time to catch the actors as they dart in and out, get in each others' faces or ponder the effect of what they've just said or done to someone else. The scene transitions are handled with breathtaking seamlessness and, once you realize what's going on and stop watching for signs of cuts as the camera goes through a door or enters a dark space, you get into the groove of a film whose rhythms are entirely controlled by the movement of the performers in relation to that of the camera — without the subtle visual disruption that even the most graceful cut must make.

If there is a problem from a dramaturgical point of view, it's that the roles of the play's other actors, to some extent Mike but more so Laura and Lesley, recede instead of deepen as opening night approaches. And one scene, which feels more like score settling than anything real, simply doesn't ring true: In a theater district bar, Riggan runs into the formidable Tabitha (a withering Lindsay Duncan), the all-powerful drama critic for the town's (once) all-powerful leading newspaper. When he quietly offers her a drink, she tells the man to his face that he's an unwelcome Hollywood interloper on her turf and promises that, even though she hasn't seen it yet, 「I'm going to kill your play.」 Vendettas of this sort might have been pursued on occasion in the old days, but for a critic to announce her intentions like this directly to the artist seems all but impossible, even ridiculous, today; the victim would likely call the paper's arts editor at once.

An actor who himself has waited a very long time, and perhaps with diminishing hope, to make a comeback, Keaton soars perhaps higher than ever as a thespian with something to prove when not wearing a funny suit. Casting any sense of vanity out the window — every vestige of aging skin and thinning hair is revealed by the camera — the actor catches Riggan's ambition and discouragement and everything in between; he's criticized and beaten down, even, and perhaps especially, by those closest to him, although he does receive some reassurance and understanding from an unexpected source, his ex-wife Sylvia (Amy Ryan). Keaton skillfully conveys how this old bird can let even the most alarming setbacks just slide off his once-feathered back to get on with the show, one his whole future rides upon — unless, of course, it doesn't.

Norton is crackerjack as the bad boy actor whose gigantic ego does constant battle with equally large insecurities, while Stone stands out among the women, particularly in two nocturnal theater rooftop scenes she shares with Norton (in one, they play a nifty little session of Truth or Dare). Zach Galifianakis plays it straight as Riggan's exasperated procer and attorney.

Shot in 30 days almost entirely at the St. James, this is a film that will excite discerning viewers but will likely electrify professionals in the popular arts, primarily because it's a work that seeks to go beyond the normal destinations for mainstream films — and manages to make it to quite an exciting place.

E. 莫扎特的《魔笛》聽後感

歌劇《魔笛》是莫扎特最後一部也是最偉大的一部歌劇，它的結構統一，主題發展廣闊、性格的刻畫及人物的相互關系處理也非常出色。可以說它是一部民族音樂劇，也是一部與維也納歌劇傳統緊密聯系的偉大的神話歌劇，在這部歌劇中，無論是曲調語言還是和聲語言，無論是人物刻畫還是戲劇表現，都十分突出地體現了民族色彩。
《魔笛》描述一位王子受夜後委託，帶著一支魔笛和一位捕鳥人去神廟解救夜後的女兒。祭司幫助王子認識了夜後的險惡面目，並讓王子和少女通過了幾道考驗後獲得了愛情。
《魔笛》中有幾段非常著名的詠嘆調，一首是《我是快樂的捕鳥人》，歌詞詼諧風趣，音樂活潑歡快，結構精美緊湊，具有濃郁的德國民間歌謠風格，活靈靈地展現了帕帕蓋諾無憂無慮的開朗性格。另一首是夜後的詠嘆調《年輕人別害怕》，這是一首極有名的曲調，表現了夜後仇恨光明的陰暗怪異的變態心理，同時也流露出母親對兒女的疼愛之情。這首歌曲是典型的義大利式的歌劇詠嘆調，作品後半段的華彩樂段和長期停留在高音區的樂句，使之成為最難演唱的曲目，即使是對最優秀的女高音歌唱家來講，也有利考驗和挑戰。另外，帕米娜的《啊，我知道了》和夜後的《心中燃燒著怒火》也同樣具有高難度的技巧和獨特的藝術魅力。《魔笛》可以稱作是莫扎特第一部真正的德國歌劇，這部用德文演唱的歌劇，這部用德文演唱的歌劇，把德意志民族的優良品質，淳樸感情和清醇美麗的音樂有機地結合在一起。實現了莫扎特振興德國歌劇的夙願，開創了德國歌劇以後的發展道路，對新世紀的德國歌劇作曲傢具有極其重大的影響。

F. 寫一篇視頻觀後感 800字左右

看過這樣一段視頻一共 有四個人參加招聘廣告設計總監第一個人 文憑較低 交際能力比較強 有豐富的經驗 作品比較適合大眾化第二個人 文憑較高 作品比較有深度 很難令人看懂第三個人 文憑較高 交際能強 作品藝術性太強第四個人 文憑較高 交際能力較弱 作品比較適合大眾化最後第一個人獲勝了看了這樣一段視頻讓我感觸頗深其實成長、學習是為了讓我們更確定自己的目標，有自己的思考能力，讓我們能發現成功的契機。成功人士所作的第一件事，通常就是把自己的奮斗目標明確找出來，然後盡全力向前邁進。設定目標，無視別人的冷嘲熱諷，正是成功的要素。科萊特在1973年考進哈佛大學，經常坐在他身邊的同學，是一個18歲的美國青年。大二那年，這位小夥子邀科萊特一起退學，他決定去開發已一項財務軟體，想找科萊特一起合作。
不過科萊特拒絕了，因為他好不容易來到這里求學，怎麼可以輕易退學？更何況那項系統的研發才剛起步，墨爾斯博士也只教點皮毛而已。所以，他認為要開發Bit財務軟體，必須讀完大學的全部課程才行。十年後，科萊特終於成為哈佛大學Bit領域的高手，而那位退學的小夥子，也在這一年擠進了美國億萬富翁的行列。
科萊特拿到博士學位之時，那位曾經同窗的青年則已經晉升到了美國第二大富豪。在1995，科萊特終於認為自己具備足夠學識，可以研發並開發Bit財務軟體是，那位小夥子已經繞過Bit系統，開發出Eip財務軟體，而且在兩周之內，這個軟體更佔領了全球市場。這一年，他成為世界首富，他的名字叫做比爾.蓋茨。
在只為升學而升學的年代，有多少人知道自己的方向在哪裡？學歷高並不能代表專業，一些因為興趣而進入專業領域的門外漢，對准目標，孜孜不倦地學習研究，反而比任何具有專業知識的人，更懂得知識與實務的運用。比爾.蓋茨在尚未畢業前，不理會別人的刻薄批評，對了目標，搶得創業先機，成為引領世界的龍頭，正是最好的代表。
知識的獲取不是讀過了就好，如果一知半解，即使能勉強畢業，有一張漂亮文憑，往往也只能紙上談兵，無法融會貫通地運用。故事中，世界首富要告訴我們的是，書是活的，學習的過程不是為讀書而讀書，更不是為拿到文憑而留在教室里。成長、學習是為了讓我們更確定自己的目標，有自己的思考能力，讓我們能發現成功的契機。

G. 求 電影《鳥人》影評 字數八百

你開場花了那麼多篇幅去點評一個在當時算是年輕的演員和一個跟電影根本無關的導演，我就看不下去你的影評了，你只能是道貌岸然的表演文章而已.

H. 鳥人1984影評最後2人都是瘋了嗎

並不是，birdy沒有瘋，在別人無法理解的世界裡他選擇閉嘴，艾爾也沒有

I. 優秀戲劇觀後感400字

「黃梅戲」，大家一定很熟悉。現在，黃梅戲以有了二百多年的歷史。今天，我算是初次看黃梅戲。首先是一個小品展現在我的面前。隨後，今天的戲曲開始了。
故事是這樣的：薛老爺的大夫人不會生小孩，薛老爺又娶了二夫人，二夫人很快便懷上了孩子，大夫人很是嫉妒。正好，薛老爺上京趕考，大夫人就想乘機虐待二夫人。老爺走後，大夫人將二夫人鎖在磨房之中，天天叫她磨麵粉。時不時還用鞭子抽打，有一次，大夫人打罵完後，又狠心地用力踢了一腳二夫人的肚子，疼得直叫喚。大夫人的貼身丫環紅蓮是個好人，很可憐二夫人。送走大夫人後，便急匆匆地趕去看二夫人。剛到門口，便聽到嬰兒的啼哭聲，一個小生命在磨房裡誕生了。二夫人生了個男孩兒！為了防止大夫人禍害小公子，二夫人狠了狠心，讓紅蓮把小公子送走。13年後，小公子繼保長大了。薛老爺也當了官，准備接全家到京城。大夫人在三更天時放火燒了磨房，好在紅蓮事先把二夫人放走了。不久，出來尋母的繼保與二夫人相認，大夫人被薛家趕了出去。5年過去了，繼保高中狀元。養父養母想與他相認，沒想到，這繼保只顧面子，不認人，把雙親害死，自己也遭到報應。
剛開始，大家都以為繼保可能不會認養父養母，果然，被大家猜中了。忘恩負義的繼保只顧自己的面子，什麼別人回笑話，什麼認了在朝庭上沒有立足之地。還不都是借口，認了，百姓肯定說他是個好官，不認，反而會遭到別人的斥責，說他是個不孝之子。養父養母含辛茹苦地把他帶大，怕他餓著，夜裡凍著。頓頓給他吃好的，生怕他吃不飽，覺得不好吃......
總之，大家不要做向薛繼保這樣忘恩負義的小人，別人待你好，你也要待別人好。

一、《鳥人》觀後感

聽說《鳥人》復排就很想去看這部話劇。很早就知道這部戲的時候我還很小，只是依稀知道，就怎樣的劇情，我很是模糊。抱著回憶和期待的心情在上周觀看了此劇。

大幕來開，舞台上背景及那充滿京韻的吆喝聲，車聲，鳥聲，調嗓聲。。。。一下子把我拉到了童年的記憶中去了。一個從海外歸來的心理醫生，硬說遛鳥的人有病，一定要辦一個「鳥人康復中心」，免費為「鳥人」治療。「鳥人」果真有病嗎？人與人之間的沖突，人自己本身的沖突。鳥類學家與販鳥人、心理醫生與」鳥人」們、」鳥人」們之間都存在著矛盾沖突，」鳥人」們的眼中只有自己養的鳥，他們只關心自己籠中的鳥，卻不關心人，不關心周圍的事物，他們養鳥的同時也將自己關在」籠中」，尤其是」百靈張」的鳥殉將這種」籠子」表現到極至。而作為心理醫生的丁保羅同樣也只關心自己的治療成效，為自己的分析成果沾沾自喜，他也成了」籠中鳥」，劇中最後一幕將他與眾」鳥人」的位置倒置，原來他也不過是另一種」鳥人」而已。鳥類學家雖千辛萬苦的尋找那隻珍貴的」鳥」，但他真正關心的並不是鳥，是自己的研究，他將尋找到的鳥不是加以保護，使之存活下去，而是將之製成標本，為自己揚名立萬。作為藝術家的三爺，他十分珍愛自己從事的藝術，甚至人間找不到好的繼承人，就轉而訓練鳥，從訓鳥中填補了自己無法教導後一代戲劇學生的心靈的空虛，他隱於了訓鳥，從而忽略了身邊的一切人和事，他看著處在鳥籠里的鳥，實則同時他自己就是處在這樣一種狀態下籠子里的「鳥」，當他找到一棵好苗子時，不管人家是否願意，他不由分說，熱情高漲的開始教了起來，甚至使用威嚇與哄騙的方式。他們都沉浸在自己的世界裡無法自拔，不是去真心關心他人，只是為自己從事的事業得到成功，他們被自己的追求拌住了腳步，被所謂的」養鳥事業」迷住了眼睛，為自我所羈絆。歸根結底，他們敗在自己手裡，最終只是成為了更大一個籠子里的「鳥」。

看似荒唐並有些和現實脫離的劇情，這荒唐是那麼的真實，給每一個看過此劇後的人們留下了太多思考。人本身就是自私的，誰都可以為了自己那專屬自己的無發實現的夢，用這樣那樣的方法去自我所羈絆，甚至犧牲利用周圍的一切人和物。這發生的一切均緣一個「痴」字。。。。我們固有的思維邏輯是多麼的固執和主觀；我們狹隘的人生觀、價值觀是多麼的荒謬和可笑！真是直指人心！

這是一部值得觀賞的好作品，不僅劇情有深度有思想將人性剖析的很真實。在表演上更是可圈可點的。每一個演員表演上都很到位，抓住了每個角色的靈魂，值得一提是何冰的那兩段京劇更是景上添花。

二、《茶館》觀後感

不知道是不是自己真的年齡大了，看話劇《茶館》也哭一場。隨著場景的替換，人物粉墨登場，心在其中，忘了人在戲外。難怪很小時候聽的那句歌詞我仍然記得很清楚「演戲的人是瘋子，看戲的人是傻子，有的時候悲，有的時候喜，人生就是一場戲」。

話劇一共分三幕，第一幕是發生在清朝戊戌變法那年，譚嗣同維新失敗而被砍了頭，清朝政府腐敗，得勢的仗著權勢欺壓百姓；第二幕到了民國時期，軍閥們為奪權勢，連年混戰，老百姓民不聊生；第三幕抗日戰爭之後的國民黨政府和美國霸權，政治空前黑暗。而穿插三幕的主線就是老裕泰茶館和王掌櫃。茶館風雲變幻，影射了動盪社會下人民對和平的渴望和對黑暗統治的百般無奈，日子就像踐踏在政權的鐵蹄下，四分五裂卻又不得不繼續。劉麻子宋恩子吳祥子二德子和他們的子孫之流，憑著坑蒙拐騙、見風使舵、仗勢欺人的看家本領，橫行霸道。正義倔強的常四爺、誓要建實業保國家的秦二爺、老實本分的王掌櫃卻最終走的走，死的死，終究敵不過那般烏合和權力的蹂躪。

康老太太和王掌櫃的離別，那句「您要硬朗朗的」，聽得我哭了：多年如同家人般的關照，看似簡單的話別，卻飽含多少復雜的心理，這一別將是永別。小花母女的叩別同樣的凄涼；待到常四爺和秦二爺最後和王掌櫃的聚首，當他們提前為自己唱誦輓歌和紛紛拋灑紙錢時，我的眼淚即如雨下。或許是心思太過細膩，又或許是太多愁善感？看《孔子》一樣隨著劇情就那樣入戲了。小時候看動畫片《雪孩子》，因看見雪孩子融化在太陽下，歌聲一響起就哭，就算是現在看同樣無法控制，哭得稀里嘩啦。

演出結束我們一直等到演員出來謝幕，掌聲雷鳴般久久不能停息，梁冠華、濮存昕、楊立新率全體演職人員再三謝幕，劇場不得已將帷幕放下，大家才依依不捨的離開。